Anexo 2. Instrumentos musicales de la orquesta sinfónica

La base de la orquesta sinfónica está formada por instrumentos musicales de cuerda. A veces, este grupo también se denomina grupo de cuerdas y arcos, ya que el sonido se extrae mediante un arco, con el que el intérprete conduce a lo largo de las cuerdas. Todos los instrumentos del grupo de cuerdas (violín, viola, violonchelo y contrabajo) tienen cualidades tan maravillosas como la extensión del sonido, la suavidad y la uniformidad del timbre. El violín "canta" en voz alta, el contrabajo en la más baja, mientras que la viola y el violonchelo conmueven a los oyentes con sus voces en los registros medios.

Y . Instrumentos de cuerda

En todo el mundo, el violín es considerado la reina de la música, porque es el instrumento de arco más común. Italia se hizo famosa por los mejores violines. Los maestros destacados Dmatі, Guarneri, Stradivari trabajaron aquí. Transmitieron los secretos de la fabricación de este instrumento musical a sus familias de generación en generación.

El violín tiene un cuerpo elegante. En la cubierta superior hay recortes: efs, que se llaman así por su parecido con la letra latina f. Un cuello con un rizo al final está unido al cuerpo. Dentro de la caja, sobre dos patas, hay un soporte a través del cual se estiran cuatro cuerdas (mi, la, re y sol). Durante la interpretación, el violinista cambia el tono presionando la cuerda contra el diapasón con los dedos de su mano izquierda, sosteniendo un arco en su mano derecha, que conduce a lo largo de las cuerdas.

Se han escrito muchas obras para violín de destacados compositores: A. Vivaldi, L. van Beethoven, P. Tchaikovsky, N. Pokorikom y otros. La gloria de un virtuoso insuperable la ganó el violinista italiano Niccolò Paganini.

La viola es un instrumento musical de cuerda con arco del mismo dispositivo que el violín, pero de mayor tamaño. A través de esto, la viola tiene un registro más bajo y el sonido es más saturado, aterciopelado. Por lo general, hay 10 violas en una gran orquesta sinfónica.

EL CELLO es un instrumento musical de arco de cuerda del registro bajo. Tiene tamaños significativamente más grandes de violín y viola (altura total - hasta 1,5 m). El sonido del violonchelo es jugoso y denso, como un barítono masculino. Las melodías cantadas revelan más claramente el noble timbre del violonchelo.

A diferencia del violín y la viola, que se sostienen horizontalmente sobre el hombro, el violonchelo se sostiene verticalmente. En la antigüedad, este instrumento se colocaba sobre una silla, mientras que el músico debía tocar de pie. Posteriormente, cuando se inventó una aguja de metal que se apoya en el suelo, los violonchelistas empezaron a ejecutar piezas sentados, lo que resultaba mucho más cómodo.

Para el violonchelo, como instrumento independiente, se han escrito muchas obras, en particular, las conocidas suites de J.-S. Bach, variaciones de P. Tchaikovsky, conciertos para orquesta de A. Dvorak, D. Shostakovich y otros.

BASE DOBLE: el instrumento más grande del grupo de cuerdas y arcos con un sonido bajo. Los contrabajistas tocan de pie con arco o pizzicato (golpeando las cuerdas con los dedos). Este instrumento de cuerda frotada se utiliza en varios géneros, en particular, en muchos tipos de música folclórica y académica, en jazz, blues, rock and roll.

ARPA - instrumento de cuerda pulsada El arpa de concierto, que se puede ver en la composición de una gran orquesta sinfónica, es de tamaño considerable. 47 cuerdas de diferentes grosores y longitudes tensadas sobre un armazón triangular de madera de 1 m de altura.Con la ayuda de 7 pedales, el ejecutante (arpista o arpista) cambia de tono.

El arpa se conoce en el territorio de Ucrania desde la antigüedad. En uno de los frescos de la Catedral de Santa Sofía en Kiev, puedes ver este instrumento musical.

La importancia del arpa en la orquesta radica principalmente en el brillo de su sonido. A menudo acompaña a otros instrumentos de la orquesta, a veces se le "confía" con partes solistas. Hay muchos de estos en los ballets de P. Tchaikovsky, óperas de M. Rimsky-Korsakov y G. Wagner, obras sinfónicas de G. Berlioz y f. Lista. El concierto para arpa fue escrito por el compositor ucraniano A. Kos-Anatolsky.

II. Instrumentos de viento de madera

FLAUTA - uno de los instrumentos más antiguos, así como el nombre común de algunos instrumentos de viento. En una orquesta sinfónica se suele utilizar una flauta travesera, a veces una flauta flautín. El ejecutante - flautista o flautista - sostiene el instrumento en posición horizontal. La naturaleza del sonido de la flauta es bastante alta, elegante, melódica, poética, pero algo fría, las flautas ahora están hechas de aleación de plata y zinc, con menos frecuencia, de metales preciosos (plata, oro y platino), incluso más raramente, de madera. o vidrio.

El oboe es un instrumento de viento-madera, que es un tubo cónico recto fabricado en madera de ébano o touk (de unos 60 cm). Tiene 25 agujeros, 22-24 de los cuales están cerrados con válvulas

A veces, el oboe se utiliza como instrumento solista. Una orquesta sinfónica suele tener dos o tres oboes. Una de las primeras piezas de concierto para oboe fue creada por f. Couperin ("Conciertos Reales"). Conciertos y piezas para oboe fueron escritos por A. Vivaldi, G.-f. Händel, J. Haydn, W. -A. Mozart, C. Saint-Saens y otros.

El clarinete es un instrumento fabricado con maderas nobles, como el negro. Tiene una amplia gama, timbre cálido y suave. El cuerpo del instrumento es un tubo cilíndrico (de unos 66 cm), mientras que el oboe tiene un cuerpo cónico. El clarinete se utiliza en una amplia variedad de géneros musicales y composiciones: como instrumento solista, en conjuntos de cámara, bandas sinfónicas y de música, música folclórica, en el escenario y en el jazz. En música de cámara, el clarinete fue utilizado por V. -A. Mozart, L. van Beethoven, F. Schubert, N. Glinka.

Fagot - un instrumento hecho principalmente de arce. Tiene el rango más grande de su familia de instrumentos de viento de madera (más de 3 octavas). Cuando se desmonta, el fagot se asemeja a un haz de leña, por lo que obtuvo su nombre. Hay agujeros (alrededor de 25-30) en el cuerpo del instrumento, que el músico abre y cierra para cambiar el tono. Solo 5-6 orificios se controlan con los dedos, para el resto utilizan un mecanismo de válvula complejo.

Por lo general, se usan 2 fagotes en una orquesta sinfónica, básicamente duplican violonchelos y contrabajos. Gracias al fagot, la línea melódica adquiere densidad y coherencia. Cuando se toca en un registro alto, a menudo suenan entonaciones tristes.

Los compositores de los siglos pasados ​​(I. Haydn, W.-A. Mozart) a menudo proporcionaron fagotes con partes solistas en sinfonías. Se han escrito varios conciertos para dos fagotes y orquesta.

tercero Latón

PIPE: un instrumento con una movilidad técnica significativa, realiza brillante y rápidamente staccato (sonidos intermitentes). Es un tubo largo y curvo que se estrecha ligeramente en la boquilla y se ensancha cerca de la campana. El principio básico de tocar la trompeta es obtener sonidos armónicos cambiando la posición de los labios y cambiando la longitud de la columna de aire en el instrumento usando el mecanismo de válvulas (se presionan con la mano derecha).

Los conciertos para trompeta fueron escritos por S. Vasilenko, J.-S. Bach, J. Haydn, J. Brahms, Por. Bartok, etc.

Cuerno francés: un instrumento en forma de tubo de cobre retorcido de forma cuadrada (en C m), que termina con una campana ancha en un lado y una boquilla en el otro. Entre los latones, se distingue por su suavidad de timbre. El sonido se puede amortiguar con la ayuda de un silenciador (dispositivo especial).

Trombón: un instrumento que consiste en un tubo cilíndrico de doble curvatura (longitud total de aproximadamente 3 m, diámetro de 1,5 cm), que termina con una campana. Se instala una boquilla en la parte superior de la tubería, a través de la cual el trombonista sopla aire. La parte central, las alas, se desliza, con su ayuda, el músico aumenta el volumen del aire que vibra y, en consecuencia, reduce el sonido del instrumento.

TUBA es un instrumento de viento raro, el más bajo en sonido. Las primeras tubas se utilizaron en bandas militares, luego en una orquesta sinfónica. La primera obra sinfónica significativa donde se utiliza la tuba es la "Sinfonía Fantástica" de G. Berlioz. En una orquesta sinfónica, solo se usa una tuba, en una orquesta de viento, dos. Los intérpretes de tuba suelen tocar sentados, colgándola de unos tirantes.

Se han escrito bastantes obras solistas originales para tuba, una parte importante del repertorio consiste en alteraciones.

IV. Batería

Timpani - un instrumento con una cierta frecuencia de sonido, que es de origen asiático.

Los timbales son un sistema de dos o más calderos de cobre, cuyo lado abierto está cubierto con cuero. El tono principal del instrumento está determinado por el tamaño del cuerpo (varía de 30 a 84 cm). Se obtiene un tono más alto con instrumentos de menor tamaño. Las baquetas para tocar los timbales son de madera, caña o metal, y las puntas son de cuero, madera y otros materiales. Gracias a esto, el timbalero puede recibir varios timbres y efectos de sonido.

En una orquesta sinfónica, por regla general, se utilizan instrumentos de tres tamaños: timbales grandes, medianos y pequeños.

