Paul Cezanne 1839. január 19-én született Aix-en-Provence-ban, egy dél-franciaországi kisvárosban, 15 mérföldre északra Marseille-től. A leendő művész apja, Louis-Auguste Cezanne filckalapok gyártásával és értékesítésével foglalkozott, majd 1848-ban a város egyetlen bankjának társtulajdonosa lett. Paul édesanyjával, Elisabeth Auberttel csak 1844-ben házasodott össze, amikor a kis Paul ötéves volt. Paulnak két nővére volt, Marie (született 1841) és Rose (született 1854).
Paul nagyon jól nevelt gyerekként nőtt fel, jól tanult. Egyik legközelebbi iskolai barátját Emile Zolának hívták – híres íróvá kellett válnia. 1858-ban Cezanne egy helyi rajziskolába kezdett járni. Louis-Auguste azonban, aki nem akarta fiát művészként látni, ragaszkodott ahhoz, hogy Paul jogot tanuljon.
Látva, milyen vonakodva engedelmeskedik akaratának, apja mégis elengedte Párizsba festészetet tanulni, és még szerény pótlékot is kapott. Ez 1861-ben történt. Párizsban Cezanne a Suisse Akadémián kezdett tanulni (az alapító nevéről elnevezett akadémián), ahová mindenki bekerülhetett egy kis kedves és rezsidíjat fizetve. Akkoriban Cezanne rajzai éppoly energikusak voltak, mint ügyetlenek – nem egyszer nevetség tárgyává vált más feltörekvő művészektől.
Paul nagyon félénken viselkedett, és senkivel sem kötött közeli ismeretséget. Szerencsére Camille Pissarronak, az impresszionizmus egyik "atyjának" sikerült figyelembe vennie tehetségét. Egy másik személy, aki támogatta a fiatalembert Párizsban, barátja, Emile Zola volt, aki 1858-ban költözött oda. És mégis, néhány hónappal később Cezanne félelmektől és kétségektől gyötörve elhagyta Párizst, és visszatért szülőhazájába, Aix-be, hogy apja bankjának szolgálatába álljon.
Hősünk a banki szolgáltatásokban gyötrődve hamarosan visszatért álmához - hogy művész legyen. 1862 novemberében ismét Párizsban volt. Apja megnyugtatására Paul megpróbált belépni a tekintélyes Képzőművészeti Iskolába, de miután kudarcot vallott, visszatért a Suisse Akadémiára. Egy évvel később több képét felajánlotta egy hivatalos kiállításra a Szalonban – mindegyiket elutasították. Ez a helyzet szomorú állandósággal ismétlődött 1882-ig, amikor is Cezanne egyik festménye még mindig „áttört” a Szalonba.
1869-ben Cezanne találkozott Marie-Hortens Fiquet-vel. Hamarosan a fiatalok együtt éltek. A lány pózolt holdfényben, ez volt az oka az ismerkedésnek. Hortens alig volt 19 éves, csinos volt. Cezanne eltitkolta a vele való kapcsolatát pragmatikus apja elől. Tudva jól, hogy ez a regény nem fog tetszeni neki. 1872-ben Hortens megszülte Cezanne fiát, akit szintén Paaynak hívtak.
A művész hamarosan úgy döntött, hogy elhagyja Párizst. Követte Pissarro tanácsát, és családjával Pontoise-ba költözött, egy festői városba, amely 15 mérföldre északnyugatra van a fővárostól. Nem sokkal ez előtt Pissarro maga is Pontoise-ban telepedett le. A következő évben a Cezanne család Auversbe költözött, majd egy évvel később visszatértek Párizsba. Ehhez a rövid vándorláshoz kapcsolódik Cezanne művészi önmeghatározásának pillanata. Ő (nem Pissarro hatása nélkül) impresszionista módon kezdett írni. Cezanne részt vett az impresszionisták első (1874) és harmadik (1877) kiállításán. A művésznek van első rajongók, köztük a szenvedélyes gyűjtő, Victor Choquet, aki végül a művész 32 festményét gyűjtötte be gyűjteményébe.
