Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http :// www . allbest . ru /

Частное учреждение образования

«ИНСТИТУТ СОВРЕМЕННЫХ ЗНАНИЙ ИМЕНИ А.М.ШИРОКОВА»

Кафедра культурологии

К урсовая работа

По дисциплине: Фундаментальная культурология

На тему: "Женская красота в живописи Ботичелли, Леонарда да Винчи, Рафаэля и Тициана: сравнительный анализ"

Студентка

Кузнецова Н.О.

Руководитель

Караулова Р.З.

ВВЕДЕНИЕ

ГЛАВА 1. ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ

2.2 Описание работ

2.3 Сравнительный анализ

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

ЛИТЕРАТУРА

ВВЕДЕНИЕ

Это было время великих открытий и великих людей. Казалось, человечество, стряхнув оцепенение и стари средневековья, с радостью и удивлением заново открывало мир, в котором жило. Это время назовут эпохой Возрождения. После многовекового забвения люди вновь открыли для себя искусство и мудрость античного мира. Но главное открытие эпохи Возрождения - это сам человек. Человек велик и прекрасен. Он обладает безграничными творческими и духовными возможностями - когда человек творит, он подобен Всевышнему Творцу. Ведь Господь создавал этот мир, как художник создает свои творения. И пусть дела человека в то далекое от нас время не всегда были "великолепными" и продолжали звинеть мечи и лилась кровь на поле брани, но эпоху Возрождения часто сравнивали с прекрасной весной.

Искусство этой эпохи подарило всему человечеству много славных имен художников, скульпторов, архитекторов: Джотто и Брунеллески, Донателло и Пьеро делла Франческа, Ботичелли и Браманте, Микеланджело и Леонардо да Винчи, Тициан и Веронезе этих людей называют "титанами Возрождения". Именно по этому я взяла эту тему для осмысления. Как ранее выглядела женщина, что было идеалом, как прекрасную половину изображали художники, на сколько отличается женская красота от современной? В своей работе я постараюсь разобраться с этими вопросами. И провести анализ художников одной эпохи.

Эпоха Возрождения была прежде всего духовным явлением. Она стала поворотным пунктом в эволюции западной культуры и цивилизации. Она означала начало новой тенденции - тенденции от культуры к цивилизации.

Актуальность темы:

Мне кажется эта тема до сих пор актуальна, а также она очень интересна, уникальная и неподражаема. Актуальна в том, что всегда встает тот вопрос как должна выглядеть женщина ведь она была и останется прекрасным полом, красотой которая спасет мир. Интересна потому что эти картины дошли до нашего времени, и мы можем посмотреть и увидеть своими глазами то что изображалось ранее, это очень ценный для нас кусочек искусства. Уникальна она в том что картины эти единственные, бесценные, живые, такую красоту больше никто не создаст. А неподражаемая потому что аналогии этих прекрасных картин не будет, то что создали эти художники с любовью, останется на всегда в наших сердцах.

Возрождение высоко подняло представление о человеческом разуме, его способности познавать мир. Бурное развитие науки характерно для этого периода. Особое внимание в поисках идеала гуманисты обращали на историю человечества. Античная культура оказалась наиболее близкой их устремлениям. Многие из образованных людей той поры обнаруживали равнодушие к религии. И хотя художники писали картины главным образом на религиозные темы, они видели в религиозных образах поэтическое выражение накопленного веками жизненного опыта людей.

Определить трактование женской красоты. Увидеть идеал женщины того времени.

Рассмотреть женские образы на примере работ Леонардо да Винчи «Мадонна Литта», «Портрет Моны Лизы»; Сандро Боттичелли «Весна», «Рождение Венеры»; Рафаэля «Сикстинская Мадонна», «Мадонна Калестабиле»; Тициана «Венера с зеркалом», «Кающаяся Магдалина». Провести сравнительный анализ работ художников Возрождения.

Эпоха Возрождения была прежде всего итальянской. Поэтому не удивительно, что именно в Италии искусство в этот период достигло наивысшего подъема и расцвета, более всего расцвет художества. Ф. Энгельс писал об эпохе Возрождения: «Это был величайший прогрессивный переворот из всех пережитых до того времени человечеством, эпоха которая нуждалась в титанах и которая породила титанов силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености».

Итальянская живопись 15 века - преимущественно монументальная. Она выполнялась на стенах техникой фрески и по всему характеру была рассчитана на восприятие издали. Итальянские мастера умели придать своим образам общезначимый характер. Они отбрасывали мелочи и подробности и смотрели на мир глазами людей, умеющих видеть сущность человека в его жесте, телодвижении, осанке.

В своей работе я использовала следующие произведения: «Энциклопедический словарь юного художника» Н. И. Платонова, В. Д. Синюков (1983) в этой книге авторам хорошо и понятно удалось объяснить что из себя представляет эпоха Возрождения. Очень хорошие были примеры картин и художников. «Рафаэль» А. Б. Клиентов (2004) - в этой книге изложена вся биография великого художника с очень яркими красивыми иллюстрациями. Журнал «Смена» главный редактор М. И. Кизилов (август 1998) в названии заложена вся суть, как на смену одному приходит другое. И еще один важный источник которым я пользовалось больше всего это «Леонардо» перевод с итальянского Е. К. Архиповой(1986) в этой книге рассказывается не только про гениального художника, а еще про эпоху в которой он жил, описывается что происходило в то время.

ГЛАВА 1. ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ

1.1 Определение эпохи возрождения

Возрождение или Ренесанс - ("заново рожденный") - эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки - начало XIV - последняя четверть XVI века и в некоторых случаях - первые десятилетия XVIIвека(например в Англии и особенно в Испании). Отличительная черта эпохи Возрождения -- светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» -- так и появился термин. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета.

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма -- общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов..

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировозрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Искусство Возрождения, как и предшествующих эпох, ставило своей целью дать представление об устройстве мира, земного и небесного. Новым было то, что представления о божестве и небесных силах уже не трактуются как непостижимая пугающая тайна и, главное, это искусство проникнуто верой в человека, в силу его разума, творческих возможностей. .

Жизнь эпохи Возрождения была тесно связана с искусством. Оно составляло ее неотделимую часть не только как предмет созерцания, но как труд и творчество. Искусство как бы стремилось не только наполнить церкви и дворцы, но и найти себе место на городских площадях, перекрестка улиц, на фасадах домов и в интерьерах. Трудно было найти человека, равнодушного к искусству. Князья, купцы, ремесленники, духовенство, монахи были не редко людьми, сведущими в искусстве, заказчиками и покровителями художников..

Развитию искусства немало способствовало то, что в больших скопились быстро нажитые богатства. Но легкий успех не портил даже самых падких до славы и наживы художников, так как строгие основы цеховой организации художественного труда были еще сильны. Молодежь проходила обучение, работая в качестве подручного у зрелого мастера. Многие художники поэтому так хорошо знали ремесло искусства. Произведения искусства выполнялись бережно и любовно. Даже в тех случаях, когда на них не лежит отпечаток таланта или гения, нас неизменно восхищает добротное мастерство. .

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках, но оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

1.2 Периоды эпохи итальянского возрождения

Итальянское Возрождение делят на 5 этапов:

1-Проторенессанс (2-я половина XIII века -- XIV век)

2-Раннее Возрождение (1410/1425 года XV века -- конец XV века)

3-Высокое Возрождение (конец XV -- первые 20 лет XVI века)

4-Позднее Возрождение (середина XVI -- 90-е годы XVI века)

5-Северное Возрождение -- XVI век

Эпоха Возрождения имела огромное положительное значение в истории мировой культуры. В искусстве Возрождения воплотился идеал гармонического и свободного человеческого бытия, питавший его культуру.

1-Проторенессанс («первый» Renaissance -- «Возрождение») -- этап в истории итальянской культуры, предшествующий Ренессансу. Считается переходным от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения. Термин был впервые введен швейцарским историком Я. Буркхардтом.

В итальянской культуре XIII--XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства -- будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и Риме. В итальянской культуре переплетались черты старого и нового.

Второй период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего века.

Третий период Возрождения -- время самого пышного развития его стиля -- принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II -- человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства..

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590--1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий -- маньеризм.

Пятое северное - Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

ГЛАВА 2. ВЕЛИКИЕ ИТАЛЬЯНСКИЕ ХУДОЖНИКИ ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

2.1 Биография и творчество художников

Сандро Боттичелли (1 марта 1445 -- 17 мая 1510) -- глубоко религиозный человек, работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, -- «Весна» и «Рождение Венеры». .

Долгое время Боттичелли находился в тени работавших после него гигантов Возрождения, пока не был в середине XIX века переоткрыт британскими прерафаэлитами, которые почитали хрупкую линеарность и весеннюю свежесть его зрелых полотен за высшую точку в развитии мирового искусства.

Родился в семье зажиточного горожанина Мариано ди Ванни Филипепи. Получил хорошее образование. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Потом работал у известного скульптора Верроккьо. В 1470 г. организует собственную мастерскую..

Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Верроккьо. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. В 1470-1480-х гг портрет становится самостоятельным жанром в творчестве Боттичелли («Человек с медалью», ок. 1474; «Юноша», 1480-е гг). Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489--1490), «Покинутая» (1495--1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись..

Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти во Флоренции. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.

Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (15 апреля 1452, селение Анкиано, около городка Винчи, близ Флоренции -- 2 мая 1519, -- великий итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» . .

Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи -- Джанкарло Джентилини и Карло Сиси -- утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи. Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. .

Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато -- дымки между зрителем и изображенным предметом, которая смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. . возрождение картина боттичелли ренессанс

Рафаэль Санти (28 марта 1483 -- 6 апреля 1520) -- великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы..

Сын живописца Джованни Санти прошёл первоначальную художественную выучку в Урбино у своего отца Джованни Санти, но уже в юном возрасте оказался в мастерской выдающегося художника Пьетро Перуджино. Именно художественный язык и образность картин Перуджино с их тяготением к симметричной уравновешенной композиции, ясностью пространственного решения и мягкостью в решении колорита и освещения оказали первостепенное влияние на манеру молодого Рафаэля.