GRANDES Y PEQUEÑOS TAMBORES El bombo (bombo) es el instrumento de percusión más grande de un tono indefinido muy bajo ya menudo fuerte. Se parece a un cilindro de metal o madera, apretado por ambos lados con cuero (diámetro de aproximadamente 1 m). Se toca con un palo de madera de punta blanda. Una técnica especial de ejecución, el trémolo, se logra tocando rápidamente con dos baquetas. Esto crea efectos que van desde un estruendo distante hasta un estruendo poderoso.

Un redoblante, o simplemente un tambor, es un instrumento con dos membranas de cuero estiradas sobre un cilindro bajo. Las cuerdas se estiran a lo largo de la membrana inferior (en concierto - 4-10 cuerdas), lo que le da al sonido un tono seco y rocoso.

El tambor se toca con dos palos de madera. Una técnica característica del juego es el tamborileo (alternancia rápida de golpes con baquetas). La orquesta sinfónica se introdujo en el siglo XIX; utilizado en escenas militares.

TRIÁNGULO: una herramienta en forma de barra de acero doblada en un triángulo (8-10 mm de diámetro), que se suspende libremente y se golpea con un palo de metal. El sonido de un triángulo es de altura indefinida, sonoro, brillante ya la vez suave.

En el triángulo, puede realizar tanto pulsos rítmicos individuales como trémolo. Inicialmente, el triángulo se usó principalmente en la música militar, luego, en la música sinfónica.

CASTANUETAS: un instrumento sin visas de tono alto en forma de dos placas-conchas, conectadas en la parte superior con una cuerda. Tradicionalmente, las placas se han hecho de madera dura, aunque más recientemente se ha utilizado vidrio y plástico para esto.

Las castañuelas se asocian más a menudo con la imagen de la música española, especialmente con el estilo flamenco. Por lo tanto, este instrumento se usa a menudo en la música clásica para crear un "sabor español" (por ejemplo, en la ópera "Carmen" de Jean Bizet, "Capriccio español" de Rimsky-Korsakov y otros).

Platillos: un instrumento con un tono indefinido en forma de dos discos hechos de una aleación especial (cobre, latón, bronce). Las placas se conocen desde el antiguo Egipto, India, China. En una orquesta sinfónica, los platillos emparejados se tocan golpeándose entre sí con un movimiento deslizante que se aproxima. Distinga entre un golpe abierto, en el que los platillos continúan sonando libremente, y uno cerrado, cuando el ejecutante presiona los bordes de los platillos contra sus hombros.

Una pandereta es un instrumento de tono indefinido, común entre muchos pueblos del mundo. Parece un aro de madera, por un lado estirado con cuero. En el lado opuesto, se tiran de cuerdas o alambres, de los cuales se cuelgan campanas. Los sonajeros de metal están montados en aberturas especiales, que en forma se asemejan a platillos de tambor, solo que en miniatura. A veces hay bubones sin cascabeles. La tarea principal en la orquesta es mantener el ritmo y darle cierto sabor a la música. Técnicas de juego: golpes de palma sobre el aro o la piel, trémolo. Se utiliza principalmente en bailes y marchas de marcha.

CAMPANAS ORQUESTALES - un instrumento que es un conjunto de 12-18 tubos cilíndricos de metal (diámetro 25-38 mm, suspendidos en un marco especial (altura 2 m). Golpean los tubos con un katalalka, cuya cabeza está cubierta con cuero .

En una orquesta, el instrumento se usa con mayor frecuencia para imitar el sonido de la campana.

CAMPANAS: un instrumento que tiene un cierto tono y consta de una serie de placas de metal montadas sueltas sobre barras en dos filas. La disposición de los discos en ellos es similar a la disposición de las teclas de un piano blanco y negro. Tocan con la ayuda de martillos metálicos especiales o un mecanismo de teclado o palos de madera.

TAM-TAM - un instrumento antiguo con un tono indefinido de origen oriental. Se incorporó a la orquesta sinfónica a finales del siglo XIX. Parece un disco de metal forjado hecho de aleación de cobre. El diámetro de un tam-tam grande alcanza los 100-120 cm, tiene un grosor de 8-10 cm.

La herramienta se cuelga de una cuerda o correas gruesas a los ganchos de un marco estable de madera o metal. Lo tocan con una katalalka de madera (a veces para efectos especiales, con baquetas de una caja o un triángulo). El sonido tam-tama es bajo, jugoso, profundo, con una onda de sonido amplia, que se eleva después del impacto y luego disminuye gradualmente.

V. Teclados

ÓRGANO: un instrumento de teclado e viento, generalmente ubicado en iglesias católicas, salas de conciertos, instituciones educativas musicales.

El sonido del órgano se crea forzando el aire en tuberías de varios diámetros, longitudes y materiales (metal o madera). El órgano se controla desde la mesa de juego, el panel de control, que contiene los mecanismos del juego (teclas, pedal), mecanismos de encendido y exclusión de registros. El órgano se toca con la participación de ambas manos y pies del organista, con o sin la ayuda de un ayudante. El organista tiene a su disposición uno o más manuales (teclados para las manos) y un pedal (teclado para los pies).

El órgano se usa no solo como instrumento solista y de conjunto, porque va bien con otros timbres, con una orquesta, un coro. Muchos compositores famosos de diferentes épocas escribieron obras para órgano. El genio insuperable de la música de órgano fue J.-S. Llevar una vida de soltero.

El clavicémbalo es un antiguo instrumento musical de cuerda pulsada con teclado. Sus cuerdas de metal se enganchan con una púa de plumas o cuero. Hay dos tipos de clavicémbalos: grandes en forma de ala (verticales u horizontales) y más pequeños - cuadrados, rectangulares o pentagonales. Los instrumentos del primer tipo generalmente se llaman clavecín, y el segundo, la espineta.

Cediendo ante el piano en dinámica, el clavecín tenía sus ventajas: va bien con otros instrumentos y voces, lo cual es importante en los conjuntos de cámara.

PIANO (PIANO, ROYAL) es un instrumento de percusión de teclado común en el mundo. Un piano de cola tiene un marco con cuerdas y una caja de resonancia resonante dispuestas horizontalmente, mientras que un piano tiene una vertical. Como resultado, el piano de cola tiene forma de ala, es más voluminoso que el piano. Sin embargo, el sonido del piano de cola es más voluminoso, más lleno, más ruidoso que el del piano. Como regla general, los pianos de cola modernos tienen tres pedales, están diseñados para cambiar el volumen, el timbre o alargar el sonido (en el piano, generalmente dos pedales).

El repertorio de los pianistas es muy diverso en géneros y estilos. "El alma del piano" fue f. Chopin, destacado pianista virtuoso - f. Hoja.

Composición de una orquesta sinfónica moderna

Una orquesta sinfónica moderna consta de 4 grupos principales. La base de la orquesta es un grupo de cuerdas (violines, violas, violonchelos, contrabajos). En la mayoría de los casos, las cuerdas son las principales portadoras del comienzo melódico en la orquesta. El número de músicos que tocan cuerdas es aproximadamente 2/3 de toda la banda. El grupo de instrumentos de viento madera incluye flautas, oboes, clarinetes, fagotes. Cada uno de ellos suele tener un partido independiente. Cediendo a los de arco en saturación de timbre, propiedades dinámicas y una variedad de técnicas de ejecución, los instrumentos de viento tienen una gran potencia, un sonido compacto y matices de colores brillantes. El tercer grupo de instrumentos de orquesta son los metales (trompa, trompeta, trombón, trompeta). Aportan nuevos colores brillantes a la orquesta, enriqueciendo sus capacidades dinámicas, dando potencia y brillo al sonido, y también sirven como soporte de bajo y rítmico. Los instrumentos de percusión son cada vez más importantes en la orquesta sinfónica. Su función principal es rítmica. Además, crean un fondo especial de sonido y ruido, complementan y decoran la paleta orquestal con efectos de color. Según la naturaleza del sonido, los tambores se dividen en 2 tipos: algunos tienen un tono determinado (timbales, campanas, xilófono, campanas, etc.), otros carecen de un tono exacto (triángulo, pandereta, tambor pequeño y grande, platillos) . De los instrumentos que no están incluidos en los grupos principales, el papel del arpa es el más significativo. Ocasionalmente, los compositores incluyen la celesta, el piano, el saxofón, el órgano y otros instrumentos en la orquesta. Instrumentos de viento de madera

FLAUTA - uno de los instrumentos más antiguos del mundo, conocido en la antigüedad - en Egipto, Grecia y Roma. Desde la antigüedad, la gente ha aprendido a extraer sonidos musicales de una caña cortada, cerrada por un extremo. Este instrumento musical primitivo fue aparentemente el antepasado lejano de la flauta. En Europa, en la Edad Media, se generalizaron dos tipos de flauta: recta y transversal. La flauta recta, o "flauta con punta", se sostenía hacia adelante, como un oboe o un clarinete; oblicuo o transversal, en ángulo. La flauta travesera resultó ser más viable, ya que era fácil de mejorar. A mediados del siglo XVIII, finalmente reemplazó a la flauta recta de la orquesta sinfónica. Al mismo tiempo, la flauta, junto con el arpa y el clavicémbalo, se convirtió en uno de los instrumentos musicales domésticos más queridos. La flauta, por ejemplo, fue tocada por el artista ruso Fedotov y el rey prusiano Federico II. La flauta es el instrumento de viento de madera más móvil: en términos de virtuosismo, supera a todos los demás instrumentos de viento. Un ejemplo de esto es la suite de ballet "Daphnis and Chloe" de Ravel, donde la flauta en realidad actúa como un instrumento solista. La flauta es un tubo cilíndrico, de madera o metal, cerrado por un lado, en la cabeza. También hay un orificio lateral para la inyección de aire. Tocar la flauta requiere mucho consumo de aire: cuando se sopla, parte se rompe en el borde afilado del agujero y se va. A partir de esto, se obtiene un sobretono sibilante característico, especialmente en un registro bajo. Por la misma razón, las notas sostenidas y las melodías amplias son difíciles de tocar en la flauta. Rimsky-Korsakov describió la sonoridad de la flauta de la siguiente manera: "El timbre es frío, más adecuado para melodías de naturaleza grácil y frívola en mayor, y con un toque de tristeza superficial en menor". Los compositores suelen utilizar un conjunto de tres flautas. Un ejemplo es la danza de las pastoras de El Cascanueces de Tchaikovsky.