Gyakran meglátogatta szüleit Aixben, Cezanne továbbra is eltitkolta apja elől az igazságot Hortensről és Paul Jr.-ről. Az anya kezdettől fogva tudott mindenről, és nem egyszer titokban eljött imádott unokájához. Mindenre 1878-ban derült fény, amikor Louis-Auguste felbontotta feleségének fiának címzett levelét. Először azt követelte, hogy Paul hagyja el családját, de ezt kategorikusan megtagadta - még az anyagi támogatás elvesztésével is. Beállt a szegénység. Ebben a nehéz időszakban Cezanne-t a már híres regényíróvá vált Zola barátságos válla támogatta.
1886-ban ez a barátság hirtelen véget ért. Zola kiadta a "Kreativitás" című regényt, amelynek főszereplőjét, egy bukott művészt Cezanne-tól másolták. Azóta Cezanne és Zola soha többé nem beszéltek vagy nem látták egymást. Ugyanebben az évben Cezanne hivatalossá tette házasságát Hortensszel. A házasságkötésre Aix-ben került sor, és a művész édesapja is jelen volt, ami a kibékülésüket jelentette. És ősszel Louis-Auguste meghalt, és nagy örökséget hagyott a fiának. A negyvenhét éves Cezanne végre megkapta a lehetőséget, nem törődött a mindennapi kenyerével, osztatlanul átadja magát a festészetnek.
Cezanne életének utolsó 20 éve mindenekelőtt művész. Semmi más nem vette el a figyelmét a művészettől. Még a család is. A Hortens-szel kötött házasság hamarosan névlegessé vált – a házastársak többnyire külön éltek: Paul apja, Jas de Bouffan nagy birtokán (ami azt jelenti: "szelek menedékhelye") Aix nyugati külvárosában, Hortens pedig a sajátjával. fia – Párizsban. Cezanne azonban mindig is szerető és gyengéd apa maradt. Gyakran „beugrott” Párizsba, de soha nem utazott túl Franciaország határain, kivéve egy rövid svájci utat 1890-ben.
A régi barátok közül Cezanne erős kapcsolatokat ápolt Claude Monet-val. 1894 őszén meglátogatta Monet-t giverny-i otthonában, ahol találkozott többek között Auguste Rodin szobrászművésszel és Mary Cassatt amerikai művésznővel. Egyik levelében "gyengéd szívű medvének" nevezte a művészt. Cassatt azt írta, hogy először félt Cezanne-tól, de hamar rájött, hogy „megtévesztő a külseje, és egyáltalán nem olyan vad, mint amilyennek első pillantásra tűnik... Sőt – idézzük továbbra is Cassattet – ez a legnemesebb ember, akivel korunkban nem gyakran találkozni... Példát mutat a másokhoz való hozzáállásban, és még a helyi idióta szobalányhoz is tisztelettel bánik..."
Cezanne munkáit időről időre kiállították Párizsban és más városokban, de az igazi elismerést, amit megérdemelt, csak 1895-ben érte el, amikor Ambroise Vollard gyűjtő nagy egyéni kiállítást rendezett Cezanne-ról (körülbelül 150 mű) párizsi galériájában. Ez a kiállítás nem tett nagy benyomást a nagyközönségre, de a látottak több fiatal művészt megdöbbentettek. Közülük Cezanne azonnal kultikus figurává vált. Meglehetősen eldugott élete ezt a képet még titokzatosabbá, már-már legendássá tette. A fiatalok a cezanne-i kirándulásokat egymás között „aix-i zarándoklatnak” nevezték – el kell mondani, hogy maga Cezanne is sokkal melegebben bánt új rajongóival, mint generációjának legtöbb művésze.
1897-ben Cezanne édesanyja meghalt, és 1899-ben kénytelen volt eladni Jas de Bouffant, hogy kifizesse adósságait. Ezt követően lakást bérelt a Rue Boulgonon Aix-ban. 1901-ben a művész telket vásárolt Aix északi külvárosában, és ott műtermet alakított ki. Ma múzeum, amelyben azonban egyetlen Cezanne-festmény sincs. 60 év után betegségek kezdtek következniés ritkán hagyta el Aixet.