Необходимо оговорить и то, что творческий почерк Рафаэля включал синтез приемов и находок других мастеров. Сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочерёдно -- на находки Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело. .

Ранние произведения («Мадонна Конестабиле» 1502--1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях комнат Ватикана (1509--1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов..

Во Флоренции, соприкоснувшись с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509--1511), среди которых безусловный шедевр мастера -- фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное своё творение -- «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения. Картины и росписи Рафаэля были признаны современниками, и вскоре Санти стал центральной фигурой художественной жизни Рима. Породниться с художником хотели многие знатные люди Италии, в том числе близкий друг Рафаэля кардинал Биббиена. Художник умер в возрасте тридцати семи лет от сердечной недостаточности. Незаконченные росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и другие работы были завершены учениками Рафаэля в соответствии с его эскизами и рисунками..

Один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, для картин которого характерна подчеркнутая сбалансированность и гармоничность целого, уравновешенность композиции, размеренность ритма и деликатное использование возможностей цвета. Безупречное владение линией и умение обобщать и выделять главное, сделало Рафаэля одним из самых выдающихся мастеров рисунка всех времен. Наследие Рафаэля послужило одним из столпов в процессе становления европейского академизма. Приверженцы классицизма -- братья Карраччи, Пуссен, Менгс, Давид, Энгр, Брюллов и ещё многие другие художники -- превозносили наследие Рафаэля как самое совершенное явление в мировом искусстве..

Тициан Вечеллио (1476/1477 или 1480-е--1576) -- итальянский живописец эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции..

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный..

Тициан родился в семье Грегорио Вечеллио, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения у известного мозаичиста Себастьяна Дзуккато. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) и рядом других художников, ставших впоследствии знаменитыми.

В 1518 году Тициан пишет картину «Вознесение Богоматери» , в 1515 году -- Саломею с головой Иоанна Крестителя. С 1519 по 1526 год расписывает ряд алтарей, в том числе алтарь семейства Пезаро..

Тициан прожил долгую жизнь. До последних дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576 году, заразившись от своего сына, ухаживая за ним..

Император Карл V вызвал Тициана к себе и окружил почётом и уважением и не раз говорил: «Я могу создать герцога, но где я возьму второго Тициана». Когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору». И испанский, и французский короли приглашали Тициана к себе, поселиться при дворе, но художник, выполнив заказы, всегда возвращался в родную Венецию.В честь Тициана назван кратер на Меркурии. .

2.2 Описание работ

Картина Сандро Боттичелли (1445-1510) "Весна"

Образы картины навеяны античной поэзией и имеют мифологический подтекст. Однако это не только поэтическое иносказание. Боттичелли вложил в свое произведение сложный философский смысл. Для того чтобы раскрыть основной замысел «Весны», обратимся к содержанию и композиционному построению картины..

Движение в картине устремлено справа налево. Из верхнего правого угла вторгается голубовато-зеленая фигура в развевающемся плаще. По раздутым щекам и крыльям мы понимаем, что это ветер. От его полета согнулись стволы деревьев. Цепко схватил он бегущую влево нимфу. Она обернула к нему испуганное лицо, а руками касается третьей фигуры, будто просит защиты. Но та, словно не замечая, шествует к нижнему краю картины, глядя на зрителя, и жестом сеятеля, берущего новую пригоршню семян, опускает правую руку в складки платья, переполненные розами. Девушку с худощавым лицом, с венком на золотых волосах, в длинном платье, расшитом цветами, часто называли Весной. Это и есть богиня цветов и растений Флора..

Три фигуры понадобились художнику, чтобы рассказать миф о том, как весенний ветер Зефир своей любовью превратил нимфу по имени Хлорис (что означает «зеленая» или «зелень») в богиню цветения Флору. О том, как весной расцветает природа. И как поэтично показано превращение. Вместе с дыханием с открытых губ нимфы слетают цветы, они сыплются из-под ее руки, покрывают мелким узором ее подол. Кажется, будто это просвечивают сквозь ткань цветы, растущие на лугу. Третья справа фигура -- это уже превращенная Хлорис в ее новом облике. Она стала богиней в пышном одеянии. И как замечательно оживают и становятся настоящими цветами вышитые узоры ее платья (например, на ее вороте), напоминая зрителям, о каких реальных вещах повествует эта красивая сказка. Три правые фигуры символизируют первый месяц весны, ибо первое дуновение Зефира считалось ее началом.

Четвертой справа, чуть в глубине, помещена на картине Венера. Она показана простой, тихой и скромной. Это не блистательная красавица-богиня, привыкшая повелевать. Мы бы и не догадались, что это Венера, если бы над ее головой не парил в воздухе Амур с луком и огненной стрелой. И если бы деревья, заполняющие фон картины, не расступались вокруг нее полукруглым просветом, показывая, что здесь смысловой центр картины. Склонив голову набок, смотрит она в нашу сторону задумчиво, чуть испытующе. Движением правой руки, словно остановленным в воздухе, благословляет Венера группу Граций. Жест заботливый, опекающий. Он задерживает наше внимание, заставляя лучше ощутить четкую ритмическую паузу в центре картины, а затем посылает наш взгляд влево. Венера и ее спутницы Грации символизируют второй месяц весны -- апрель.

Наконец, последний персонаж картины--Меркурий (крайняя фигура слева). Достойный спутник Граций, поскольку он божество разума и красноречия, изобретатель искусств. Но самое главное то, что в древнеримском календаре Меркурию был посвящен весенний месяц май. Он назван так в честь матери Меркурия -- Майи. Этот месяц считался концом весны и началом лета. Может быть, поэтому Меркурий, служащий в картине символом мая, повернут спиной к другим весенним божествам.

Мир, изображенный на картине Боттичелли, необычен и загадочен. Сказочные деревья уже покрыты спелыми плодами, а луг еще только пестрит весенними цветами. У каждой фигуры «Весны» свой горизонт. Мы смотрим на них то чуть сверху, то чуть снизу. Может показаться, что некоторые из них стоят на склоне холма, но в другую минуту луг под ногами кажется ровным. А между тем просвет среди деревьев, волнообразной полосой проходящий через всю картину, в правой части ее показывает небо там, где мы ожидали бы видеть продолжение поверхности луга. Похоже, что Боттичелли сознательно отказывается от достижений ренессансной перспективы ради создания атмосферы взволнованности и пафоса..

Композиционный ритм «Весны» частый, сдавленный. Художник волнообразно расположил ряд фигур, то сдвинув их тесно, то увеличив интервал, окружив темным фоном зелени и создав еще второй, дробный ритм цветов и орнаментов. В линиях контуров и складок преобладают довольно крутые диагонали, поднимающиеся влево, и почти нет горизонталей..

У большинства фигур взгляд и жесты разобщены, словно они показаны в момент, когда прежнее движение еще продолжается по инерции, а внимание переключается на новый предмет. Так, например, средняя Грация еще движется в хороводе подруг, но уже забывает о нем, погруженная в созерцание Меркурия. Кажется, что движения и жесты в картине забыты в тот же миг теми, кто их совершает, или теми, к кому они обращены. Мгновения, как и линии, перекликаются между собой, но не связываются, а разобщаются. Отсюда настроение глубокой созерцательности, благодаря которому входит в картину тема более важная, чем положенная в ее основу аллегория,-- тема духовной жизни..

Некоторые искусствоведы полагают, что картина должна была укрепить в подростке привязанность к тем нравственным идеалам, которые внушали ему воспитатели. Венера в боттичеллиевской «Весне» скорее всего символизирует не просто любовь и красоту, а «гуманитас» -- достойную принадлежность к человечеству, человечность. Тут полезно напомнить, что слово «грация» относится в итальянском языке не только к красоте, но и к доброте, милосердию..

А еще хочется сказать немного и о таких сторонах содержания «Весны», которые были ясны лишь наиболее образованным современникам художника. Боттичелли дважды показал на картине Флору-Хлорис. Но это не единственное повторение в картине. В XV веке в Грациях видели три разных проявления единого божества -- Венеры; считали, что Грации -- это она сама. Ученые много спорят об именах и различиях Граций у Боттичелли; оказывается, что одну из Граций в XV веке итальянцы часто называли «Вердура» (зелень, молодость). Не правда ли, похоже на перевод имени Хлорис? Венеру некоторые поэты прямо отождествляли с Флорой. Что касается Меркурия, то он, кроме всего, считался богом ветра и в этом качестве назывался Зефиром. Итак, в композиции из восьми фигур показаны лишь два обобщенных поэтических символа: один, олицетворяющий ветер, дух, разум, другой -- любовь, природу, цветение..

Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» (1482-1483)

Знаменитая картина художника Сандро Боттичелли «Рождение Венеры». Размер работы 172,5 x 278,5 см, холст, темпера. Картина написана по заказу Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, для которого исполнялась и «Весна». Картина была предназначена для украшения все той же виллы Кастелло. По-видимому, они мыслились как парные композиции, и между ними существовала определенная связь. .

Картина изображает рождение небесной Венеры из пены моря, или таинство явления в мир Красоты. Под дуновением Зефира, проносящегося над морским пространством в объятиях своей возлюбленной Ауры, богиня приплывает на раковине к берегу. Ее встречает Ора, готовая накинуть на нагое тело Венеры плащ, расшитый цветами. Если «Весна» ассоциируется с праздником в царстве богини любви, то эта композиция представляет богоявление. Как обычно в живописи Боттичелли, приподнятость чувств здесь граничит с меланхолической задумчивостью, рождая эмоциональную атмосферу, пронизанную светом. Все в композиции несет на себе отпечаток субъективного мира художника.