El oboe compite con la flauta en la antigüedad de su origen: remonta su ascendencia a la flauta primitiva. De los antepasados ​​del oboe, el griego aulos fue el más utilizado, sin el cual los antiguos helenos no podían imaginar ni una fiesta ni una representación teatral. Los antepasados ​​del oboe llegaron a Europa desde Oriente Medio. En el siglo XVII, se creó un oboe a partir de una bombarda, un instrumento tipo pipa, que inmediatamente se hizo popular en la orquesta. Pronto se convirtió también en un instrumento de concierto. Durante casi un siglo, el oboe ha sido el ídolo de músicos y melómanos. Los mejores compositores de los siglos XVII y XVIII - Lully, Rameau, Bach, Handel - rindieron homenaje a esta pasión: Handel, por ejemplo, escribió conciertos para oboe, cuya dificultad puede confundir incluso a los oboístas modernos. Sin embargo, a principios del siglo XIX, el "culto" del oboe en la orquesta se desvaneció un poco, y el papel principal en el grupo de viento de madera pasó al clarinete. Según su estructura, el oboe es un tubo cónico; en un extremo hay una pequeña campana en forma de embudo, en el otro, un bastón, que el artista sostiene en la boca. Gracias a algunas características de diseño, el oboe nunca pierde su afinación. Por lo tanto, se ha convertido en una tradición afinarlo toda la orquesta. Frente a una orquesta sinfónica, cuando los músicos se reúnen en el escenario, no es raro escuchar al oboísta tocando en La en la primera octava, y a los demás intérpretes afinando sus instrumentos. El oboe tiene una técnica móvil, aunque en este aspecto es inferior a la flauta. Es más un canto que un instrumento virtuoso: por regla general, su dominio es la tristeza y la elegía. Así suena en el tema de los cisnes del intermedio del segundo acto de "El lago de los cisnes" y en la sencilla melodía melancólica de la segunda parte de la 4ª sinfonía de Tchaikovsky. Ocasionalmente, al oboe se le asignan "papeles cómicos": en La bella durmiente de Tchaikovsky, por ejemplo, en la variación de "El gato y el gatito", el oboe imita de manera divertida el maullido del gato.

El clarinete es un tubo cilíndrico de madera con una campana en forma de corona en un extremo y una punta de lengüeta en el otro. De todos los instrumentos de viento de madera, solo el clarinete tiene la flexibilidad para cambiar el volumen del sonido. Esta y muchas otras cualidades del clarinete lo han convertido en una de las voces más expresivas de la orquesta. Es curioso que dos compositores rusos, que se ocupan de la misma trama, actuaron exactamente de la misma manera: en ambos "La doncella de nieve", Rimsky-Korsakov y Tchaikovsky, las melodías del pastor de Lel se confían al clarinete. El timbre del clarinete a menudo se asocia con situaciones dramáticas sombrías. Esta zona de expresividad fue "descubierta" por Weber. En la escena "Wolf Valley" de "Magic Shooter", primero adivinó qué efectos trágicos se esconden en el registro bajo del instrumento. Más tarde, Tchaikovsky usó el sonido espeluznante de los clarinetes bajos en La dama de picas en el momento en que aparece el fantasma de la condesa. clarinete pequeño. El pequeño clarinete llegó a la orquesta sinfónica de los metales militares. Fue utilizado por primera vez por Berlioz, quien le confió el distorsionado "tema amado" en el último movimiento de la Sinfonía Fantástica. El clarinete pequeño fue utilizado a menudo por Wagner, Rimsky-Korsakov, R. Strauss. Shostakóvich. Cuerno de basset. A finales del siglo XVIII, la familia del clarinete se enriqueció con un miembro más: apareció en la orquesta la trompa basset, una antigua variedad del clarinete alto. En tamaño superaba al instrumento principal, y su timbre -calmado, solemne y mate- ocupaba una posición intermedia entre el clarinete habitual y el bajo. Permaneció en la orquesta solo unas pocas décadas y le debió su apogeo a Mozart. Fue para dos trompas de basset con fagotes que se escribió el comienzo del "Requiem" (ahora las trompas de basset están siendo reemplazadas por clarinetes). R. Strauss hizo un intento de revivir este instrumento bajo el nombre de clarinete alto, pero desde entonces parece no haber tenido repeticiones. Hoy en día, los cuernos de basset se incluyen en bandas militares. Clarinete bajo. El clarinete bajo es el miembro más "impresionante" de la familia. Construido a fines del siglo XVIII, ganó una posición fuerte en la orquesta sinfónica. La forma de este instrumento es bastante inusual: su campana está doblada hacia arriba, como una pipa de fumar, y la boquilla está montada sobre una varilla curva, todo esto para reducir la longitud exorbitante del instrumento y facilitar su uso. Meyerbeer fue el primero en "descubrir" el enorme poder dramático de este instrumento. Wagner, comenzando con "Lohengrin", lo convierte en un instrumento de viento de madera bajo permanente. Los compositores rusos a menudo usaban el clarinete bajo en su trabajo. Entonces, los sonidos sombríos del clarinete bajo se escuchan en la quinta imagen de la "Reina de Picas" en el momento en que Herman lee la carta de Lisa. Ahora el clarinete bajo es miembro permanente de una gran orquesta sinfónica, y sus funciones son muy diversas.

El antepasado del fagot es el viejo tubo de bajo: la bombarda. El fagot que lo reemplazó fue construido por el canónigo Afragno degli Albonesi en la primera mitad del siglo XVI. Un gran tubo de madera doblado por la mitad parecía un haz de leña, lo que se refleja en el nombre del instrumento (la palabra italiana fagotto significa "haz"). El fagot conquistó a sus contemporáneos con la eufonía del timbre, quienes, en contraste con la voz ronca de la bombarda, comenzaron a llamarlo "dolcino" - dulce. En el futuro, conservando sus contornos externos, el fagot experimentó serias mejoras. Desde el siglo XVII, ingresó a la orquesta sinfónica, y desde el siglo XVIII, al ejército. El tronco de madera cónico del fagot es muy grande, por lo que está "doblado" por la mitad. Un tubo de metal curvo se une a la parte superior del instrumento, en el que se coloca un bastón. Durante el juego, el fagot se cuelga de una cuerda alrededor del cuello del ejecutante. En el siglo XVIII, el instrumento disfrutó de un gran amor entre los contemporáneos: algunos lo llamaron "orgulloso", otros, "suave, melancólico, religioso". Rimsky-Korsakov definió el color del fagot de una manera muy peculiar: "El timbre es senilmente burlón en mayor y dolorosamente triste en menor". La interpretación del fagot requiere mucha respiración, y el forte en un registro bajo puede causar una fatiga extrema al ejecutante. Las funciones de la herramienta son muy diversas. Es cierto que en el siglo XVIII a menudo se limitaban a tocar bajos de cuerda. Pero en el siglo XIX, con Beethoven y Weber, el fagot se convirtió en la voz individual de la orquesta, y cada uno de los maestros posteriores le encontró nuevas propiedades. Meyerbeer en "Robert the Devil" obligó a los fagotes a retratar "la risa de la muerte, de la que la escarcha está desgarrando la piel" (las palabras de Berlioz). Rimsky-Korsakov en "Scheherazade" (una historia del príncipe Kalender) descubrió un narrador poético en el fagot. En este último papel, el fagot actúa con especial frecuencia; probablemente por eso Thomas Mann llamó al fagot un "pájaro sinsonte". Se pueden encontrar ejemplos en el Humorous Scherzo para cuatro fagotes y en Petya and the Wolf de Prokofiev, donde al fagot se le da el "papel" del abuelo, o al comienzo del final de la Novena Sinfonía de Shostakovich. Las variedades del fagot están limitadas en nuestro tiempo a un solo representante: el contrafagot. Es el instrumento de rango más bajo de la orquesta. Por debajo de los sonidos limitantes del contrafagot, sólo suenan los bajos de pedal del órgano. La idea de continuar la escala del fagot hacia abajo apareció hace mucho tiempo: el primer contrafagot se construyó en 1620. Pero era tan imperfecto que, hasta finales del siglo XIX, cuando se perfeccionó el instrumento, muy pocas personas recurrieron a él: ocasionalmente Haydn, Beethoven, Glinka. El contrafagot moderno es un instrumento doblado tres veces: su longitud desplegada es de 5 m 93 cm (!); en técnica se parece a un fagot, pero es menos ágil y tiene un timbre grueso, casi como de órgano. Los compositores del siglo XIX, Rimsky-Korsakov, Brahms, generalmente recurrieron al contrafagot para mejorar el bajo. Pero a veces se le escriben solos interesantes. Ravel, por ejemplo, en "La conversación de la bella y la bestia" (el ballet "Mi madre, el ganso") le confió la voz del monstruo. Instrumentos de cuerda

VIOLIN es un instrumento de cuerda con arco, el más alto en sonido, el más rico en posibilidades expresivas y técnicas entre los instrumentos de la familia del violín. Se cree que el predecesor inmediato del violín fue la llamada lira de braccio, que tiene su origen en las violas antiguas; como un violín, este instrumento se sostenía en el hombro (braccio italiano - hombro), las técnicas de ejecución también eran similares a las del violín. De mediados del siglo XVI. el violín se establece en la práctica musical como instrumento solista y de conjunto. Muchas generaciones de artesanos trabajaron para mejorar el diseño, mejorar las cualidades de sonido del violín. La historia ha conservado los nombres de A. y N. Amati, A. y D. Guarneri, A. Stradivari, destacados maestros italianos de finales del siglo XVI y principios del XVIII, que crearon muestras de violines que aún se consideran insuperables. El cuerpo del violín tiene una característica forma ovalada con muescas en los laterales. El caparazón conecta dos cajas de resonancia del instrumento (se cortan agujeros especiales en la parte superior - efs). Hay 4 cuerdas estiradas sobre el diapasón, afinadas en quintas. El rango del violín cubre 4 octavas; sin embargo, con la ayuda de los armónicos, también se pueden extraer una serie de sonidos más altos. El violín es un instrumento predominantemente monofónico. Sin embargo, en él se extraen intervalos armónicos e incluso acordes de 4 sonidos. El timbre del violín es melodioso, rico en sonido y matices dinámicos, en expresividad se acerca a la voz humana. Para cambiar el timbre durante el juego, a veces se usa un silencio. Al violín, que tiene una movilidad técnica excepcional, a menudo se le confía la interpretación de pasajes difíciles y rápidos, saltos amplios y melódicos, varios tipos de trinos, trémolo.