1906-ban Cezanne ezt írta a híres festőnek, Emile Bernardnak: "Öreg vagyok, beteg, és megfogadtam, hogy meghalok a munkahelyemen." Minden a leírtak szerint történt. Ugyanezen év október 15-én, miközben a szabadban dolgozott, Aix környékén, heves esőzésekbe esett. A nehéz felszereléssel dombos terepen, sőt zivatarban való visszatérés erőn felülinek bizonyult - az idős mester az úton elesett, és eszméletlenül vitték haza. Egy héttel később, 1906. október 22-én Cezanne tüdőgyulladásban meghalt. Ekkorra már teljesen világos volt kortársai előtt művészi léptéke, és a Cezanne emlékének szentelt 1907-es párizsi kiállítás is ezt csak megerősítette.
Cezanne több mint 800 vásznat, körülbelül 350 akvarellt és ugyanennyi rajzot hagyott hátra. A Lionelo Venturi által összeállított Cezanne-művek katalógusában a szerző 130 vásznat utal a művész tevékenységének kezdetére (1871-től), 160-at az úgynevezett impresszionista időszakra (1872-1877), 260-at az ún. időszak (1878-1887). gg.), 260 - a szintetikusnak nevezett időszak (1888-1906).
A cikk tartalma
CESANNE, PÁL(Cézanne, Paul) (1839-1906) - a posztimpresszionista időszak francia festője. Az Aix-en-Provence-ban született és meghalt Cezanne életének nagy része a 19. századra esik, de munkássága gyakorlatilag észrevétlen marad egészen a 90-es évekig, amikor is fiatal művészek kezdenek érdeklődni iránta, először, majd a legnagyobb mértékben. hozzáértő gyűjtők és műkedvelők.
1900 után gyorsan eléri őt a világhír; a művészettörténet legbefolyásosabb művészévé válik, aki az egyik francia művészettörténész szavaival élve megadja "az egész festészet irányát a XX. század első felében".
„Az ő munkája – jegyzi meg M. K. Zhalard – nem kapcsolódik a 19. század egyik irányzatához sem. Igazi helye a 20. század művészettörténetében van.”
Cezanne kudarcot vall, amikor megpróbál bejutni a párizsi képzőművészeti iskolába (1861 és 1862), de a festészet válik élete fő tevékenységévé. A korai munkák Caravaggio, El Greco, Delacroix (1860–1872) szenvedélyéhez kötődnek; a következő, hétéves időszakban Cezanne aktívan együttműködik impresszionista művészekkel - Monet-val, Renoir-rel. Részt vesz az első impresszionista kiállításon, nem hajlandó részt venni a másodikon (1876), és tizenhét festményt ad a Harmadik kiállításra (1877). 1879 után eltávolodik az impresszionizmustól. A következő években a legreprezentatívabb párizsi művészeti fórum, a Salon d'Automne szisztematikusan elutasította festményeit.
Különleges adottsága abban a pillanatban nyilvánul meg, amikor az impresszionizmusban nem találva kielégülést, megtalálja saját módszerét. A formáció a 80-as években játszódik, amikor Cezanne végre túljut kreatív érésének legtermékenyebb pontján - az átmeneti időszakon.
Ilyenkor a realistának nevezhetőek vonzzák a figyelmét: Poussin, Daumier, Courbet. Ugyanakkor Pizarro erőteljes befolyása meghatározó volt fejlődésében, akinek tanári tehetségéről egyik tanítványa így nyilatkozott: „Olyan tanár volt, aki egy kőnek is meg tudott tanítani pontos rajzot.”
Pontoise után, ahol Cezanne 1872–1873-ban Pizarroval együtt dolgozott, festménye megváltozott. A képen 1873 akasztott férfi háza a ferde napsugarak által megvilágított tárgyak, mintha könnyű ködbe burkolóznának. Itt még nincsenek jellegzetes cezanne-i elnyújtott vonások, de már megjelennek a színfoltokkal jelölt függőlegesek, perspektívát építve, mélységet teremtve a képen. A korai időszak allegorikus és irodalmi cselekményei eltűnnek. Pizarro technikájának alapos tanulmányozása, a festék kis síkokban való felhordásának sajátos módja lendületet ad Cezanne-nak, hogy felfedezze saját módszerét, amellyel színekkel modellezheti a formát.