Боттичелли выразительно передал стихию ветров, веющих над водами. Клубящиеся одеяния, линии, которыми написаны волосы и крылья -- все это исполнено динамического порыва, олицетворяющего один из основных элементов вселенной. Ветры -- Зефир и Аура -- зримо колышут водный простор. В отличие от ветров, чья стихия -- воздух, пространство Оры -- земля. В белом платье, расшитом васильками, украшенная гирляндами из миртов и роз, она, стоя на берегу, готова окутать Венеру плащом, красный цвет которого символизирует любовь. Два боковых крыла композиции -- пролетающие ветры и Ора, чей объем зримо увеличивают платье, колеблемое ветром, дерево и плащ Венеры, -- это нечто вроде завесы, которая, распахнувшись, представила миру таинство явления Красоты. В картине «Рождение Венеры» удивительно точно найдена каждая деталь, а композиция в целом оставляет впечатление совершенной гармонии. Натянутыми, порывистыми и мелодичными линиями, выводящими сложную арабеску, художник очерчивает фигуры и более обобщенными контурами обозначает окружающую среду. Видна лишь узкая полоска берега, а остальное место занимают светлое сияющее изнутри небо и море. Венера -- едва ли ни самый пленительный образ у Боттичелли. Художник дает собственное истолкование классического идеала красоты..

Боттичелли изображает фигуру с изящно покатыми плечами, маленькой головкой на великолепной длинной шее и вытянутыми пропорциями тела и певучими, плавными очертаниями форм. Неправильности в передаче строения фигуры, в фиксации ее контуров лишь усиливают замечательную экспрессию образа. В лице богини также заметны отступления от классической правильности, но оно прекрасно и притягательно своей трогательностью. В выражении его отсутствует определенность, так же как лишена устойчивости поза богини, только что пришедшей в мир. Глаза Венеры смотрят слегка удивленно, не останавливаясь ни на чем. Голова увенчана роскошным каскадом золотистых волос. Следуя древнеримским поэтам, Боттичелли изображает волосы, разделенные на пряди и колеблемые морским ветром. Это зрелище очаровывает. Стыдливым жестом Венера прикрывает тело. Чувственный облик прекрасной богини любви и красоты художник наделил чистотой и почти сакральной возвышенностью. Дождь роз, мерно ниспадающих в море, передан ясным языком линий и цвета. Боттичелли не ищет научно выверенной точности их очертаний и форм. Восхищение красотой цветка диктует ему простые и изящные контуры бутонов и раскрытых роз, повернутых в разных ракурсах. Их нежная окраска, хрупкость строения и ритм этого тихого дождя из цветов подчеркивает эмоциональную тональность композиции..

Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» (1490-1491)

Картину «Мадонна Литта» художник Леонардо да Винчи написал в начале 90-х годов 15-го столетия. Размер картины 42 x 33 см, дерево, темпера. В картине «Мадонне Литта» -- в произведении итальянского живописца иного, более камерного характера нежели ранние работы, отчетливо выразились элементы нового искусства эпохи Высокого Возрождения. Общий замысел картины восходит, бесспорно, к самому мастеру, что подтверждается его собственноручным рисунком женской головы для головы мадонны, хранящимся в Лувре, и той особой красотой композиционного решения, которая в те годы была недоступна никому, кроме Леонардо да Винчи..

Однако живописное исполнение картины менее совершенно. Это связано, по-видимому, с тем, что в работе над картиной принимал участие ученик Леонардо Амброджо де Предис. Картина «Мадонна Литта» по своему типу напрашивается на сравнение с «Мадонной с цветком», в сопоставлении с которой становится особенно наглядным решающий качественный скачок, который произошел в творчестве Леонардо да Винчи.

Композиционное построение картины отличается поразительной четкостью и совершенством. Достаточно обратить внимание на то, как красиво до предела обобщенный и в то же время живой силуэт фигуры мадонны сочетается с геометрически строгими очертаниями двух симметрично расположенных оконных проемов или как безошибочно точно, но в то же время естественно ее голова помещена в простенке между этими окнами. Мягкая лепка ее лица выигрывает от контрастного соседства с голубым небом, видимым в просвете окон.

Чувство радости материнства в картине «Мадонна Литта» углубилось благодаря содержательности самого образа Марии -- в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты. Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка -- кажется, что она улыбается своим грезам. Картина «Мадонна Литта» написана художником не маслом, а темперой -- ее лучшей сохранностью объясняется, вероятно, несколько более интенсивное, чем обычно у Леонардо, колористическое созвучие подбитого золотистой подкладкой синего плаща (более светлым отголоском которого воспринимается голубое небо с легкими облаками) и насыщенно красного платья мадонны. .

Леонардода Винчи « Джоконда » (Мона Лиза)

Будучи высшей точкой, вершиной творчества Леонардо, это полотно является как бы кристаллизацией его гения, сокровенных мыслей и вдохновения. О Моне Лизе известно очень мало, кроме нескольких незначительных фактов, и потому трудно ответить на очень важный вопрос, часто задаваемый и обсуждаемый: была ли она просто красивой моделью для Леонардо или же она была его музой и даже любовью, во что многие хотели бы верить. Есть некоторые факты, подтверждающие правильность последнего предположения, и это, возможно, объясняет особое волшебство картины. Но какова бы ни была правда, какой замечательной, должно быть, являлась она личностью, если сумела вызвать все лучшее в этом гиганте Ренессанса. Она помогла этому гению оставить потомкам уникальный шедевр, вдохновляющий тысячи и тысячи людей на протяжении веков.

Огромное воздействие окружающих людей на художников слишком хорошо известно, даже если сами эти люди оставались в тени. Взаимодействие личностей модели и художника, особенно если их связывают взаимная симпатия и влечение, часто приводит к созданию шедевров..

В данном случае Моне Лизе было дано пробудить в Леонардо такое вдохновение, что он создал одно из прекраснейших сокровищ мира. Бессмертный ореол, окружающий все творения этого величайшего гения, подтверждают его собственные слова: "Если человек добродетелен, не прогоняйте, а почитайте его, чтобы у него не было причин оставить вас. Если вы встретитесь с такими людьми - почитайте их, так как они Боги на этой Земле и достойны такого же поклонения, как священные статуи и образы". Хотя до сих пор ведутся споры о том, чей же образ мастер запечатлел на своем полотне. Общепринятым считается мнение, что прототипом изображенной на портрете женщины является жена флорентийца Франческо ди Джокондо, чье имя - Мона Лиза - стало вторым, обиходным, названием картины. .

Портрет Моны Лизы - вершина творчества Леонардо да Винчи. По сравнению с предыдущими портретами данная работа намного более совершенна. Впервые за всю историю живописи портретный образ выполнен столь же значительно, что и образы других живописных жанров. Поразительна художественная глубина произведения. Техника написания портрета доведена мастером до совершенства.

Пристально, неотрывно смотрит Джоконда на зрителя. Ее спокойный взгляд излучает ум и волю. Улыбка Джоконды необычайно притягательна, обворожительна, маняща. Она не просто улыбается, а интригует зрителя. Улыбаясь, Джоконда не выказывает пренебрежения или превосходства, просто она спокойна, полна самообладания и уверена в себе. Сила человеческой личности, единство духа и разума - вот одна из особенностей леонардовского портрета. От Джоконды исходит ощущение внутренней свободы, душевной гармонии, сознания собственной значительности. .

Пейзаж, открывающийся за спиной Джоконды, выполнен в светлых тонах и словно является продолжением ее образа. Фигура девушки гармонично сливается с окружающим природным ландшафтом, что помогает выразить основную идею картины: внутренний мир человека многогранен, прекрасен и необъятен, как и мир природы. Однако человеку не суждено полностью познать окружающий его мир. Возможно, именно эти тщетные попытки человека проникнуть в сущность всего живого и вызывают на устах Джоконды ее знаменитую улыбку. Современники Леонардо были поражены достигнутым сходством, необыкновенной жизненностью портрета. .

Иногда кажется, что можно почувствовать дыхание Моны Лизы, если приблизиться к ней. На самом деле значение этой работы гораздо более широко: портрет Джоконды можно рассматривать как образ человека эпохи Возрождения. Представим, что Джоконда исчезла, осталась только ее загадочная улыбка... И даже если предположить, что исчезла вся цивилизация, а сохранилась лишь улыбка Моны Лизы, волшебная сила ее могла бы вновь возродить человечество. .

Завершив работу над портретом Джоконды, автор уже не расставался с ним. После его смерти картина перешла к королю Франции Франциску I, который поместил ее в своем дворце - Лувре, где она находится до сих пор. Джоконда и сейчас дарит людям свою загадочную улыбку, заставляя задуматься о необъятности нашего мира, о жизненных ценностях и приоритетах, о гармоничном слиянии человека с природой и искусством.

Рафаэль «Сикстинская Мадонна»

Является одним из известнейших произведений итальянского Ренессанса. Полотно было создано Рафаэлем в 1512--1513 годах для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторгшимися в Италию и присвоения Пьяченце статуса Папской Области..

На картине изображены Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II, носящего сходство с Папой Юлием II, Святой Варвары, и двумя ангелочками внизу, под Мадонной глядящими снизу вверх на её схождение. Фигуры образуют треугольник, поднятый занавес лишь подчёркивает геометрическое построение композиции..

Святой, у ног которого изображена папская тиара, подчёркивающая его высокий сан, указывает своей рукой в сторону наблюдателя, и Мадонна с младенцем смотрят в указанном им направлении, в то время как Святая Варвара склонила голову. Первоначальное место картины было перед большим распятием, поэтому выражения лиц и позы фигур на картине обусловлены их чувствами при виде страданий и смерти Христа..

Предполагают, что моделью для Мадонны послужила возлюбленная Рафаэля Форнарина. Кажется, что Сикст Второй, папа римский, изображён Рафаэлем на картине с шестью пальцами на правой руке, поскольку он Сикст, то есть на латыни Шестой. На самом деле кажущийся «шестой палец» («мизинец») является частью внутренней стороны ладони..

Два ангелочка, изображённые на картине, являются мотивом многочисленных открыток и плакатов. Некоторые искусствоведы утверждают, что эти ангелочки опираются на крышку гроба..

У левого ангела внизу картины видно только одно крыло. Если внимательно приглядеться, то можно увидеть, что фон из светлых облаков в верхней части картины состоит из лиц и голов ангелов.