La viola y su forma de tocar recuerdan mucho al violín, así que si no notas la diferencia de tamaño (y es muy difícil hacer esto: la viola es notablemente más grande que el violín), entonces pueden ser fácilmente confundido. Se cree que el timbre de la viola es inferior al del violín en brillo y brillo. Sin embargo, este instrumento también tiene sus ventajas únicas: es indispensable en la música de carácter elegíaco, soñador-romántico. En términos de virtuosismo, la viola es casi tan perfecta como el violín, pero el gran tamaño de la viola requiere que el ejecutante estire los dedos y tenga la fuerza física adecuada. La viola no recibió inmediatamente el papel que le correspondía entre los instrumentos de la orquesta. Tras el florecimiento de la escuela polifónica de Bach y Handel, cuando la viola era un miembro igualitario del grupo de cuerdas, comenzaron a confiarle una voz armónica subordinada. Los violistas de aquellos días solían ser violinistas fracasados. En las obras de Gluck, Haydn y, en cierta medida, Mozart, la viola se utiliza únicamente como voz media o baja de la orquesta. Solo en las obras de Beethoven y de los compositores románticos la viola adquiere el significado de un instrumento melódico. La viola debe gran parte de su reconocimiento a los violinistas destacados del siglo pasado, especialmente a Paganini, que tocaba la viola en un cuarteto y actuaba en un concierto solista. Posteriormente, Berlioz introduce la parte de la viola solista en su sinfonía "Harold en Italia", encargándole la caracterización de Harold. Después de eso, la actitud de los compositores e intérpretes hacia la viola comenzó a cambiar. Wagner en "Tannhäuser", en una escena llamada "La Gruta de Venus", escribe para la viola una parte increíblemente difícil para la época. R. Strauss interpreta la viola solista de forma aún más magistral en la película sinfónica "Don Quijote". A las violas a menudo se les confía una voz melódica junto con violonchelos, violines o de forma completamente independiente, como, por ejemplo, en el segundo acto de "El gallo de oro" de Rimsky-Korsakov durante el baile de la Reina de Shemakhan.

EL CELLO entró en la vida musical en la segunda mitad del siglo XVI. Debe su creación al arte de destacados maestros instrumentales como Magini, Gasparo de Salo y, más tarde, Amati y Stradivari. Al igual que la viola, el violonchelo se ha considerado durante mucho tiempo un instrumento secundario en la orquesta. Hasta finales del siglo XVIII, los compositores lo utilizaron principalmente como voz de bajo, y a principios del siglo pasado, en relación con esto, las partes de violonchelo y contrabajo se escribieron en la partitura en una línea. El violonchelo tiene el doble del tamaño de la viola, su arco es más corto que el del violín y la viola, las cuerdas son mucho más largas. El violonchelo pertenece a la serie de instrumentos de "pie": el ejecutante lo pone entre sus rodillas, apoyando la púa de metal en el suelo. Beethoven fue el primero en "descubrir" la belleza del timbre del violonchelo. Siguiéndolo, los compositores convirtieron su sonido en la voz cantante de la orquesta; recordemos la segunda parte de la VI sinfonía de Tchaikovsky. Muy a menudo en óperas, ballets y obras sinfónicas, el violonchelo se asigna solo, como, por ejemplo, en "Don Quijote" de R. Strauss. En el número de piezas de concierto escritas para ella, el violonchelo solo es superado por el violín. Al igual que el violín y la viola, el violonchelo tiene cuatro cuerdas afinadas en quintas, pero una octava por debajo de las violas. En términos de capacidades técnicas, el violonchelo no es inferior al violín y, en algunos casos, incluso lo supera. Por ejemplo, debido a las cuerdas más largas del violonchelo, es posible obtener en él una serie más rica de armónicos.

El CONBAJO es muy superior a sus homólogos tanto en tamaño como en el volumen del registro bajo: el contrabajo tiene el doble del tamaño del violonchelo, que es el doble del tamaño de la viola. Lo más probable es que el contrabajo, descendiente de la antigua viola, apareció en la orquesta en el siglo XVII. La forma del contrabajo ha conservado las características de la viola antigua hasta el día de hoy: el cuerpo apunta hacia arriba, los lados inclinados; gracias a esto, el intérprete puede inclinarse sobre la parte superior del cuerpo y "llegar" a la parte inferior. del mástil para extraer los sonidos más agudos. El instrumento es tan grande que el intérprete lo toca de pie o sentado en un taburete alto. En términos de virtuosismo, el contrabajo moderno es bastante móvil: a menudo, junto con los violonchelos, se interpretan pasajes bastante rápidos. Pero "gracias" a su tamaño, requiere un gran estiramiento de los dedos y su arco es muy pesado. Todo esto hace que la técnica del instrumento sea más pesada: pasajes en los que se requiere ligereza suenan algo pesados ​​en él. Sin embargo, su papel en la orquesta es enorme: al interpretar invariablemente las partes de la voz del bajo, crea la base para el sonido del grupo de cuerdas y, junto con el fagot y la tuba o el tercer trombón, toda la orquesta. Además, los contrabajos suenan muy bien en una octava con los violonchelos en las melodías. En la orquesta, es muy raro dividir los contrabajos en varias partes o realizar solos en ellos. Latón

El PIPE forma parte de la orquesta de la ópera desde sus inicios; El Orfeo de Monteverdi ya había sonado cinco trompetas. En el siglo XVII y la primera mitad del XVIII se escribieron partes muy virtuosas y agudas para trompetas, cuyo prototipo fueron las partes de soprano en las composiciones vocales e instrumentales de la época. Para ejecutar estas partes más difíciles, los músicos de la época de Purcell, Bach y Handel usaban instrumentos naturales comunes en esa época con un tubo largo y una boquilla de un dispositivo especial que permitía extraer fácilmente los armónicos más altos. Una trompeta con una boquilla de este tipo se llamaba "clarino", el mismo nombre se le dio en la historia de la música y el estilo de escritura. En la segunda mitad del siglo XVIII, con un cambio en la escritura orquestal, el estilo clarinista fue olvidado y la trompeta pasó a ser predominantemente un instrumento de fanfarria. Estaba limitado en sus posibilidades como un corno francés, y estaba en una posición aún peor, ya que en él no se utilizaban los "sonidos cerrados" que ensanchaban la escala por su mal timbre. Pero en los años treinta del siglo XIX, con la invención del mecanismo de válvula, se inició una nueva era en la historia de la tubería. Se convirtió en un instrumento cromático y, después de varias décadas, reemplazó a la trompeta natural de la orquesta. El timbre de la trompeta no se caracteriza por la letra, pero el heroísmo lo logra de la mejor manera posible. Entre los clásicos vieneses, las trompetas eran un instrumento puramente de fanfarria. A menudo cumplían las mismas funciones en la música del siglo XIX, anunciando el inicio de procesiones, marchas, festividades solemnes y cacerías. Wagner usó pipas más que otros y de una manera nueva. Su timbre casi siempre se asocia en sus óperas con el romance caballeresco y el heroísmo. La trompeta es famosa no solo por su potencia de sonido, sino también por sus extraordinarias cualidades virtuosas.

Trombón recibe su nombre del nombre italiano de la flauta - tromba - con el sufijo de aumento "uno": trombón significa literalmente "trompeta". Y efectivamente: el tubo del trombón es el doble de largo que el de la trompeta. Ya en el siglo XVI, el trombón recibió su forma moderna y desde sus inicios ha sido un instrumento cromático. La escala cromática completa se logra en él no a través del mecanismo de válvulas, sino con la ayuda del llamado backstage. El backstage es un tubo adicional largo, con forma de letra latina U. Se inserta en el tubo principal y se alarga según se desee. En este caso, el sistema del instrumento disminuye en consecuencia. El intérprete empuja las alas hacia abajo con la mano derecha y sostiene el instrumento con la izquierda. Los trombones han sido durante mucho tiempo una "familia" compuesta por instrumentos de varios tamaños. No hace mucho tiempo, la familia de los trombones constaba de tres instrumentos; cada uno de ellos correspondía a una de las tres voces del coro y recibía su nombre: trombón-alto, trombón-tenor, trombón-bajo. Tocar el trombón requiere una gran cantidad de aire, ya que el movimiento de las alas lleva más tiempo que presionar las válvulas de una trompa o trompeta. Técnicamente, el trombón es menos móvil que sus vecinos del grupo: la escala no es tan rápida y clara, el forte es un poco pesado, el legato es difícil. Cantilena en un trombón requiere mucha tensión por parte del ejecutante. Sin embargo, este instrumento tiene cualidades que lo hacen indispensable en la orquesta: el sonido del trombón es más potente y masculino. Monteverdi en la ópera "Orfeo" tal vez por primera vez sintió el carácter trágico inherente al sonido de un conjunto de trombón. Y a partir de Gluck, tres trombones se hicieron obligatorios en una orquesta de ópera; a menudo aparecen en el clímax de un drama. El trío de trombón es bueno en frases oratorias. Desde la segunda mitad del siglo XIX, el grupo de trombones se ha complementado con un instrumento bajo: la tuba. Juntos, tres trombones y una tuba forman un cuarteto de "metales pesados". Es posible un efecto muy peculiar en el trombón - glissando. Se logra deslizando el backstage en una posición de los labios del actor. Esta técnica la conocía incluso Haydn, quien en el oratorio "Las cuatro estaciones" la utilizó para imitar los ladridos de los perros. Glissando es ampliamente utilizado en la música moderna. Es curioso el aullido deliberado y el rudo glissando del trombón en la Danza del sable del ballet Gayane de Khachaturian. El efecto de un trombón con sordina también es interesante, lo que le da al instrumento un sonido ominoso y extraño.