1873 végén Cezanne Pontoise közelében telepedett le, Auversben, Dr. Gachet rézkarcmester házában, Pizarro barátjával és más művészekkel, különösen Van Gogh-val, aki portréját készítette. Gachet lesz az egyik első vásárló Cezanne munkájára.
Az impresszionizmus leckéit levonva Cezanne önmaga marad. „Monet csak egy szem” – mondja, majd hozzáteszi: „De micsoda szem!” A táj kompozícióját felépítve rekonstruálja a valóságot: deformálja a tárgyakat, fokozza a hangszínt, elérve az egész súlyát, térfogatát, mélységét és harmóniáját. Nem jönnek zavarba az aránytalanságok és aszimmetriák, amelyeket a kompozíció általános szerkezete megkíván; az ábrázolt figura vagy tárgy plaszticitása mindig pontosan formálódik. Azt mondja: "A klasszikusok irányába kell menni, de a természeten, vagyis az érzéseken keresztül." Ez a „de” tisztelgés az impresszionizmus és egyben a természet rendje előtt, amelybe igyekezett behatolni, és amelyet soha nem helyettesít külső hasonlósággal.
Látvány Nyárfák 1879-1882 körül Provence-ban írt, lehetővé teszi, hogy megnézze, hogyan találja meg Cezanne saját írásstílusát. A térfogatot finoman körvonalazó és a kompozíciót rendszerező folt helyett itt tiszta, szinte dombornyomott függőleges, ferde és vízszintes vonások jelennek meg, modellezve a kép terét és a tárgyak alakját. Az új módszer lényege, hogy a természet plasztikus gazdagságát színgazdagságán keresztül ábrázolja, amit nemcsak látni, hanem megérteni is kell. „Nincs festmény sem világos, sem sötét, csak ez vagy az a tónuskombináció. Minél változatosabb és gazdagabb, annál erősebbek, pontosabbak és kellemesebbek a szemnek az átvitt érzések... Kontrasztok és összefüggések közöttük – ez a rajzolás és a modellezés teljes titka” – mondja.
Eltérve az impresszionizmustól, amely a világot múlandóvá teszi, a tárgyakat a légkörben, a fény és az árnyék változékony játékában feloldja, Cezanne szükségesnek tartja a festészet klasszikus alapjaihoz való visszatérést, „alapos művészet, mint pl. amelyet a múzeumokban látunk."
Az elérteket a klasszikus képi rendszer lerombolása nélkül javasolja felhasználni, beszél a mulandó és az állandó, a fény és az árnyék és a tárgyak szerkezetének, a tér és a térfogat összeegyeztetésének szükségességéről a színek gazdagságával. A szerkezetre, a tárgyak - hegyek és sziklák, házak és fatörzsek - volumetrikus "szobrászati" modellezésére a figyelmet a kubizmus a maga nem is szobrászati, hanem "építészeti" modellezési elvével juttatja logikus végkifejletére.
Az új modor – Cezanne saját stílusának – kialakulásában közismert szerepet játszott délvidéki tartózkodása, ahová 1878-ban visszatért, és ahol élete végéig maradt. A száraz átlátszó levegő, a fény és árnyék éles határai itt felfedik a tárgyak plaszticitását, világossá teszik körvonalaikat. A ragyogó nap világosan kirajzolja a formát, kiemeli a lényegeset, elpusztít mindent, ami mulandó, instabil.