Рафаэль « Мадонна Конестабиле » ( 1502--04 )

Холст (переведена с дерева), темпера. 17,5Ч18 см

«Мадонна Конестабиле» -- миниатюрное и, вероятно, неоконченное изображение Девы Марии и младенца Христа, принадлежащее кисти 20-летнего Рафаэля. Традиционно считается последней работой, созданной Рафаэлем в Умбрии, до переезда во Флоренцию (художник, скорее всего, оставил её незавершённой в связи с переездом)..

Картина, в старину именовавшаяся «Мадонной с книгой» происходит из семьи графа Конестабиле из Перуджи, у которого она была приобретена Александром II в 1871 году. Царь подарил его своей супруге, Марии Александровне. С тех пор картина выставляется в собрании Эрмитажа в Санкт-Петербурге..

Эрмитажные работы старых мастеров сильно пострадали при переводе с доски на холст -- обычная практика во многих музеях XIX века. Однако этот процесс приносил и свои открытия. Ныне картина изображает Мадонну за чтением книги -- вероятно, Священного Писания. В 1881, когда картина переводилась на холст, было обнаружено, что поначалу она держала в руках не книгу, а гранат -- символ пролитой крови и Христовой жертвы. Сама процедура перевода описана В. В. Стасовым в очерке «Художественная хирургия»..

Во время эрмитажных распродаж советского времени картину вместе с «Мадонной Альба» вывезли в Европу, однако, несмотря на скромность запрошенной цены, покупателя на «сомнительную» работу найти так и не смогли. Благодаря этому «Мадонна Конестабиле» осталась единственным полотном Рафаэля в российских собраниях..

До перевода на холст одно целое с картиной составляла пышная рама с гротесками, созданная в одно время с полотном, вероятно, по рисунку самого Рафаэля.

Тициан «Венера с зеркалом»

Венера смотрится в зеркало, которое держит перед ней Амур.

Точная дата написания картины неизвестна. Считается, что она была закончена около 1647--1651 гг. Предположительно, написал «Венеру с зеркалом» во время своего визита в Италию, так как инквизиция в Испании запрещала писать обнажённое женское тело. .

Сюжет этого полотна навеян венецианской живописью эпохи Возрождения. Похожие картины можно встретить у Джорджоне («Спящая Венера») и Тициана («Венера Урбинская»). В своей работе Веласкес объединил две устоявшиеся позы, в которых изображалась Венера -- полулежащая и с зеркалом..

«Венера с зеркалом» -- единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса. До 1813 года картина хранилась в частных коллекциях в Испании, потом была перевезена в Йоркшир. В 1906 году она была куплена Фондом национальных коллекций для Лондонской Национальной галереи. В 1914 году картина была повреждена суфражисткой Мэри Ричардсон, но полностью реставрирована и возвращена в галерею, где находится и по сей день..

Тициан « Кающаяся Мария Магдалина » (1560)

Картина художника Тициано Вечеллио «Кающаяся Мария Магдалина». Размер картины 119 x 98 см, холст, масло. Последовательно и с большой живописной силой эстетические представления позднего Тициана о жизни находят свое выражение в его «Кающейся Магдалине», одном из шедевров эрмитажной коллекции. Картина эта написана на сюжет, весьма характерный для эпохи контрреформации. .

На деле же в этой картине Тициан еще раз утверждает гуманистическую и «языческую» основу своего творчества. Великий реалист, решительно переосмысливая религиозно-мистический сюжет, создает произведение, по своему содержанию открыто враждебное реакционно-мистической линии в развитии итальянской позднеренессансной культуры. Для Тициана смысл картины не в пафосе христианского покаяния, не в сладостной истоме религиозного экстаза и тем более не в утверждении тленности плоти, из «темницы» которой рвется к богу «бестелесная душа» человека. В «Магдалине» череп -- мистический символ тленности всего земного -- для Тициана лишь аксессуар, навязанный канонами сюжета, поэтому он и обращается с ним довольно бесцеремонно, превращая его в подставку для развернутой книги. Взволнованно, почти жадно передает нам художник пышущую красотой и здоровьем фигуру Магдалины, ее прекрасные густые волосы, ее бурно дышащую нежную грудь..

Страстный взгляд полон земной, человеческой скорби. Тициан прибегает к мазку, передающему безукоризненно точно реальные цветовые и световые соотношения. Беспокойные, напряженные цветовые аккорды, драматическое мерцание света и тени, динамическая фактура, отсутствие изолирующих объем жестких контуров при пластической определенности формы в целом создают образ, полный внутреннего движения. Волосы не лежат, а спадают, грудь дышит, рука дана в движении, складки платья взволнованно колышутся. .

Свет мягко мерцает в пышных волосах, отражается в подернутых влагой глазах, преломляется в стекле фиала, борется с густыми тенями, уверенно и сочно лепит форму тела, всю пространственную среду картины. Точное изображение действительности сочетается с передачей ее вечного движения, с ее яркой образно-эмоциональной характеристикой. Но каков в итоге смысл создаваемого с такой живописной силой образа? Художник восхищается Магдалиной: человек прекрасен, его чувства ярки и значительны. Но он страдает. .

Былое ясное и безмятежное счастье бесповоротно нарушено. Окружающая человека среда, мир в целом -- уже не тот спокойный фон, покорный человеку, каким мы видели его раньше. На пейзаж, расстилающийся за Магдалиной, набегают темные тени, небо заволакивают грозовые тучи, и при тусклом свете последних лучей угасающего дня выступает образ охваченного горем человека.

2.3 Сравнительный анализ

Исходя из описания картин можно сказать, что художники преодолевают рамки традиционного сюжета и придают изображению более широкий, общечеловеческий смысл, каковыми является материнская робость и любовь. Многие произведения этих творцов относятся к редчайшим шедеврам искусства.

Женщина представала в картинах очень красивой, не виданные в то время образы красоты, заставляли смотреть на картину не отводя глаз. У этих произведений пленитьное впечатление. В душе зарождается стремление к прекрасному. Во всех картинах удивительно живые взгляды, на некоторых картинах таинственные и загадочные улыбки. Почти все женщины как-то схожи между собой, может то, что они все изображались с объективными формами, у всех в лице есть некая психологическая выразительность. В картинах присутствует равновесие и гармония, конкретные сопостовления фигур, мягкие полутона, застывшая неподвижность, всеобщая текучесть. Так же про эти шедевры можно еще сказать, что авторы показывали четкую композицию фигур, стремление к лаконичности, стремление к обобщению, играли на контрастах иногда делали их резкими.

Художники создают живые трепетные изображения. Человечность, любовь к подлинному можно увидеть. Живыми чувствами людей пронизывают свои произведения искусства. Например на картине Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» - ребенок полный здоровья и бессознательной энергии, движется на руках матери, перебирает ножками. Она любуется им погруженная в свои мысли, сосредоточив на ребенке всю силу своих чувств и сосредоченость настроения. Угадывающийся взгляд создают то впечатление одухотворенности, которое Леонардо так любил и умел вызывать.

Эти картины помогают создать волнующее и возвышенное представление о человеке.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В работе рассмотрено 8 картин с изображением женщин Леонардо да Винчи «Мадонна Литта», «Портрет Моны Лизы»; Сандро Боттичелли «Весна», «Рождение Венеры»; Рафаэля «Сикстинская Мадонна», «Мадонна Калестабиле»; Тициана «Венера с зеркалом», «Кающаяся Магдалина». Цели достигнуты, изображение женской красоты описано. Анализ работ проведен.

Это необыкновенные люди, все знали и все умели. Легендарная слава прожила столетия и до сих пор не только не померкла, но и разгорается все ярче. Работы насыщены любовью к женщине, любовью к детям, любовью к красоте, любовью к прекрасному, любовью ко всему что нас окружает. Каждое произведение по своему заставляет задуматься, о многих жизненных вопросах. Вот смотришь на картину Тицина «Кающаяся Магдалена» и сердце разрывается. На ней изображены удивительные глаза, они глубоки как море. Любой не образованный человек в художественном искусстве, сказал бы, что это фотография, невозможно так изобразить человека. А вот у художников Возрождения это очень хорошо получалось, каждая линия прорисована. Эти картины настолько живые, что даже смотря ее на обложке книги, сразу проникаешь в то измерение, где жили эти выдающиеся художники. После таких удивительных работ начинаешь по другому смотреть на мир. И я очень рада, что именно эту тему взяла для работы, узнала не только всего нового и интересного, а также познала мир этой превосходной эпохи, и мир превосходных художников. Красота и красивые женщины и красивые женщины и красота заслуживают того, чтобы каждый их восхвалял и ценил их превыше всего потому, что красивая женщина есть самый прекрасный объект, каким только можно любоваться, а красота - величайшее благо, которое господь даровал человеческому роду, ведь через ее свойства мы направляем душу к созерцанию, а через созерцание - к желанию небесных вещей, почему она и была послана в нашу среду в качестве образца и залога.

Подобные документы

Начало творческого пути художника эпохи итальянского Возрождения Сандро Боттичелли. Учеба в мастерской Фра Филиппо Липпи, влияние творчества Андреа Верроккьо и первые работы. Сюжеты картин художника: "Весна", "Рождение Венеры", "Мадонна с гранатом".

реферат , добавлен 06.05.2009


Произведения величайших мастеров эпохи Ренессанса итальянских художников Леонардо ди сер Пьеро да Винчи и Микеланджело Буонарроти. Портрет Бальдассаре Кастильоне итальянского живописца, архитектора, представителя флорентийской школы Рафаэля Санти.

презентация , добавлен 07.01.2011


Исследование культуры итальянского Возрождения. Синтез науки и искусства в творчестве Леонардо да Винчи. Проблема систематизации математики и естествознания. Изучение живописи как формы творческого познания. Образ мадонны в картинах Леонардо да Винчи.

дипломная работа , добавлен 07.12.2009


Особенности жизненного и творческого пути Леонардо ди сер Пьеро да Винчи, его историческое значение. Портрет Моны Лизы как тайный автопортрет Леонардо да Винчи. Специфика шрифта и манеры писать великого мыслителя. Разгадки тайн Моны Лизы П. Коттом.