El progenitor del cuerno moderno fue el cuerno. Desde la antigüedad, el toque del cuerno anunciaba el inicio de la batalla, en la Edad Media y posteriormente, hasta principios del siglo XVIII, se escuchaba en cacerías, concursos y solemnes ceremonias cortesanas. En el siglo XVII, el cuerno de caza se introdujo ocasionalmente en la ópera, pero solo en el siglo siguiente se convirtió en un miembro permanente de la orquesta. Y el mismo nombre del instrumento, cuerno, recuerda su función pasada: esta palabra proviene del alemán "Waldhorn" - "cuerno de bosque". En checo, este instrumento todavía se llama cuerno de bosque. El tubo de metal de la antigua trompa era muy largo: cuando se desplegaba, algunos de ellos alcanzaban los 5m 90cm. Tal instrumento no podría sostenerse derecho en las manos; así que la trompetilla se dobló y se le dio la forma de una graciosa concha. El sonido del viejo cuerno era muy hermoso, pero el instrumento resultó ser limitado en sus capacidades de sonido: solo fue posible extraer la llamada escala natural, es decir, aquellos sonidos que surgen al dividir la columna de aire contenida en el tubo en 2, 3, 4, 5, 6, etc. partes. Según la leyenda, en 1753, el trompetista de Dresde, Gampel, metió accidentalmente la mano en la campana y descubrió que la afinación de la trompa había bajado. Desde entonces, esta técnica ha sido ampliamente utilizada. Los sonidos obtenidos de esta manera se denominaron "cerrados". Pero eran sordos y muy diferentes de los brillantes abiertos. No todos los compositores se arriesgaron a menudo a recurrir a ellos, generalmente satisfechos con motivos de fanfarria cortos y bien sonados construidos sobre sonidos abiertos. En 1830, se inventó el mecanismo de válvulas: un sistema permanente de válvulas adicionales que le permite obtener una escala cromática completa y con un buen sonido en la bocina. Unas décadas más tarde, la trompa mejorada finalmente reemplazó a la antigua trompa natural, que fue utilizada por última vez por Rimsky-Korsakov en la ópera May Night en 1878. La trompa es considerada el instrumento más poético del grupo de metales. En el registro bajo el timbre de la trompa es algo melancólico, en el registro alto es muy tenso. El cuerno puede cantar o decir lentamente. El cuarteto de trompetas suena muy suave; puedes escucharlo en el "Vals de las flores" del ballet "El cascanueces" de Tchaikovsky.

TUBA es un instrumento bastante joven. Fue construido en el segundo cuarto del siglo XIX en Alemania. Las primeras tubas eran imperfectas y se utilizaron inicialmente solo en orquestas militares y de jardín. Solo cuando llegó a Francia, de la mano del maestro instrumental Adolphe Sax, la tuba comenzó a cumplir con los altos requisitos de la orquesta sinfónica. La tuba es un instrumento bajo capaz de alcanzar el extremo más bajo del rango en el grupo de metales. En el pasado, sus funciones las realizaba la serpiente, un instrumento de forma extraña que le debe su nombre (en todas las lenguas romances, la serpiente significa "serpiente"), luego los trombones bajo y contrabajo y el oficleido con su timbre bárbaro. Pero las cualidades de sonido de todos estos instrumentos eran tales que no le daban a la banda de música un bajo bueno y estable. Hasta que apareció la tuba, los maestros buscaron obstinadamente un nuevo instrumento. Las dimensiones de la tuba son muy grandes, su tubo es el doble de largo que el tubo del trombón. Durante el juego, el ejecutante sostiene el instrumento frente a él con la campana levantada. La tuba es un instrumento cromático. El consumo de aire en el tubo es enorme; a veces, especialmente en forte en un registro bajo, el intérprete se ve obligado a cambiar su respiración en cada sonido. Por lo tanto, los solos de este instrumento suelen ser bastante cortos. Técnicamente, la tuba es móvil, aunque pesada. En una orquesta, suele actuar como contrabajo en un trío de trombones. Pero a veces la tuba actúa como un instrumento solista, por así decirlo, en roles característicos. Así, mientras instrumentaba "Cuadros de una exposición" de Mussorgsky en la obra "Ganado", Ravel confió a la tuba baja una imagen humorística de un carro retumbante que se arrastra por la carretera. La parte de tuba está escrita aquí en un registro muy alto.

El creador del SAXOFONO es el destacado constructor de instrumentos franco-belga Adolf Sachs. Sachs partió de un supuesto teórico: ¿es posible construir un instrumento musical que ocupe una posición intermedia entre los instrumentos de viento de madera y los de metal? Tal instrumento, capaz de unir los timbres de cobre y madera, estaba muy necesitado por las imperfectas bandas militares de música de Francia. Para implementar su plan, A. Sachs utilizó un nuevo principio de construcción: conectó un tubo cónico con una lengüeta de clarinete y un mecanismo de válvula de oboe. El cuerpo del instrumento estaba hecho de metal, los contornos externos se asemejaban a un clarinete bajo; tubo ensanchado en el extremo, fuertemente doblado hacia arriba, al que se une un bastón en una punta de metal, doblado en forma de "S". La idea de Sachs tuvo un éxito brillante: el nuevo instrumento se convirtió realmente en el vínculo entre los metales y los instrumentos de viento de madera en las bandas militares. Además, su timbre resultó ser tan interesante que llamó la atención de muchos músicos. El colorido del sonido del saxofón recuerda al corno inglés, clarinete y violonchelo al mismo tiempo, pero la potencia sonora del saxofón supera con creces la potencia sonora del clarinete. Habiendo comenzado su existencia en las bandas de música militares de Francia, el saxofón pronto se introdujo en la ópera y la orquesta sinfónica. Durante mucho tiempo, varias décadas, solo los compositores franceses recurrieron a él: Thomas ("Hamlet"), Massenet ("Werther"), Bizet ("Arlesienne"), Ravel (instrumentación de Katrinok de una exposición de Mussorgsky). Luego los compositores de otros países también creyeron en él: Rachmaninov, por ejemplo, confió al saxofón una de sus mejores melodías en la primera parte de las Danzas sinfónicas. Es curioso que en su insólito camino el saxofón haya tenido que enfrentarse al oscurantismo: en Alemania durante los años del fascismo fue prohibido como instrumento de origen no ario. En la década de 1910, los músicos de conjuntos de jazz llamaron la atención sobre el saxofón, y pronto el saxofón se convirtió en el "rey del jazz". Muchos compositores del siglo XX apreciaron este interesante instrumento. Debussy escribió Rapsodia para saxofón y orquesta, Glazunov - Concierto para saxofón y orquesta, Prokofiev, Shostakovich y Khachaturian se refirieron repetidamente a él en sus obras. Batería

La composición de la orquesta sinfónica se formó en la era de los clásicos vieneses.

Era la segunda mitad del siglo XVIII-primer cuarto del XIX, cuando trabajaban los grandes compositores Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Crearon ese alto tipo de música instrumental, en el que toda la riqueza del contenido se materializó en una forma artística perfecta: era una sinfonía.

Orquesta Sinfónica del Teatro Bolshoi
Una orquesta es un gran grupo de músicos instrumentales. ¿Pero qué tan grande? Una gran orquesta sinfónica puede tener hasta 110 músicos y una pequeña no puede tener más de 50.

Ludwig van Beethoven
La composición de la orquesta sinfónica evolucionó gradualmente a partir del siglo XVI. La composición "clásica" de la orquesta sinfónica se formó en las partituras de L. van Beethoven (según los conceptos modernos, era una pequeña orquesta sinfónica). Pero para la interpretación de su Novena Sinfonía, escrita en 1824, Beethoven necesitaba una orquesta ampliada con algunos instrumentos adicionales, y ahora era una orquesta grande, que incluía una flauta pequeña, un contrafagot, trombones, un triángulo, címbalos y un bombo. Algunos compositores incluyen incluso más instrumentos necesarios para realizar sus composiciones.
La base de la orquesta sinfónica está formada por 4 grupos de instrumentos: cuerda frotada, viento madera, viento metal y percusión. Si es necesario, la orquesta incluye otros instrumentos: arpa, piano, órgano, celesta, clavecín.
Instrumentos de cuerda: violines, violas, violonchelos, contrabajos.
Instrumentos de viento de madera: flauta, oboe, clarinete, fagot, saxofón en todas sus variedades, así como una serie de instrumentos populares: balaban, duduk, zhaleyka, pipa, zurna.
Latón: trompa, trompeta, corneta, fliscorno, trombón, tuba.