Aix szomszédságában, Gardenna-Estacban dolgozik. Monumentalitásra, stabilitásra való törekvésében olyan változékony dolgoknak is stabil súlyú formát ad, mint a tenger, fű, fák koronája. Ugyanez a vágy nyilvánul meg a színekkel kapcsolatban. Képein a tárgyak színezése mindig egy bizonyos általános színnek van alávetve, ugyanakkor a maga módján pontos, a dolgok ismeretéből fakad - legyen szó emberi arcról, gyümölcsökről, virágokról vagy tájelemekről. Azt mondja, ahhoz, hogy tájképet festhessen, ismernie kell a geológiáját. Módszerének sajátossága, hogy a színek, kompozíciók, rajzok minden aprólékos kidolgozásával valami a képben marad. ugratás befejezetlen. Ez a képzeletbeli hiányosság felfedi az általa felfedezett módszer mélységét, amelyről azt mondja, hogy még csak a kezdeti szakaszában van. Ennek a módszernek a kidolgozásának és továbbfejlesztésének lehetőségét úgy, ahogyan az önkifejezési vágy és a természethűség, a művészet és a valóság saját rendjével való ideális összhangja közötti ellentmondást leküzdeni találta. Ezeknek a kapcsolatoknak a származéka az fajlagos deformáció természet – és van, amit közönségesen neveznek stílus. Cezanne ebből a szempontból egyedülálló. Az utolsó napokig folytatta a keresést, és még saját felfedezését is elismerve, mondván, hogy a festészetben új utat talált, ismételgette: „Primitív vad vagyok a talált módszerhez képest”, „csak mérföldkő ezen az úton – jönnek mások is."
Elsősorban a művészek művésze marad, mert festészetének minden pompája mellett az általa kitűzött cél túlmutat az elérteken. Felfedezését univerzális módszernek, közös tulajdonnak tekintik, festménye pedig felhívásnak tűnik a megkezdett folytatásra. Az 1900-as évek elején másoknál korábban ismerték fel fiatal művészek, akik számára a belső szubjektív állapot és a külső világ szintézisének problémája - az objektív valóság - mindig eleven és aktuális. A művész formálódása során különösen éles a konfliktus a világ friss, közvetlen felfogása és az elméleti premisszákon alapuló strukturálása, racionalizálása között. Néha úgy tűnik, hogy Cezanne későbbi éveiben az elmélet elsőbbséget élvez a természetről alkotott közvetlen vízióval szemben.
Természetesen éppen ez az absztrakt tervezés felé való dőlés: a forma geometrizálása, a kompozíció felépítése, a kép színének önálló értékké alakítása - mindenekelőtt a különböző irányzatú művészek figyelmének tárgyává válik - a nabisoktól és fauvistáktól az impresszionistákig és kubistákig.
Márpedig igazságtalannak, lényegében tévesnek tűnik azt hinni, hogy Cezanne a szín- és térfogatproblémák iránti szenvedélyében a tiszta formaalkotásba megy bele, hogy az ábrázolt tárgyakban „csak a tónusok gazdagságát, a forma tisztaságát és teltség, amely a csendélet tárgyakat lélegzetelállítóan meggyőző plasztikus szimbólumokká változtatja. Felhívva a figyelmet arra, hogy a Cezanne munkásságában nagy helyet foglaló csendélet elvileg a legkényelmesebb tárgy formai kísérletezéshez, a Cezanne, J. E. tájról szóló cikk szerzője a csendélet jegyében. Talán nem is az ábrázolt személy jellemzése volt a művész célja, de Cezanne egyetlen részletet sem figyelmen kívül hagyó festménye a természetet, a természet alapos tanulmányozása során művészi képpé alakítja. Egy ilyen installáció eredménye az ábrázolt tárgy mély lényegébe való behatolás. Ha egy portrét csendélettel hasonlítunk össze, az igaz, hogy mindkét esetben ugyanazzal a modell „olvasási” és értelmezési módszerével érjük el az eredményt a tónusok, színkombinációk legbonyolultabb összefüggéseibe való behatolás révén – nem mechanikusan másolva, de nem helyettesíti a valóság rendjét.mesterséges rend. (Az ilyen „helyettesítések”, beleértve a kitalált pszichológiai jellemzőket, jellemzőek a kortárs naturalista festészetre.)
Portréi mintegy megtisztulnak attól a jelentéktelentől, változékonytól, azoktól a felszínes, idegesítő tulajdonságoktól, amelyeket a szalonportréfestők általában ránk kényszerítenek.