презентация , добавлен 31.03.2011


Леонардо да Винчи - итальянский художник и учёный, яркий представитель типа "универсального человека" - идеала итальянского Ренессанса. Анализ некоторых произведений мастера: "Мадонна Бенуа","Мадонна в скалах", "Дама с горностаем", "Тайная вечеря".

презентация , добавлен 30.01.2010


Основные черты и этапы культуры эпохи Возрождения. Данте Алигьери и Сандро Боттичелли как крупнейшие представители раннего Ренессанса. Творчество Леонардо да Винчи. Особенности и достижения литературы, архитектуры, скульптуры и искусства Ренессанса.

дипломная работа , добавлен 27.05.2009


Ознакомление с историей жизни Леонардо да Винчи. Сфумато как стиль живописи одного художника. Описание работ мастера, таких как портрет Дженевры Бенчи, "Дама с горностаем", "Мона Лиза". Определение связи творчества Леонардо со временем, в котором он жил.

реферат , добавлен 01.03.2015


Представители эпохи раннего Ренессанса, отображение человеческой индивидуальности в произведениях. Художественное своеобразие картин Леонардо да Винчи, Рафаэля и М. Буонарроти. Отказ от идей гуманизма художников Позднего Возрождения (Понтормо, Веронезе).

реферат , добавлен 18.01.2011


Боттичелли Сандро как итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы. Анализ работы "Мадонна и младенец с ангелом". "Весна", семантика картины. "Рождение Венеры", сюжет. Композиция работы "Святое Собеседование".

презентация , добавлен 28.05.2013


Итальянский гуманизм эпохи Возрождения: этические учения XIV-XV веков. Краткая характеристика основных этапов жизни Леонардо да Винчи: ранний, зрелый, поздний период творчества Леонардо да Винчи. Обзор и история самых знаменитых его творений.

Botticelli, Sandro (Filipepi, Alessandro di Mariano). Род. 1445, Флоренция – ум. 1510, там же

Сандро Боттичелли – один из наиболее прославленных флорентийских живописцев конца XV в. Его рассчитанное на образованных знатоков искусство, проникнутое мотивами неоплатонической философии , долго не было оценено по достоинству. Около трёх веков Боттичелли был почти забыт, пока в середине XIX столетия не оживился интерес к его творчеству, который не угасает и по сей день. Писатели рубежа XIX-XX вв. (Р. Сизеран, П. Муратов) создали романтико-трагический образ художника, который с тех пор прочно утвердился в умах. Но документы конца XV – начала XVI веков не подтверждают подобную трактовку его личности и далеко не всегда подтверждают данные биографии Сандро Боттичелли, написанной Вазари .

Автопортрет Сандро Боттичелли. Деталь картины "Поклонение волхвов". Ок. 1475

Сандро Филипепи (таково настоящее имя мастера) был младшим сыном кожевника Мариано Филипепи, жившего в приходе церкви Всех Святых (Оньисанти). Двое братьев Боттичелли – Джованни и Симоне – занимались торговлей, третий – Антонио – ювелирным делом. С торговой деятельностью братьев связывают происхождение прозвища Сандро – «botticelle» («бочонок»). Однако Вазари сообщает, что так называли кума отца художника, Мариано, – ювелира, к которому Сандро был отдан в обучение. Существует и ещё одна, возможно, самая близка к истине версия, согласно которой прозвище перешло к Сандро Боттичелли от брата Антонио, и оно обозначает искаженное флорентийское слово «battigello » – «серебряных дел мастер».

Около 1464 Сандро поступил в мастерскую знаменитого художника фра Филиппо Липпи по рекомендации своего соседа, главы семьи Веспуччи. Там Боттичелли оставался до начала 1467. Есть сведения, что с весны 1467 он начал посещать мастерскую Андреа Верроккьо , а с 1469 работал самостоятельно, первоначально дома, а затем в арендованной мастерской. К 1470 относится первое несомненно принадлежащее Боттичелли произведение– «Аллегория Силы» (Флоренция, Уффици). Оно входило в серию «Семь Добродетелей» (остальные исполнены Пьеро Поллайоло ) для зала Торгового суда. Учеником Боттичелли вскоре стал прославившийся позже Филиппино Липпи , сын фра Филиппо, умершего в 1469. 20 января 1474 по случаю праздника св. Себастьяна в церкви Санта-Мария Маджоре во Флоренции была выставлена картина Сандро Боттичелли «Святой Себастьян».

В том же году Сандро Боттичелли был приглашен в Пизу для работы над фресками Кампосанто. По неизвестной причине он их не выполнил, но в соборе Пизы написал фреску «Вознесение Богоматери», погибшую в 1583. В 1470-е Боттичелли сблизился с семьей Медичи и «медичейским кружком» – поэтами и философами-неоплатониками (Марсилио Фичино , Пико делла Мирандолой, Анджело Полициано). 28 января 1475 брат Лоренцо Великолепного Джулиано принимал участие в турнире на одной из флорентийских площадей со штандартом, расписанным Боттичелли (не сохранился). После неудавшегося заговора Пацци с целью свержения Медичи (26 апреля 1478) Боттичелли по заказу Лоренцо Великолепного исполнил фреску над воротами делла Догана, которые вели к палаццо Веккио. На ней были изображены повешенные заговорщики (эта роспись была уничтожена 14 ноября 1494 после бегства Пьеро Медичи из Флоренции).

К числу лучших произведений Сандро Боттичелли 1470-х относится «Поклонение волхвов», где в образах восточных мудрецов и их свиты показаны члены семьи Медичи и близкие им лица. У правого края картины художник изобразил и самого себя.

Сандро Боттичелли. Поклонение волхвов. Ок. 1475. В правом нижнем углу картины художник изобразил стоящим самого себя

Между 1475 и 1480 Сандро Боттичелли создал одно из самых прекрасных и загадочных произведений – картину «Весна» . Она была предназначена для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, с которым Боттичелли связывали дружеские отношения. Сюжет этой картины, сочетающей в себе мотивы Средневековья и Ренессанса, не вполне объяснён до сих пор и навеян, очевидно, как неоплатоновской космогонией, так и событиями в семье Медичи.

Сандро Боттичелли. Весна. Ок. 1482

Ранний период творчества Боттичелли завершает фреска «Св. Августин» (1480, Флоренция, церковь Оньисанти), написанная по заказу семьи Веспуччи. Она составляет пару композиции Доменико Гирландайо «Св. Иероним» в том же храме. Одухотворенная страстность образа Августина контрастирует с прозаизмом Иеронима, наглядно демонстрируя различия между глубоким, эмоциональным творчеством Боттичелли и добротным ремеслом Гирландайо.

В 1481 вместе с другими живописцами из Флоренции и Умбрии (Перуджино, Пьеро ди Козимо, Доменико Гирландайо) Сандро Боттичелли был приглашен в Рим папой Сикстом IV для работы в Сикстинской капелле в Ватикане. Во Флоренцию он вернулся весной 1482, успев написать в капелле три большие композиции: «Исцеление прокаженного и Искушение Христа», «Молодость Моисея» и «Наказание Корея, Дафана и Авирона».

Сандро Боттичелли. Сцены из жизни Моисея. 1481-1482

Сандро Боттичелли. Наказание Корея, Дафана и Авирона. Фреска Сикстинской капеллы. 1481-1482

В 1480-е Боттичелли продолжал работать для Медичи и других знатных флорентийских семейств, выполняя картины как на светские, так и на религиозные сюжеты. Около 1483 вместе с Филиппино Липпи, Перуджино и Гирландайо он работал в Вольтерре на вилле Спедалетто, принадлежавшей Лоренцо Великолепному. Временем до 1487 датируется знаменитая картина Сандро Боттичелли «Рождение Венеры » (Флоренция, Уффици), выполненная для Лоренцо ди Пьерфранческо. Вместе с ранее созданной «Весной» она стала своего рода знаковым образом, олицетворением как искусства Боттичелли, так и утонченной культуры медичейского двора.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. Ок. 1485

К 1480-м относятся и два лучших тондо (круглых картин) Боттичелли – «Мадонна Магнификат» и «Мадонна с гранатом» (обе – Флоренция, Уффици). Последняя, возможно, предназначалась для зала аудиенций в палаццо Веккио.

Считается, что с конца 1480-х Сандро Боттичелли находился под сильным влиянием проповедей доминиканца Джироламо Савонаролы , обличавшего порядки современной ему Церкви и призывавшего к покаянию. Вазари пишет, что Боттичелли был приверженцем «секты» Савонаролы и даже бросил живопись и «впал в величайшее разорение». Действительно, трагическое настроение и элементы мистицизма во многих поздних работах мастера свидетельствуют в пользу такого мнения. В то же время супруга Лоренцо ди Пьерфранческо в письме от 25 ноября 1495 сообщает, что Боттичелли расписывает фресками виллу Медичи в Треббио, а 2 июля 1497 от того же Лоренцо художник получает кредит под исполнение декоративных росписей на вилле Кастелло (не сохранились). В том же 1497 более трехсот сторонников Савонаролы подписали петицию папе Александру VI с просьбой снять с доминиканца отлучение. Среди этих подписей имени Сандро Боттичелли не обнаружено. В марте 1498 Гвидантонио Веспуччи пригласил Боттичелли и Пьеро ди Козимо декорировать свой новый дом на виа Серви. В числе украшавших его картин были «История римлянки Виргинии » (Бергамо, Академия Каррара) и «История римлянки Лукреции » (Бостон, Музей Гарднер). Савонарола был сожжен в том же году 29 мая, и существует только одно прямое свидетельство серьезного интереса Боттичелли к его личности. Почти два года спустя, 2 ноября 1499, брат Сандро Боттичелли Симоне записал в своем дневнике: «Алессандро ди Мариано Филипепи, мой брат, один из лучших художников, какие были в эти времена в нашем городе, в моем присутствии, сидя дома у очага, около трех часов ночи, рассказал, как в этот день, в его боттеге в доме Сандро разговаривал с Доффо Спини о деле фрате Джироламо». Спини был главным судьей в процессе против Савонаролы.