Batería(incluido el ruido): timbales, xilófono, vibráfono, campanas, tambores, triángulo, platillos, pandereta, castañuelas, tam-tam y otros.

Disposición de asientos para los músicos de la orquesta sinfónica

El director decide cómo sentar a la orquesta. También es dueño de la interpretación artística de la obra.
En la consola frente al conductor se encuentra puntaje(la notación musical completa de todas las partes de los instrumentos orquestales).
Las partes de instrumentos de cada grupo se graban una debajo de la otra, comenzando con los instrumentos que suenan más altos y terminando con los más bajos.

La ubicación de los intérpretes de una orquesta sinfónica moderna tiene como objetivo lograr una sonoridad coherente. En los años 50-70. siglo 20 recibió la mayor difusión "Asiento americano": los violines primero y segundo se colocan a la izquierda del director; a la derecha - violas y violonchelos; en las profundidades - instrumentos de viento de madera y metal, contrabajos; izquierda - tambores.
También hay "Asientos alemanes". Su diferencia con el "americano" es que los violonchelos cambian de lugar con los segundos violines, y los contrabajos están a la izquierda. Los instrumentos de metal están a la derecha, en la parte trasera del escenario, y los cuernos se mueven hacia la izquierda. Los tambores están más cerca de las alas derechas.

Zakirova Ekaterina Alexandrovna, profesora de música

MOU - "Lyceum No. 2", Saratov.

1. Cuerda - instrumentos de arco.

Todos los instrumentos de cuerda con arco consisten en cuerdas vibrantes estiradas sobre un cuerpo de madera resonante (plataforma). Para extraer el sonido se utiliza un arco de crin de caballo, sujetando las cuerdas en diferentes posiciones sobre el diapasón, se obtienen sonidos de diferentes alturas. La familia de instrumentos de cuerda frotada es la más numerosa de la composición.El grupo de cuerdas y arcos de la orquesta es el líder de la orquesta. Tiene una enorme capacidad tímbrica y técnica.

violín - Un instrumento de arco de 4 cuerdas, el sonido más alto de su familia y el más importante de la orquesta. El violín tiene tal combinación de belleza y expresividad de sonido como, quizás, ningún otro instrumento.Suena como la voz de un cantante. Tiene un timbre suave, de canto.

alternativo- parece un violín, pero no es mucho más grande y tiene un sonido más apagado y mate.

Violonchelo - un violín grande, que se toca sentado, sujetando el instrumento entre las rodillas y apoyándolo con una aguja en el suelo. El violonchelo tiene un rico sonido bajo, pero a la vez suave, aterciopelado, noble.

Contrabajo - el más bajo en sonido y el más grande en tamaño (hasta 2 metros) entre la familia de instrumentos de cuerda con arco. Los contrabajistas deben pararse o sentarse en una silla alta para alcanzar la parte superior del instrumento. El contrabajo tiene un timbre grueso, ronco y algo apagado y es la base del bajo de toda la orquesta.

2. Instrumentos de viento de madera.

La madera se utiliza para fabricar herramientas de madera. Se llaman instrumentos de viento porque producen sonido al soplar aire dentro del instrumento.Cada instrumento suele tener su propia línea solista, aunque puede ser interpretada por varios músicos.El grupo de instrumentos de viento de madera se utiliza ampliamente para dibujar imágenes de la naturaleza, episodios líricos.

Las flautas modernas rara vez están hechas de madera, más a menudo de metal (incluidos los metales preciosos), a veces de plástico y vidrio. La flauta se sostiene horizontalmente. La flauta es uno de los instrumentos con el sonido más alto de la orquesta. El instrumento más virtuoso y técnicamente ágil de la familia de los vientos, gracias a estas virtudes, a menudo se le encomienda un solo orquestal.

El sonido de la flauta es transparente, sonoro, frío.

oboe - un instrumento melódico con un rango más bajo que la flauta. De forma un poco cónica, el oboe tiene un timbre melodioso, rico, pero algo nasal, e incluso agudo en el registro superior. Se utiliza principalmente como instrumento orquestal solista.

Clarinete - Existen varios tamaños, dependiendo de la altura de sonido requerida. El clarinete tiene un timbre amplio, cálido y suave y proporciona al intérprete una amplia gama de posibilidades expresivas.

Fagot - instrumento de viento de madera con el sonido más bajo con un timbre grueso, ligeramente ronco, se utiliza tanto para la línea de bajo como como instrumento melódico alternativo.

3. Instrumentos de viento de cobre.

El grupo de instrumentos más ruidoso en una orquesta sinfónica. Cada instrumento toca su propia línea solista: hay mucho material.Para la fabricación de instrumentos de metal, se utilizan metales de cobre (cobre, latón, etc.) Todo el grupo de instrumentos de metal suena potente y solemne, brillante y brillante en la orquesta.

Un instrumento con un sonido alto y claro, muy adecuado para fanfarrias. Al igual que el clarinete, la trompeta viene en una variedad de tamaños, cada uno con su propio timbre. Distinguida por una gran movilidad técnica, la trompeta cumple brillantemente su papel en la orquesta, en ella es posible tocar timbres amplios y brillantes y largas frases melódicas.

Cuerno (cuerno) - Derivado originalmente del cuerno de caza, el cuerno francés puede ser suave y expresivo o áspero y áspero. Por lo general, una orquesta usa de 2 a 8 trompetas, según la pieza.

Toca más una línea de bajo que una melódica. Se diferencia de otros instrumentos de metal en la presencia de un tubo especial móvil en forma de U, detrás del escenario, que se mueve de un lado a otro, el músico cambia el sonido del instrumento.

Tuba- el instrumento de metal más bajo en una orquesta. A menudo se toca en combinación con otros instrumentos.

4. Instrumentos musicales de percusión.

El más antiguo y numeroso entre los grupos de instrumentos musicales.Este es un grupo grande, colorido y diverso, que está unido por una forma común de extraer el sonido: un golpe. Es decir, por su naturaleza no son melódicas. Su objetivo principal es enfatizar el ritmo, mejorar la sonoridad general de la orquesta y complementarla, decorarla con varios efectos.A veces, se agrega a los tambores una bocina de automóvil o un dispositivo que imita el ruido del viento (eolyphon).Solo los timbales son miembros permanentes de la orquesta. A partir del siglo XIX, el grupo de choque comenzó a reponerse rápidamente.Bombos y cajas, platillos y triángulos, y luego pandereta, tom-tom, campanas y campanas, xilófono y celesta, vibráfono . Pero estos instrumentos se utilizaron sólo esporádicamente.

Caja semiesférica de metal cubierta con una membrana de cuero, los timbales pueden sonar muy fuerte o, por el contrario, suave, como un trueno lejano; se utilizan palos con parches de diferentes materiales para extraer diferentes sonidos: madera, fieltro, cuero. . La orquesta suele tener de dos a cinco timbales, es muy interesante ver tocar los timbales.

Platillos (emparejados) - discos metálicos redondos convexos de varios tamaños y con un paso indefinido. Como se ha dicho, una sinfonía puede durar noventa minutos, y solo hay que tocar los platillos una vez, imagínense qué responsabilidad en el resultado exacto.

Xilófono- con cierto tono. Se trata de una serie de bloques de madera de diferentes tamaños, afinados en determinadas notas.

Celesta- pequeño teclado de percusión , de apariencia similar a , sonando como .

Tambores grandes y redoblante

triangulos

tom-toms instrumento musical de percusióngong .
pandereta .

5. Instrumentos de teclado

Un rasgo característico de varios instrumentos es la presencia de teclas blancas y negras, que en conjunto se denominan teclado o, para un órgano, manual.
Principales instrumentos de teclado:Organo (parientes -portátil , positivo ), clavicordio (relacionado -espineta en Italia yvirginal en Inglaterra), clavecín, piano (variedades -piano Ypiano ).
Según la fuente de sonido, los instrumentos de teclado se dividen en dos grupos. El primer grupo incluye instrumentos con cuerdas, el segundo grupo incluye instrumentos de tipo órgano. En lugar de cuerdas, tienen tubos de varias formas.
piano Este es un instrumento en el que los sonidos fuertes (forte) y bajos (piano) se extrajeron con la ayuda de martillos. De ahí el nombre del instrumento.

Timbreclave - plateado, el sonido no es fuerte, de la misma fuerza.

Organo - el instrumento musical más grande. Lo tocan, como el piano, apretando las teclas. Toda la parte delantera del órgano estaba decorada antiguamente con finas tallas artísticas. Detrás de él hay miles de pipas de varias formas, cada una con su propio timbre distintivo. En consecuencia, el órgano emite tanto los sonidos más altos como los más bajos que el oído humano solo puede captar.

6. Un miembro frecuente de la orquesta sinfónica escuerda pulsada herramienta -arpa , que es un marco dorado con cuerdas tensadas. El arpa tiene un timbre suave y transparente. Su sonido crea un sabor mágico.

Instrumentos de la orquesta sinfónica

"Invitados de la Orquesta"

EN Orquesta Sinfónica hay instrumentos que suenan en algunas obras, pero en otras pueden no serlo, por eso a veces se les llama " invitados de la orquesta ". Estos incluyen piano, clavicémbalo, órgano y otros. Echemos un vistazo más de cerca a algunos de ellos.

Instrumentos de percusión de una orquesta sinfónica

Instrumentos de percusión son los instrumentos musicales más antiguos. Inicialmente, surgieron, por supuesto, en la música popular. Y solo muchos años después aparecieron los instrumentos musicales profesionales, que forman parte de uno de los cuatro grupos de la orquesta sinfónica. Puedes tocar una melodía en algunos instrumentos de percusión (llamémoslos melódicos). Estos incluyen campanas, xilófono, celesta y otros.