Ez az ábrázolt szerkezeti alapjaiba való behatolás és a változékony figyelmen kívül hagyása – bármilyen hatásos is – élete utolsó éveiben fokozódik. Híres festmény- és tanulmánysorozata Sainte Victoire-hegy- ez egy kiválasztott téma művészi vizsgálata - szinte a természetes harmónia anatómiája: tömegek és tervek, tér és fény kombinációja - kizárólag festészet segítségével.
Apja, egy helyi bankár halála (1886) után a művész Aix-en-Provence-ban él, és teljes egészében a festészetnek szenteli magát, csak rövid időre távozik Svájcba (1841), Givernybe (1894), ahol egy ideig tartózkodik. Monet-val. 1882 és 1895 között Cezanne számos portrét festett: Madame Cezanne, Gustave Geffroy, Fiatal férfi Az 1892-es év különösen gyümölcsözőnek bizonyult számára, amikor a híres kártyajátékosok, számos lehetőség Sainte-Victoire-hegységés számos festmény a témában fürdőzők.
Cezanne gyorsan növekvő hírneve első egyéni kiállítása után kezdődik, amelyet 1895-ben Ambroise Vollard szervezett. Azóta nehéz túlbecsülni tekintélyét a művészek körében. 1900-ban Maurice Denis nagy festményt készített Cezanne tiszteletére, amely híres francia művészek csoportját ábrázolja. A kép közepén, amely az ún Dicséret Cezanne-nak, festőállványon Cezanne csendélete; körülötte, kivéve magát Denist és feleségét, O. Redont, E. Vuillardot, P. Serusiert, valamint Vollardot és másokat. Ugyanebben az évben, Párizsban Század kiállítása Cezanne három festménye díszhelyre kerül. 1904-ben az Őszi Szalon kiállításán már külön termet kapott. Ebben az időben a párizsi sajtó ezt írja: „Cezanne, akit élete során megaláztak és megvetettek, akit szülővárosában utcafiúk köveztek meg, megkésve arat babérokat az Őszi Szalonkiállításon... Picasso vezetésével minden fiatal festő a Nagyba menekült. Palais ... idő az aix-i öreg mester nem kedveli a műhelyébe érkező rajongókat. Sokáig tűrte a nevetségessé tételt, és most úgy gondolja, hogy rossz szándékúak küldték őket, hogy nevetjenek rajta.
„Talán túl korán jöttem” – mondta fiatal tisztelőinek. – Inkább a ti művészetek vagyok, mint az én generációm.
1906 szeptemberében Cezanne ezt írta barátjának, E. Bernardnak: "Öreg vagyok, beteg, és úgy döntöttem, hogy a festőállványnál fogok meghalni." Kívánsága egy hónappal később, október 22-én teljesült. Az utolsó vázlata Kertész olyan frissen és lendületesen íródott, mint érett korszakának többi része.
Cezanne halála után a világművészetre gyakorolt hatása összehasonlíthatatlan méreteket ölt. A festészet egyfajta abszolút mércéjévé válik, amelyhez olyan különféle művészeti irányzatokat hasonlítanak össze, mint a neoklasszicizmus és az absztrakcionizmus. Festészete inspirálja Braque-et a fauvista tanulmányokra, és az ő hatására lép tovább a kubizmus felé. Párizsi lakásában, szentélyként Braque élete végéig őrizte Cezanne csendéletét. – Manet – magyarázta –, egy virág és egy gyökér. Cezanne festményén a gyökértől a virágig itt van minden élet.
Az élet és a kreativitás dátumai.
1839. január 6. – Aix-en-Provence-ban született.
1855 – Az Aix College-ban tanul. Barátok Zolával.
1858-1860 - Az aix-i városi művészeti iskolában tanult.
1861-1862 - Megpróbál belépni a párizsi képzőművészeti iskolába.
1864 Cezanne munkáját a Szalon elutasította.
1865 – A párizsi Academie Suisse-n tanul.
1886-1889 és utána – Cezanne munkáit rendszeresen elutasítja a Szalon.
1872 – Pontoise-ban dolgozik Pizarroval.
1873 – Auversben dolgozik.