Сандро Боттичелли. Оплакивание Христа (Положение во гроб). Ок. 1490

К наиболее значительным поздним работам Боттичелли относятся два «Положения во гроб» (оба – после 1500; Мюнхен, Старая пинакотека; Милан, Музей Польди-Пеццоли) и знаменитое «Мистическое Рождество» (1501, Лондон, Национальная галерея) – единственное подписанное и датированное произведение художника. В них, особенно в «Рождестве», усматривают обращение Боттичелли к приемам средневекового готического искусства, прежде всего в нарушении перспективных и масштабных соотношений.

Сандро Боттичелли. Мистическое рождество. Ок. 1490

Однако поздние работы мастера не являются стилизацией. Использование форм и приемов, чуждых ренессансному художественному методу, объясняется стремлением к усилению эмоциональной и духовной выразительности, для передачи которых художнику было недостаточно конкретики реального мира. Один из самых чутких живописцев Кватроченто, Боттичелли чрезвычайно рано ощутил надвигающийся кризис гуманистической культуры Возрождения. В 1520-е его наступление будет ознаменовано сложением иррационального и субъективного искусства маньеризма.

Одна из самых интересных сторон творчества Сандро Боттичелли – портретная живопись. В этой области блестящим мастером он зарекомендовал себя уже в конце 1460-х («Портрет мужчины с медалью», 1466-1477, Флоренция, Уффици; «Портрет Джулиано Медичи», ок. 1475, Берлин, Государственные собрания). В лучших портретах мастера одухотворенность и утонченность облика персонажей сочетаются со своеобразным герметизмом, иногда замыкающим их в высокомерном страдании («Портрет молодого человека», Нью-Йорк, Музей Метрополитен).

Сандро Боттичелли. Портрет молодой женщины. После 1480

Один из самых великолепных рисовальщиков XV в., Боттичелли, по словам Вазари, рисовал много и «исключительно хорошо». Современники чрезвычайно высоко ценили его рисунки, и во многих мастерских флорентийских художников они хранились в качестве образцов. До настоящего времени их дошло очень мало, но о мастерстве Боттичелли-рисовальщика позволяет судить уникальная серия иллюстраций к «Божественной Комедии» Данте . Выполненные на пергамене, эти рисунки предназначались для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. К иллюстрированию Данте Сандро Боттичелли обращался дважды. Первая небольшая группа рисунков (не сохранились) была им выполнена, очевидно, в конце 1470-х, и по ней Баччо Бальдини исполнил девятнадцать гравюр для издания «Божественной Комедии» 1481 г. Наиболее знаменитая иллюстрация Боттичелли к Данте - рисунок "Карта ада" (La mappa dell inferno).

Сандро Боттичелли. Карта Ада (Круги Ада - La mappa dell inferno). Иллюстрация к "Божественной комедии" Данте. 1480-е

К выполнению листов кодекса Медичи Боттичелли приступил после возвращения из Рима, использовав отчасти свои первые композиции. Сохранилось 92 листа (85 – в Кабинете гравюр в Берлине, 7 – в Библиотеке Ватикана). Рисунки выполнены серебряным и свинцовым штифтами, их тонкую серую линию художник затем обводил коричневыми или черными чернилами. Четыре листа раскрашены темперой. На многих листах обводка чернилами не закончена или не сделана вовсе. Именно эти иллюстрации особенно ясно дают почувствовать красоту легкой, точной, нервной линии Боттичелли.

Сандро Боттичелли. Ад. Иллюстрация к "Божественной комедии" Данте. 1480-е

По словам Вазари, Сандро Боттичелли был «человеком весьма приятным и нередко любил подшутить над своими учениками и друзьями». «Говорят также, – пишет он далее, – что он превыше всего любил тех, о ком знал, что они усердны в своем искусстве, и что зарабатывал он много, но все у него шло прахом, так как хозяйничал он плохо и был беспечным. В конце концов он стал дряхлым и неработоспособным и ходил, опираясь на две палки...» О материальном положении Боттичелли в 1490-е, то есть в то время, когда, согласно Вазари, он должен был бросить живопись и разориться под влиянием проповедей Савонаролы, отчасти позволяют судить документы из Государственного архива Флоренции. Из них следует, что 19 апреля 1494 Сандро Боттичелли вместе с братом Симоне приобрел дом с землей и виноградником за воротами Сан-Фредиано. Доход от этой собственности в 1498 определялся в 156 флоринов. Правда, с 1503 за мастером числится долг по взносам в гильдию Св. Луки, но запись от 18 октября 1505 сообщает, что он полностью погашен. О том, что пожилой Боттичелли продолжал пользоваться известностью, свидетельствует и письмо Франческо деи Малатести, агента правительницы Мантуи Изабеллы д"Эсте, искавшей мастеров для украшения своего студиоло. 23 сентября 1502 он сообщает ей из Флоренции, что Перуджино находится в Сиене, Филиппино Липпи чересчур обременен заказами, но есть еще Боттичелли, который «много мне хвалим». Поездка в Мантую не состоялась по неизвестной причине. В 1503 Уголино Верино в поэме «De ilrustratione urbis Florentiae» назвал Сандро Боттичелли в числе лучших живописцев, сравнив его с прославленными художниками древности – Зевксисом и Апеллесом. 25 января 1504 мастер входил в комиссию, обсуждавшую выбор места для установки «Давида» Микеланджело . Последние четыре с половиной года жизни Сандро Боттичелли документально не освещены. Они были тем печальным временем дряхлости и неработоспособности, о которых писал Вазари. Художник умер в мае 1510 и 17 мая был погребен на кладбище церкви Оньисанти, как сообщают записи «Книги мертвых» Флоренции и такой же книги цеха врачей и аптекарей.

Другие произведения Боттичелли: «Мадонна с Младенцем» (ок. 1466, Париж, Лувр), «Мадонна с Младенцем во славе», «Мадонна дель розето» (обе – 1469-1470, Флоренция, Уффици), «Мадонна с Младенцем и св. Иоанном Крестителем» (ок. 1468, Париж, Лувр), «Мадонна с Младенцем и двумя ангелами» (1468-1469, Неаполь, Каподимонте), «Св. собеседование» (ок. 1470, Флоренция, Уффици), «Поклонение волхвов» (ок. 1472, Лондон, Национальная галерея), «Мадонна евхаристии» (ок. 1471, Бостон, Музей Гарднер), «Поклонение волхвов», тондо (ок. 1473, Лондон, Национальная галерея), «Обнаружение тела Олоферна», «Возвращение Юдифи в Ветилую» (обе – ок. 1473, Флоренция, Уффици), «Портрет Джулиано Медичи» (Вашингтон, Национальная галерея), «Портрет молодого человека» (ок. 1477, Париж, Лувр), «Мадонна с Младенцем и ангелами», тондо (ок. 1477, Берлин, Государственные собрания), «Лоренцо Торнабуони и семь свободных искусств», «Джованна дельи Альбицци и Добродетели» – фрески виллы Лемми (1480, Париж, Лувр), «Женский портрет» (1481-1482, Лондон, частное собрание), «Поклонение волхвов» (1481-1482, Вашингтон, Национальная галерея), «Паллада и кентавр» (1480-1488, Флоренция, Уффици), серия из четырех картин на сюжет новеллы Боккаччо о Настаджо дельи Онести (1483, три – Мадрид, Прадо, одна – Лондон, частное собрание), «Венера и Марс» (1483, Лондон, Национальная галерея), «Портрет мальчика» (1483, Лондон, Национальная галерея), «Мадонна с Младенцем» (1483, Милан, Музей Польди-Пеццоли), «Мадонна с Младенцем и двумя святыми» (1485, Берлин, Государственные собрания), «Мадонна с Младенцем и святыми» («Пала Сан-Барнаба»), «Коронование Богоматери», «Благовещение» (все – ок. 1490, Флоренция, Уффици), «Портрет Лоренцо Лоренциано» (ок. 1490, Филадельфия, Пенсильванская академия), «Мадонна с Младенцем и св. Иоанном Крестителем» (ок. 1490, Дрезден, Картинная галерея старых мастеров), «Поклонение Младенцу» (ок. 1490-1495, Эдинбург, Национальная галерея Шотландии), «Св. Августин» (1490-1500, Флоренция, Уффици), «Клевета» (1495, там же), «Мадонна с Младенцем и ангелами», тондо (Милан, Пинакотека Амброзиана), «Благовещение» (Москва, ГМИИ), «Св. Иероним», «Св. Доминик» (Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж), «Преображение» (ок. 1495, Рим, собрание Паллавичини), «Покинутая» (ок. 1495, Рим, собрание Роспильози), «Юдифь с головой Олоферна» (ок. 1495, Амстердам, Рейксмузеум), четыре композиции на тему истории св. Зиновия (1495-1500; две – Лондон, Национальная галерея, одна – Нью-Йорк, Музей Метрополитен, одна – Дрезден, Картинная галерея старых мастеров), «Моление о чаше» (ок. 1499, Гранада, Королевская капелла), «Символическое Распятие» (1500-1505, Кембридж, Массачусетс, Художественный музей Фогг).