El segundo grupo incluye los instrumentos de ruido (caja, bombo, castañuelas, pandereta y otros).

Este grupo no es dominante en una orquesta sinfónica, pero no pocas veces el sonido de estos instrumentos es un importante medio de expresión musical.

Si en las orquestas del siglo XVIII se usaban principalmente timbales, un tambor grande y una caja, entonces en la música del siglo XIX y especialmente en el siglo XX, la composición del grupo de percusión se expandió significativamente y comenzaron a desempeñar un papel más significativo. En los trabajos.

Escuche una lección en video sobre este tema para conocer mejor a los representantes de este grupo.

Instrumentos de metal de la orquesta sinfónica. Video lección.

Grupo instrumentos de metal de la orquesta sinfónica pequeño en composición. Pero inmediatamente llama la atención con un sonido festivo y solemne de metal. El arte de hacer sonar un cuerno o una caracola ya era conocido en la antigüedad. Posteriormente, la gente aprendió a fabricar herramientas similares a un cuerno y destinadas a fines militares y de caza.

Estos instrumentos llevan el nombre del metal del que están hechos. La mayoría de las veces es una aleación especial, que consta de 60% de cobre, 10% de níquel, 30% de zinc o plata. Pero en los viejos tiempos, algunos de ellos estaban hechos de cuerno, concha o hueso.

Hubo un tiempo en que estos instrumentos estaban hechos de metales preciosos, y los músicos creían que los metales preciosos le daban un tono especial al timbre del instrumento: la plata hace que el sonido sea más completo, el oro, suave, el platino, profundo. Pero estas diferencias, si existen, son perceptibles principalmente solo para los propios músicos. Más tarde, decidieron realizar un experimento inusual. Tomaron un trozo de manguera de goma, cuyo grosor de pared y otras dimensiones correspondían al tubo del clarinete, le hicieron agujeros y le construyeron una boquilla de clarinete. El clarinete improvisado sonaba bastante similar al real.

Si el sonido de los instrumentos de viento de madera a menudo nos recuerda a la flauta de un pastor, entonces los instrumentos de metal están asociados en nuestra mente con señales y marchas militares. Y esto no es casual, ya que los instrumentos de metal se utilizan en las bandas de música militares. De allí llegaron a la orquesta sinfónica.

Mucha gente piensa que la trompeta suena porque se toca. Si intenta hacer esto, lo más probable es que solo obtenga un silbido. En los instrumentos de metal, como los instrumentos de viento de madera, no hay lengüeta, a través de la cual el aire comienza a oscilar, produciendo un sonido. Para los metales, los propios labios del músico se utilizan como vibrador. Las dobla aproximadamente como se doblan las cañas de fagot o de oboe, y el hueco en la boquilla ayuda a hacer esto. Tal cierta posición de los labios al tocar se llama embocadura, y los instrumentos se llaman embocadura.

La trompeta no se sopla para que el aire de los pulmones del músico pase a través de ella. Sí, esto a veces es imposible: el volumen de nuestros pulmones es de aproximadamente cuatro litros de aire, y si los comparamos con el volumen de un helicón bajo, queda claro que una persona no puede llenarlo de aire con una exhalación. Al tocar instrumentos de viento, la respiración del músico solo ayuda a excitar las vibraciones del aire que ya está en la tubería.

Echemos un vistazo a los instrumentos de metal.

CUERNO FRANCÉS. Waldhorn alemán - cuerno de bosque. Esta es la traducción literal del nombre de este instrumento. El antepasado del cuerno eran los cuernos de caza, que se hacían sonar cuando era necesario dar una señal durante una cacería o algún acto solemne, para anunciar la reunión de tropas. Para hacer el sonido más fuerte y más fuerte, para que pudiera escucharse a una gran distancia, la bocina comenzó a alargarse. Pero tocar un tubo tan largo era un inconveniente. Por lo tanto, el tubo del instrumento comenzó a "torcerse". Primero hubo un turno, luego dos, luego tres. La trompa moderna es un tubo estrecho, de unos tres metros de largo, enrollado en un círculo con una extensión en forma de cono al final, que se convierte en una campana ancha.

La ubicación del cuerno cuando se toca es inusual: con la campana hacia abajo, hacia la mano derecha del músico, que descansa con la palma de la mano contra la pared de la campana, cubriéndola ligeramente. Esta posición fue introducida por el trompetista de Dresde Anton Gampel alrededor de 1750, para que fuera más fácil controlar el sonido de la trompeta insertando la mano en la campana. Esta técnica es ampliamente utilizada por los trompetistas modernos. El timbre de la trompa está influenciado por la forma de la boquilla, la copa, como en otros instrumentos de metal.

La trompa juega un papel muy importante en la orquesta. Su voz es suave y noble. Puede transmitir tanto un estado de ánimo triste como solemne, puede sonar cáustico y burlón. Es principalmente un instrumento orquestal, pero también hay literatura solista para él. En la interpretación de la trompeta, puedes escuchar una melodía melodiosa y conmovedora que, por ejemplo, suena al comienzo de la segunda parte de P.I. Chaikovski. En la sinfonía de Manfred, Tchaikovsky encargó cuatro cuernos ffff para tocar el tema musical principal, que pinta un retrato musical del héroe. Y en el "Vals de las Flores" del ballet "El Cascanueces" el cuarteto de trompetas suena suave y melodioso. El concierto para trompa y orquesta de R. M. Gliere es muy popular.

TUBO - uno de los instrumentos de metal más antiguos. Incluso en el "Antiguo Testamento" se hace mención al uso de pipas en ceremonias religiosas. Los anales del asedio de Kiev por los pechenegos en 968 hablan del importante papel de las tuberías en los combates del ejército ruso. La trompeta ha sido utilizada como instrumento de señalización por muchos pueblos desde la antigüedad. Advirtió del peligro, apoyó el coraje de los guerreros en la batalla, abrió ceremonias solemnes y llamó la atención.

En la antigüedad, un guerrero montaba guardia en la torre de la muralla de la fortaleza de la ciudad de Cracovia en Polonia. Miró atentamente a lo lejos: si aparecería el enemigo. En sus manos sostenía un tubo de cobre para dar una señal en caso de peligro. Y luego, un día, vio en la distancia un ejército enemigo que se acercaba. El vigilante empezó a tocar y sonó una alarma en Cracovia. Una nube de flechas voló hacia el centinela. Uno de ellos atravesó el pecho del trompetista. Reuniendo todas sus fuerzas, terminó de reproducir la señal. Solo al último sonido la trompeta se le cayó de las manos.

Durante muchos siglos, la memoria del héroe que salvó su ciudad a costa de su vida se ha conservado cuidadosamente entre la gente. Y ahora los indicativos de Cracovia son la antigua señal de guerra de la trompeta, interrumpiéndose al último sonido.

A principios del siglo XVII. La trompeta entró en la orquesta de la ópera. Al principio, desempeñó un papel modesto: solo ocasionalmente tocaba señales cortas, participaba en los acordes de acompañamiento. En ese momento, solo se podían tocar melodías simples basadas en los sonidos de una tríada. Pero con el tiempo, el instrumento mejoró, su rango aumentó, se hizo posible tocar partes complejas y expresivas en la trompeta. Su sonido brillante comenzó a atraer la atención de los compositores. Y la trompeta sonó en episodios solemnes, heroicos y, a veces, líricos. En el siglo XVIII. ya ocupaba un lugar destacado en las bandas sinfónicas y de música.

El siguiente instrumento de metal más alto es TROMBÓN. Su nombre proviene de la palabra italiana tromba (trompeta), complementada con el sufijo de aumento uno. En sentido literal, este nombre se puede traducir como "trompetas". Y de hecho lo es. En el siglo XV. la tubería se alargó mucho, para lo cual hicieron una escena de tubo retráctil. Así nació el trombón.

El trombón tiene los mismos antepasados ​​que la trompeta, pero en cierto sentido, el trombón resultó ser más feliz: era un instrumento cromático desde su nacimiento, por lo que casi no cambió. La trompeta del trombón, estrechándose y curvándose, pasa a un tubo cilíndrico estrecho, sobre el que se coloca un mecanismo deslizante. Consta de dos tubos fijos por los que se desliza un tubo deslizante en forma de U. Al mover la corredera con la mano derecha, el trombonista puede cambiar suavemente el tono, realizar glissando y también extraer cualquier sonido con la misma facilidad.

El trombón ocupa un lugar privilegiado en el grupo de los instrumentos de metal. Tiene una voz muy fuerte, cubriendo fácilmente el sonido de toda la orquesta. Y cuando varios trombones tocan juntos, le da solemnidad y brillo a la música. El trombón triunfa muy bien en melodías heroicas y trágicas. Pero la mayoría de las veces, tres trombones y una tuba, unidos en un solo grupo, tocan acordes en la orquesta, actuando como acompañamiento.

TUBA- el instrumento que suena más grave del grupo de metales. Su rango va desde el mi contraoctava hasta el fa de la primera octava, su timbre es severo, macizo. A diferencia de otros instrumentos de este grupo, la tuba es relativamente joven. Nació en Alemania en 1835 porque una banda de música necesitaba un buen bajo estable. Se compone de tubos de diferentes tamaños, una campana, una boquilla y válvulas.

Por regla general, el papel de la tuba en la orquesta se limita a doblar una octava por debajo de la parte del tercer trombón. Sirve como base del grupo de metales, como el contrabajo de las cuerdas. Es la tuba la que “cimenta” toda la música. Generalmente se acepta que este instrumento es torpe e inmóvil. De hecho, es muy difícil jugarlo. Se requiere un gran flujo de aire, por lo que el intérprete a veces tiene que respirar con cada sonido. Pero la tuba también se puede tocar rápidamente. Es cierto que su sonido es muy grueso, fuerte, jugoso y la música rápida con ese sonido será pesada. La tuba transmite muy bien la imagen de un elefante en la obra "El elefante" de Saint-Saens de la suite "Carnaval de los animales".