1874 – Részt vesz az első impresszionista kiállításon.
1876 - Nem hajlandó részt venni a második impresszionista kiállításon.
1877 – Pizarroval dolgozik Pontoise-ban, valamint Auversben és Issy-les-Moulineaux-ban.
1878 – Aix-ban dolgozik. A Szalon elutasította.
1879 – Estacában dolgozik.
1881 – Pizarroval és Gauguinnal dolgozik Pontoise-ban.
1882 Renoirral dolgozik az Estaque-nál.
1883 – Találkozik Monticellivel, Monet-val és Renoirral.
1884 – Aix környékén működik. Signac megveszi Cezanne tájképét.
1885 Művek Estaque-ban és Aix-ben.
1886 – Cezanne apja meghal. A regény megjelenése után szakíts Zolával Teremtés, amelyben Cezanne bukott művészként ismeri fel magát.
1888 – Huysmans első cikke Cezanne-ról a La Cravache-ban.
1889-1890 - Kiállítja munkáit Brüsszelben a Húsz csoporttal.
1891 – Bernard és Anquetin csodálja Cezanne munkásságát egy párizsi hetilapban megjelent interjúban.
1892 – festménysorozatot készít: kártyajátékosok, fürdőzők, Sainte Victoire-hegy.
1895 – Az első egyéni kiállítás Ambroise Vollard galériájában.
1900 – Cezanne festményeit bemutatják a párizsi világkiállításon. Széles körű népszerűségének kezdete. M. Denis képet fest Dicséret Cezanne-nak.
1901 – Nagy műhelyt épít Aix-ban.
1904 – Opciók Sainte-Victoire-hegység. A párizsi sajtó Cezanne hírnevének növekedéséről ír.
1906. október 22. – Aix-en-Provence-ban meghal.
Vil Mirimanov
Paul Cezanne híres impresszionista volt. A "House of the Hanged Man" című munkájának egyetlen célja van - bizonyos benyomást kelteni a nézőben. A mű címe alapján egyértelművé válik, hogy a képnek taszítania kell. Senki sem szereti […]
A híres francia művész, Cezanne híres csendéleteinek köszönhetően vált híressé. A művészt inkább a gyümölcsök vonzották, különösen az alma, amelyeknek véleménye szerint szép formája és színe volt. A gyümölcsöket és zöldségeket ábrázoló művész minőségileg új […]
A korai Cezanne túlnyomórészt sötét tónusokkal dolgozott. Olyan festők festményei inspirálták, mint Courbet, Delacroix és Daumier. 1870-ben a művész megalkotja a "Modern Olimpiát". Ennek a képnek a megírására óriási hatással volt Edward […]
Paul Cezanne nagy francia festő, a posztimpresszionizmus egyik legnagyobb képviselője. Ezen a képen a művész igyekszik megmutatni gazdag belső világát minden őt körülvevő embernek, az emberi jellem teljes skáláját. Ránéz […]
A festményt 1895-ben festették olajjal, vászonra. Cezanne egy nagyszerű francia művész, aki a századfordulón Provence-ban élt. A posztimpresszionizmus képviselője volt. Tájképeket festett, portréiról volt híres. Övé […]
Cezanne e híres munkája több néző szívét is elnyerte. A csendélet szimfonikus mélysége a leghétköznapibb tárgyak (terítők, konyhai eszközök, gyümölcsök és szőnyegek) finom mesteri részletezésével párosulva feltűnő szépségében. […]
Cezanne-t posztimpresszionistának nevezik - az impresszionistáktól tanulva, társaságukban eltöltött időt, kiállításaikon részt vett egy ideig, mégis önmaga maradt, anélkül, hogy a kollégáira jellemző szokásokat elsajátította volna. Érett állapotban […]
A festmény Paul Cezanne ecsetjéhez tartozik, aki az impresszionistákkal egy időben élt és alkotott. Ugyanakkor Cezanne és az impresszionista művészek (mint például Monet, Seurat) művészi keresései nagyon eltérőek voltak. A "Smoker" alkotóját nem érdekelte, hogy […]
A híres francia festő, Paul Cezanne a posztimpresszionizmus úttörője volt. Az impresszionizmus leghíresebb mestereivel élve és együtt dolgozva, útja kezdetén tőlük befolyásolva Cezanne saját stílusát keresve messzebbre ment, mint kollégái. A művész, miután megtanulta a természet csodálatos állapotainak átadásának művészetét, belemerült a körülötte lévő dolgok formáló alapjainak keresésébe, és megpróbálta megérteni a dolgok belső logikáját. A festő újító szemlélete nem tette lehetővé, hogy élete során megérdemelt sikert és hírnevet szerezzen. Csak az idő tett mindent a helyére.