Литература о Боттичелли : Вазари 2001. Т. 2; Дахнович А. С. Творчество Боттичелли и вечные вопросы. Киев, 1915; Бернсон Б. Флорентийские живописцы Возрождения. М., 1923; Гращенков В. Н. Боттичелли. М., 1960; Боттичелли: Сб. материалов о творчестве. М., 1962; Пасло Д. Боттичелли. Будапешт, 1962; Смирнова И. Сандро Боттичелли. М., 1967; Кустодиева Т. К. Сандро Боттичелли. Л., 1971; Дунаев Г. С. Сандро Боттичелли. М., 1977; Козлова С. Данте и художники Ренессанса // Дантовские чтения. М., 1982; Сонина Т. В. «Весна» Боттичелли // Итальянский сборник. СПб., 1996. Вып. 1; Сонина Т. В. Рисунки Боттичелли к «Божественной Комедии» Данте: Традиционное и оригинальное // Книга в культуре Возрождения. М., 2002; Ulmann H. Sandro Botticelli. München, 1893; Warburg A. Botticellis "Geburt der Venus" und Frühling": Eine Untersuchung über die Vorschtellungen von der Antike in der italienischen Frührenaissance. Hamburg; Leipzig, 1893; Supino L I disegni per la "Divina Commedia" di Dante. Bologna, 1921; Venturi A. II Botticelli interprete di Dante. Firenze, 1921; Mesnil J. Sandro Botticelli. Paris, 1938; Lippmann F. Zeichnungen von Sandro Botticelli zu Dantes Göttlicher Komödie. Berlin, 1954; Salvini R. Tutta la pittura del Botticelli. Milano, 1958; Argon G. C. Sandro Botticelli. Geneva, 1967; Во С, Mandel G. L"opera completa del Botticelli. Milano, 1967; Ettlinger L. D., Ettlinger H. S. Botticelli. London, 1976; Lightbown R. Sandro Botticelli: Compi, cat. London, 1978; Baldini U. Botticelli. Firenze, 1988; Pons N. Botticelli: Cat. compi. Milano, 1989; Botticelli e Dante. Milano, 1990; Gemeva C. Botticelli: Cat. compi. Firenze, 1990; Botticelli. From Lorenzo the Magnificent to Savonarola. Milano, 2003.

По материалам статьи Т. Сониной

Код плеера на стороннем сайте: Для LiveJournal

Для вставки трека RealMusic на страницу стороннего сайта нужно полностью скопировать указанный код, вставить его в HTML страницу стороннего сайта и сохранить.

Лицензия Жанры Шансон Над треком работали Юрий Косаговский Описание э с с е Музей рондизма Альбом ЗВУКИ УЛИЦ И ЗВУКИ ДУШИ Студия * Студия Дзен Текст. ЮРИЙ_КОСАГОВСКИЙ из публикации Благовещение глазами разных художников Манжу сообщество "про_искусство" Благовещение в Новом Завете: "В шестой же месяц послан был Ангел Гавриил от Бога в город Галилейский, называемый Назарет, к Деве, обрученной мужу, именем Иосифу, из дома Давидова; имя же Деве: Мария. Ангел, войдя к Ней, сказал: радуйся. Благодатная! Господь с Тобою; благословенна Ты между женами. Она же, увидев его, смутилась от слов его и размышляла, что бы это было за приветствие. И сказал Ей Ангел: не бойся, Мария, ибо Ты обрела благодать у Бога; и вот, зачнешь во чреве, и родишь Сына, и наречешь Ему имя: Иисус. Он будет велик и наречется Сыном Всевышнего, и даст Ему Господь Бог престол Давида, отца Его; и будет царствовать над домом Иакова во веки, и Царству Его не будет конца. Мария же сказала Ангелу: как будет это, когда Я мужа не знаю? Ангел сказал Ей в ответ: Дух Святый найдет на Тебя, и сила Всевышнего осенит Тебя; посему и рождаемое Святое наречется Сыном Божиим. Вот и Елисавета, родственница Твоя, называемая неплодною, и она зачала сына в старости своей, и ей уже шестой месяц, ибо у Бога не останется бессильным никакое слово. Тогда Мария сказала: се, раба Господня; да будет Мне по слову твоему. И отошел от Нее Ангел." (Лука, 1:26-38) Благовещение в Коране: “И Мы отправили к ней Дух Наш, который предстал пред нею в облике человека. Она сказала: “Я ищу спасения от тебя у Всемилостивого Господа. Если ты богобоязнен, то не приближайся ко мне ни на шаг”. Он ответил: “Воистину, я лишь от Господа твоего посланник, чтобы передать в дар тебе благословенного сына”. Она воскликнула: “Как может быть младенец у меня, когда ко мне не прикасался ни один мужчина и никогда я не была блудницей?!” Ответил он: “Господь твой так пожелал и сказал: “Это не представляет труда для Меня. Это для того, чтобы твой сын стал знамением для людей и милостью от Нас. И это было уже определено Мною.” (Коран 19:16-21). иллюстрации Леонардо и Ботичелли к эссе взяты из этой же публикации - Ю.К. ============================================================================================================= фрагмент КАК Я НЕ ПОНИМАЛ ЭПОХУ ВОЗРОЖДЕНИЯ.. интервью ==================================================================================== искусство и ремесленничество на примере Леонардо и Ботичелли отрывок из "Итальянской тетради" (он же фрагмент из фильма "Улочки идущие к морю" Ну вот и прошлись по музею. Простота Джотто радовала, привлекала, наслаждала и успокаивала, но далее … множество залов с пятками, локтями, торсами извивающимися в самых грациозных движениях (если «грация» по-итальянски «спасибо», то «грациозность» происходит от благодарения… но кого и за что «благодарят» эти фигуры своими грациозными изгибами было неясно?) … у всех абсолютно и даже у Боттичелли, у которого есть дар мечтательности, фантазии и поэзии – и тот запродал свой дар и вдохновение за деньги. Впечатление мясных лавок несли бесконечные композиции в накидках и без накидок, все эти торсы, лбы, носы, локти и пятки в разных сочетаниях и поворотах просили заплатить за них деньги и повесить у себя в залах, чтобы кичиться перед гостями и соседями (в графских и княжеских особняках): у вас картины в 6 пяток, три локтя, 6 лбов – а у нас хотя 5 пяток (на одну меньше), зато 9 локтей и 9 лбов и три торса… и т.д. Все эти художники Возрождения быстро освоив технологию пяток и торсов, заполонили ими стены – и бедное человечество, китайцы, немцы, датчане, англичане… стоят в музеи Флоренции смотреть на это торжество поз. Даже у самого вразумительного из них, Боттичелли, ангел, вероятно сообщающий весть о будущем рождении бога-сына, извивается в грациозных позах и женщина (будущая богоматерь) отвечает ему тем же, очень сложными движениями торса, линией ног и рук, словно это сцена не информирования о важнейшем событии на Земле, а сцена может быть соблазнения и туманного кокетства. Зрители испытывают непонятный им и безусловный восторг, не имеющий отношения никакого к христианству, жизни и поэзии – а это всего лишь одни туманно эротические намеки. При этом на одеждах ангелов такое количество надутых складок, будто сзади дует ветер – и понятно, что это за ветер, ненасытное желание получить много денег. Боттичелли Другое дело эта же сцена у Леонардо, он как будто нарочно решил показать кто есть кто в искусстве, кто торговец складками и позами – и кто возвышенный художник, композиции которого не имеют цены. Леонардо да Винчи У Леонардо ни малейшей суеты показать что-нибудь лишнее, все подчинено высокому духу красоты земной и неземной, от одного лица ангела уже захватывает дух, а его движение рук и фигуры, полны сдержанности и чистоты, преклонения и возвышенности – вот уж поистине торжество духа, ума и веры. Короче говоря, глаз отдохнул от фальшивых поз лишь на считанных картинах. Рембрандта – преклоняющегося перед красотой обыденных мгновений жизни, Гойи – замирающего от красоты тайн, таящихся за любым мгновением, Шардена - влюблено глядящего на все в этом мире, и на лежащую книгу, и на мальчика строящего карточный падающий забор … (десять имен может и не удастся набрать) … Леонардо - зачарованного исследователя, поэзия души которого охватила все формы человеческого познания (искусства, науки, изобретательства и инженерного дела), Эль Греко – странного (сумасшедшего может быть) искреннего и возвышенного в своей вере, пятерых упомянул, пятерых мог и не заметить в толпе картин с пятками, локтями, плечами и носами … ах да шестого упомяну, великого Джотто – скупого минималиста, открывателя реализма с его полутенями, незыблемо верующего Христу в праздник земной жизни и в праздник неземного существования… Не проще ли было бы всех искренних и честных художников-гениев поместить на одном этаже, а торговцев ремеслом рисовать ракурсы, пятки и локти на другом? И этот вопрос надо задать музеям всего мира. И в России и в Париже, и в Лондоне и т.д. И в одни залы ходить за высоким духовным искусством, а в другие залы, как в кунсткамеру с отклонениями от человеческой природы, когда за деньги рисуют задрапированные торсы не обозначающие ничего кроме наивного мошенничества, т.е. залы, где художники вводят в заблуждение и зрителя и самих себя. Можно сказать и менее обидно: в одних залах предлагается искусство, искренность, поэзия для разглядывания, а во-вторых - представлены только технологии искусства. Исходное сообщение NADYNROM И все-таки вряд ли бы мир стал лучше без творчества Боттичелли, Рафаэля и прочих... речь только идет о понимании одного и того же сюжета - святого зачатия ======================================= но - было бы скучно среди одних возвышенных Леонардо у Рафаэля и Боттичелли - гимн любви между мужчиной и женщиной у Леонардо - глубокая тайна и возвышенность святого зачатия это тоже может быть гимн любви - но на более высоком духовном уровне если бы не было ошибок - не так бы ярко виделся путь к истине действительно - мир не станет лучше если будут одни атеисты или одни верующие Вы глубокую тему поставили - ведь даже Христос говорит: Господи пронеси мимо меня чашу сию а казалось бы он с радостью должен идти на крест - чтобы засияла истина размышление всегда строится на взвешивании на весах сердца и ума: и за - и против а понимая истину - больше восторгаешься прекрасным миром мы понимаем например что для крепкой мебели нужен дуб но не стоит всю планету заселять дубами - еще нужен и хлеб так и Рафаэль и Ботичелли - они мне лично нужны для того чтобы понимать что не достаточно просто восторгаться прелестями женщины как бы она ни была прекрасна но нужно еще и соединение двух миров (и женского и мужского мира) в области мыслей... мечтаний... тогда это не поверхностная красота а глубокая - как у Леонардо но опять Вы правы - было бы скучно среди одних возвышенных Леонардо значит надо просто - без возвышенности и без корыстного желания обладания любить а как дети опять формула Христа универсальна ("не будете как дети не войдете в Царствие Небесное") сама возвышенность придет - будет любовь не придет - будет дружеская любовь т.е. - дружба а нужно и то и другое человеку ведь он общественное существо... но любовь - это вопрос жизни и смерти и любовь все-таки конечная цель поэтому взвешенное - всегда невидимый и важнейший стержень человека поэтому все же драгоценней при всей пользе Ботичелли и Рафаэля - все-таки Леонардо..