Por supuesto, los episodios de solos de tuba son muy raros en las obras orquestales. Uno de ellos es la obra "Ganado" de la suite "Cuadros de una exposición" de M. Mussorgsky, orquestada por M. Ravel.

Repetimos una vez más que el grupo de instrumentos de metal incluye:

trompeta, trompa, trombón y tuba.

Instrumentos de cuerda de una orquesta sinfónica. Video lección.

Instrumentos de cuerda en la orquesta sinfónica son el grupo más numeroso. Se llaman instrumentos de cuerda porque la mayoría de las veces se tocan con un arco, en contraste con los instrumentos populares de cuerda, en los que el sonido se extrae con un pellizco. Hay orquestas de instrumentos folclóricos en todos los países, pero creo que entiendes que las orquestas de instrumentos folclóricos de diferentes países consistirán en instrumentos diferentes, porque. Los instrumentos populares son diferentes para las diferentes naciones.

Por ejemplo, un instrumento popular ucraniano muy común es bandura, por lo tanto en Ucrania hay orquestas de bandura, en Bielorrusia, por ejemplo, los címbalos son un instrumento folclórico común, por lo que definitivamente serán parte de una orquesta folclórica.

Pero hay una orquesta que, sin importar a qué país vengamos, será la misma, esta Orquesta Sinfónica.

Y juegan un papel importante instrumentos de cuerda frotada que nos vamos a encontrar hoy.

Los violines son uno de los instrumentos más importantes de este grupo.

El violín tiene una prehistoria bastante larga, en la que no ahondaremos, solo señalaremos que el antecesor de la viola fue la viola, la cual, a su vez, se formó a partir de la fusión de varios instrumentos. La viola, a diferencia del violín, a menudo no se sostenía sobre el hombro, sino sobre la rodilla. Mire una pintura del siglo XV de una viola tocando

La forma del violín se estableció finalmente en el siglo XVI. Y a la vuelta de los siglos XVI y XVII, aparecieron maestros que aprendieron a hacer violines, cuyo sonido aún no pueden repetir, a pesar de que la ciencia y la tecnología han avanzado mucho.

Ningún instrumento musical ha llamado tanto la atención como el violín. Fue estudiado por matemáticos, físicos, químicos, acústicos y muchos otros científicos que querían desentrañar el secreto del magnífico sonido de los violines hechos por los maestros italianos Stradivari, Amati, Guarneri.

Existían muchas leyendas que explicaban a su manera el maravilloso sonido de los violines. Algunos de ellos dijeron que para hacer un buen violín, debes elegir un árbol en el bosque en el que se posan los pájaros, y solo de ese árbol se puede hacer un buen violín.

Hubo denuncias de que estos violines estaban cubiertos con un barniz especial, cuyo secreto nadie conocía. También se dijo que era necesario observar estrictas proporciones matemáticas de las partes del violín.

Pero al estudiar, por ejemplo, los violines Stradivari, todas estas afirmaciones fueron refutadas por los científicos. Resultó que Stradivari no cosechó madera, sino que compró tablas para violines a los artesanos.

Incluso compartió su receta de laca con extranjeros que a veces venían a verlo.

Al estudiar las proporciones de las partes de varios violines, no pudieron encontrar ninguna regularidad "mágica", gracias a la cual estos violines sonarían bien. Obviamente, el secreto era muy diferente.

Stradivari hizo su primer violín a la edad de 11 años, y el último poco antes de su muerte, y murió a los 93, y todos los días de su vida trabajó desde el amanecer hasta el anochecer. Y, por supuesto, un gran talento multiplicado por un enorme trabajo llevó a tales resultados. Ahora conozcamos con más detalle al primero de los cuatro representantes del grupo de cuerdas.

Violín. A menudo se la conoce como la "reina de la banda".

Si te fijas bien en su forma, puedes encontrar en ella una semejanza con la figura humana.

Tiene dos agujeros en forma de f en su cuerpo. Estos son eps.

El violín tiene 4 cuerdas afinadas con las notas: mi, la, re, sol. El rango del violín va desde la sal de una pequeña octava hasta la sal de la cuarta octava. Si miras al violinista tocando, puede parecer que está sosteniendo el violín con la mano izquierda. Pero no lo es. Se adjunta un dispositivo especial al cuerpo del violín, el violinista pone el violín en su hombro izquierdo y lo presiona con la barbilla.

El violín se toca con mayor frecuencia con un arco. Si toca una cuerda de violín, el sonido se extinguirá rápidamente, pero cuando dirige las cuerdas con un arco, el sonido dura mucho tiempo, no se extingue. El arco es un bastón con crin de caballo estirada. Para que el pelo del arco no sea suave, no se deslice a lo largo de las cuerdas, sino que las haga vibrar, se frotan antes de tocar, la mayoría de las veces con colofonia.

El violín a menudo se presenta como un instrumento solista.

Ha habido muchos violinistas famosos destacados en la historia, uno de los cuales fue Nicolás Paganini.

Lo acusaron de brujería, porque no podían creer que una persona sencilla pudiera tocar el violín así.

Ellos dijeron eso…

Un día un profesor de música ciego y un amigo vinieron al concierto de Paganini. Al escuchar tocar a Paganini, le preguntó a un amigo: "¿Cuántas personas están tocando en el escenario?" Al enterarse de que un músico estaba tocando, agarró a su amigo de la mano y lo arrastró hasta la salida, diciendo que una persona simple no puede tocar así, este es el diablo.

Paganini no solo fue un destacado violinista, sino también compositor.

El violín puede ser el solista de la orquesta. Por ejemplo, en la suite sinfónica Scheherazade de Rimsky-Korsakov, el violín transmite muy bien la imagen del narrador Scheherazade.

En una orquesta sinfónica puede haber 30 o más violines, en la 3ra parte de la suite sinfónica "Scheherazade" se puede escuchar lo hermoso y rico que sonará el grupo de instrumentos de cuerda.

Si comienza a tocar los violines no con un arco, sino con un pellizco (esta forma de tocar se llama pizzicato), entonces puede transmitir el sonido de los instrumentos populares (balalaika, domra). Cuando los compositores quieren transmitir un sabor folclórico, retratar la interpretación de instrumentos folclóricos, utilizan esta técnica de interpretación.

Así, el primer representante del grupo de cuerdas en una orquesta sinfónica es violín

El siguiente instrumento del grupo de cuerdas es Alto.

Exteriormente, es muy similar a un violín, solo que un poco más grande. También lo sostienen sobre su hombro, presionando su barbilla, y lo tocan, como el violín, con un arco.

Si miras al intérprete desde lejos, es difícil distinguirlo del violín.

Si el sonido más bajo del violín es la sal de una pequeña octava, entonces el sonido más bajo de la viola es hasta una pequeña octava, es decir cinco escalones hacia abajo. La viola juega un papel importante en la orquesta, pero rara vez se le asignan partes solistas. Tampoco se encuentran a menudo intérpretes de viola, aunque la situación ha cambiado recientemente. Si antes los intérpretes de viola tocaban principalmente obras escritas para violín, ahora los compositores comenzaron a crear cada vez más a menudo obras para viola. Uno de los violistas destacados de nuestro tiempo es Yuri Bashmet, quien no solo es solista, sino también director de orquesta, creador de la orquesta de cámara Solistas de Moscú.

Si la viola difiere ligeramente en apariencia y forma de tocar del violín, entonces esto no se puede decir sobre el próximo instrumento que nos reuniremos con usted.

Violonchelo difiere del violín no solo en su tamaño significativamente mayor, sino también en la forma en que se toca.

Si miras una fotografía de un violonchelo, entonces, sin darte cuenta de su tamaño, es muy difícil hacerte una idea de este instrumento. En su apariencia, es muy similar a un violín, solo que mucho más grande en tamaño. El violonchelista toca sentado en una silla, y el violonchelo se para frente a él en el piso sobre una "pata" retráctil especial, sobre una barra de metal que descansa en el piso.

Si el violín se puede comparar con una voz femenina alta, entonces el violonchelo es una voz masculina baja: melodiosa, aterciopelada, rica. También tiene 4 cuerdas y casi siempre se toca con arco. El violonchelo, a diferencia de la viola, es mucho más a menudo un instrumento solista; transmite tristeza, dolor y sentimientos profundos especialmente bien.

Un destacado violonchelista y director de orquesta del siglo XX fue Mstislav Rostropovich, a quien ves en la foto, quien interpretará un fragmento del Concierto para violonchelo de Joseph Haydn en la lección en video.

Y el último representante del grupo de cuerdas es el contrabajo. Es el instrumento más grande y con el sonido más grave. Él juega un papel muy importante en la orquesta, siendo, por así decirlo, la base de la orquesta. Si observa de cerca su forma, notará que difiere de todos los instrumentos de cuerda anteriores en "hombros" más inclinados, por lo que se parece más a una viola. El contrabajo se usa a menudo en orquestas de jazz y pop, pero allí se toca con fuerza, es decir. de una manera llamada pizzicato. Como instrumento solista, el contrabajo no suele ejecutarse, aunque algunos contrabajistas han alcanzado una habilidad muy alta con este instrumento.

En la lección en video, habrá una obra de Camille Saint-Saens de la suite "Carnaval de los animales", que se llama "El elefante". El registro bajo del contrabajo transmite muy bien la imagen de este gran animal aquí.

Repitamos ahora una vez más qué instrumentos forman parte de los instrumentos de cuerda de una orquesta sinfónica.

Este es un violín, viola, violonchelo y contrabajo.