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 172,5×178,5 см. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Перед нами прекрасная богиня Венера. Боги ветра Зефир и Аура гонят раковину к берегу. Где ее ждёт нимфа времён года Ора, чтобы укрыть покрывалом с цветочным орнаментом.

Венера невообразимо красива. Это один из самых пленительных образов . Если бы богиня любви на самом деле существовала, она была бы именно такой.

Красивее уже некуда. Разве что ступни Боттичелли всегда изображает своеобразно. А в остальном – глаз не оторвать.

Как же ему это удалось? Неужели только за счёт внешней красивости эта “Венера” так знаменита? И почему это же лицо мы встречаем на многих картинах Боттичелли?

Боттичелли и Медичи

Картина была создана для одного из представителей династии Медичи. О них стоит сказать пару слов. Потому что без них этого шедевра бы не было.

Медичи были банкирами и ловко управляли городом-государством Флоренцией. Но эти люди нашли самое благородное применение своим богатствам.

Они тратили их на искусство. Потому что понимали, что так они покупают своё бессмертие.

Ко двору были приближены самые гениальные философы, художники и поэты. Они все питались из “кормушки” Медичи. Получая щедрые вознаграждения за своё творчество.

Среди них был и Боттичелли (1445-1510 гг.). Он был искренне восхищён своими заказчиками. Их мудростью и великодушием. И охотно создавал для них картины. В том числе “Венеру”.

Боттичелли – эстет с большой буквы

Боттичелли – непревзойдённый эстет. Его картины – это не просто приятные глазу полотна. Это гимн красоте.

Черты его персонажей очень миловидны. Причём они красивы вне зависимости от эпохи.

Так возникло движение прерафаэлитов. То есть тех, кто перенимал техники художников, творивших до Рафаэля.

У них мы видим невероятно красивых и чувственных женщин. Так же, как у Боттичелли, это были музы. Например, Россетти всю жизнь изображал Элизабет Сиддал. А Уотерхаус – Мюриел Фостер.

М а д о н н ы

Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти

Леонардо да Винчи - один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, пример «универсального человека».

Он был художником, скульптором, архитектором, учёным (анатомом, естествоиспытателем), изобретателем, писателем, музыкантом.
Полное его имя - Leonardo di ser Piero da Vinci , в переводе с итальянского языка это значит «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».
В современном смысле Леонардо не имел фамилии - «да Винчи» означает просто «(родом) из городка Винчи».
Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник.

Мона Лиза — 1503-1506Леонардо да Винчи

Кто не знает «Джоконду» — знаменитый шедевр Леонардо да Винчи?! Лицо Джоконды знакомо всему миру, ее образ по-прежнему является наиболее часто репродуцируемым изображением. Однако, несмотря на свою популярность и растиражированность, «Джоконда» остается для нас загадкой.

Эта картина окутана тайной, и каждый раз, глядя на нее, мы испытываем удивительное чувство открытия чего-то нового, не изведанного ранее — подобно тому, как мы заново открываем для себя хорошо знакомый с лета пейзаж, увидев его однажды осенью погруженным в таинственную туманную дымку…

В свое время Вазари утверждал, что «Мона Лиза» (сокращение от «Мадонна Лиза») была написана с третьей жены флорентийского богача по имени Франческо ди Бартоломее дель Джиокондо, откуда и пошло второе название картины — «Джоконда».

Типичное для живописной манеры Леонардо да Винчи «сфумато» здесь подчеркивает таинственную силу природы, которую человек может только видеть, но постичь разумом не способен.

Этот конфликт между зримым и сущим порождает смутное ощущение беспокойства, усиливающееся беспомощностью перед природой и временем: человек не знает, куда ему идти, ибо его жизнь — как та извилистая дорога из мрачного пейзажа за спиной у Джоконды — выходит из ниоткуда и устремляется в никуда…

Леонардо волнует вопрос о месте человека в этом мире, и, похоже, один из возможных ответов он выражает в улыбке несравненной Моны Лизы: эта ироничная улыбка является знаком полного осознания кратковременности человеческого существования на земле и покорность Вечному порядку природы. В этом — мудрость Джоконды.

Как отмечал немецкий философ Карл Ясперс (1883-1969), «Джоконда» «снимает напряжение между личностью и природой, а также стирает грани между жизнью и смертью».

Написанная в Италии, «Джоконда» навсегда осталась во Франции — наверное, в качестве своеобразного бонуса за проявленное по отношению к ее автору гостеприимство.

Леонардо да Винчи: Мадонна Литта

Литта - миланская аристократическая фамилия XVII-XIX вв. В частном собрании этого семейства картина находилась несколько столетий - отсюда её название. Первоначальное название картины - «Мадонна с младенцем». «Мадонна» была приобретена Эрмитажем в 1864 г.
Предполагают, что картина была написана в Милане, куда художник переехал в 1482 г.
Её появление ознаменовало новый этап в ренессансном искусстве - утверждение стиля Высокого Возрождения.
Подготовительный рисунок к эрмитажному полотну хранится в Париже в Лувре.

«Мадонна в скалах» (1483-1486) Дерево, переведённое на холст, масло. 199х122 см. Лувр (Париж)

Мадонна в гроте

«Мадонна в гроте» — первая из работ Леонардо да Винчи, относящихся к миланскому периоду его творчества. Изначально эта картина должна была украшать алтарь часовни братства Непорочного Зачатия в миланском соборе Сан Франческо Гранде и является прекрасным свидетельством непревзойденного мастерства Леонардо да Винчи в области светотеневой моделировки фигур и пространства.

Леонардо да Винчи: Дама с горностаем

Леонардо да Винчи: Мадонна Бенуа

Леонардо да Винчи: Джиневра де Бенчи

«Прекрасная Ферроньера» — женский портрет в Лувре, считающийся работой Леонардо да Винчи или его учеников.

«Мадонна с гвоздикой» — картина, которую многие искусствоведы приписывают молодому Леонардо да Винчи. Предположительно, создана Леонардо в бытность его учеником в мастерской Верроккьо. 1478-1480 гг.

В этой подборке собраны самые известные картины Рафаэля , посвященные образу Богоматери (Мадонны).

Вслед за своим учителем Перуджино художник Рафаэль Санти (1483-1520) создал развёрнутую галерею образов Марии с младенцем , которые отличаются большим разнообразием композиционных приёмов и психологических трактовок.

Ранние мадонны Рафаэля следуют известным образцам умбрийской живописи кватроченто . Идиллические образы не лишены скованности, суховатости, иератичности. Взаимодействие фигур на мадоннах флорентийского периода более непосредственно. Для них свойственны сложные пейзажные фоны. На первый план выступают универсальные переживания материнства — чувство тревоги и одновременно гордости Марии за судьбу сына. Эта прелесть материнства — основной эмоциональный акцент в мадоннах, выполненных после переезда художника в Рим. Абсолютной вершиной считается « Сикстинская мадонна » (1514), где гармонично сплетены воедино торжествующий восторг с нотами пробуждающейся тревоги.

Мадонна с младенцем" (Madonna di Casa Santi) - первое обращение Рафаэля к образу, который станет главным в творчестве художника. Картина датируется 1498 годом. Художнику на момент написания картины было всего 15 лет. Сейчас картина находися в музее Рафаэля итальянского города Урбино.

"Мадонна Конестабиле" (Madonna Connestabile) написана в 1504 году и позднее названа по имени владельца картины графа Конестабиле. Картина была приобретена российским императором Александром II. Сейчас "Мадонна Конестабиле" находится в Эрмитаже (Санкт-Петербург). "
Мадонна Конестабиле" считается последней работой, созданной Рафаэлем в Умбрии, до переезда во Флоренцию.

"Мадонна с младенцем и святыми Иеронимом и Франциском" (Madonna col Bambino tra i santi Girolamo e Francesco), 1499-1504 годы. Сейчас картина находится в Берлинской картинной галерее.

"Малая Мадонна Коупера" (Piccola Madonna Cowper) написана в 1504-1505 годах. Картина была названа по имени её владельца лорда Коупера. Сейчас картина находится в Вашингтоне (Национальная галерея искусства).

"Мадонна Терранува" (Madonna Terranuova) написана в 1504-1505 годах. Название картина получила по одному из владельцев - итальянскому герцогу Терранува. Сейчас картина находится в Берлинской картинной галерее.

Картина Рафаэля "Святое семейство под пальмой" (Sacra Famiglia con palma) датирована 1506 годом. Как и на прошлой картине, здесь изображены Дева Мария, Иисус Христос и святой Иосиф (на этот раз с традиционной бородой). Картина находится в Национальной галерее Шотландии в Эдинбурге.

"Мадонна в зелени" (Madonna del Belvedere) датирована 1506 годом. Сейчас картина находится в Вене (Музей истории искусств). На картине Дева Мария держит младенца Христа, который хватает крест у Иоанна Крестителя.

"Мадонна Альдобрандини" (Madonna Aldobrandini) датирована 1510 годом. Картина названа по имени владельцев - семейства Альдобрандини. Сейчас картина находится в Лондонской Национальной галерее.

"Мадонна с канделябрами" (Madonna dei Candelabri) датирована 1513-1514 годами. На картине изображены Дева Мария с младенцем Христом в окружении двух ангелов. Картина находится в Художественном музее Уолтерса в Балтиморе (США).

"Сикстинская Мадонна" (Madonna Sistina) датирована 1513-1514 годами. На картине изображена Дева Мария с младенцем Христом на руках. Слева от Богоматери Папа Римский Сикст II, справа - святая Варвара. "Сикстинская Мадонна" находится в Галерее старых мастеров в Дрездене (Германия).

"Мадонна в кресле" (Madonna della Seggiola) датирована 1513-1514 годами. На картине изображены Дева Мария с младенцем Христом на руках и Иоанн Креститель. Картина находится в Галерее Палатина во Флоренции.