Dobó fiatalság
A leendő művész 1839. január 19-én született egy dél-franciaországi kisvárosban - Aix-ban. Paul volt az elsőszülött a bankár Louis - Auguste Cezanne családjában. A kalapgyártással és -értékesítéssel induló, majd saját bankot nyitó apa igen befolyásos ember volt, az egész család szigorúan engedelmeskedett az akaratának. A művész édesanyja, Anna - Erzsébet még két lányt szült - Mariát és Rose-t, de imádta első gyermekét - Pault, és mindig igyekezett támogatni. Maga a festő egész életében bálványozta és féltette apját.
Paul Cezanne gyermekkorától fogva a rajzolás iránti vágya, ötéves korától faszénnel festette a ház falait, már akkor is nagyon hihető képeket alkotva. De csak az anyja volt büszke a sikerére, az apa arról álmodozott, hogy fiában látja utódját. Apja akaratából Paul 1849-ben a város egyik legjobb iskolájába, a Saint-Joseph iskolába lép, ahonnan 1852-ben a tekintélyes, bezárt Bourbon College hatodik osztályába költözik.
A főiskolán a jövő híres művésze, Paul Cezanne találkozott a leendő híres íróval - Emile Zolával. Barátságuk végül is jelentős szerepet játszott a festő sorsában. És akkor, fiatal korában Zola volt az, aki megnyitotta Pál előtt a könyvek és a költészet varázslatos világát. A barátok gyakran sétáltak, messzire mentek Aixtől, tele álmokkal a csodálatos jövőről és a tiszta szerelemről.
1855-ben a tizenhat éves Paul végzett a főiskolán, kitűnt franciául és latinul versírással, és nem ismerte fel magát művészként. A főiskola elvégzése után Cezanne belép a jogi karra, amelyhez apja kategorikusan ragaszkodott. Ezzel párhuzamosan, esténként Paul elkezd tanulni Joseph Gibert Aix-i festőiskolájában. A fiatalember örömére az apa nem látott semmi kivetnivalót fiának ebben a vágyában.
Az újonnan megnyílt városi múzeum, ahol festményeket állítottak ki, a kezdő művész kedvenc helyévé vált. Paul itt és a Gibert iskola óráin igazán boldognak érezte magát, álma volt, hogy művész legyen. De az apja hallani sem akart egyetlen fia sorsának ilyen fordulatáról, továbbra is ragaszkodott a számára teljesen érdektelen fiatal jogi tanulmányokhoz. Az ifjú Cezanne lelke Párizsról álmodozott, ahová aktívan meghívta főiskolai barátja, Emile Zola, aki addigra a francia fővárosba költözött, és kipróbálta magát az irodalmi munkában. Paul Cezanne végül mégis felhagyott jogi tanulmányaival, és engedélyt kapott apjától, hogy Párizsba induljon, ahol Zola arra buzdította, hogy kezdjen el komolyan festészetet tanulni.
1861-ben a fiatal festő Franciaország fővárosába költözött, és a Művészeti Akadémiára készült. Cezanne órákra kezd Lewis stúdiójában, ahol találkozik a leendő impresszionistákkal, Camille Pissarro-val és Claude Monet-val, akik rajzot tanultak, de már megvolt a saját elképzelésük a festőművészet fejlődéséről.
Pissarro azonnal hitt Cezanne-ban, és sikert jósolt neki a jövőben. Ám a tartományi fiatal művész idegennek érezte magát a fővárosi műhely hangulatában. Az egyetlen barát, akit ott talált, honfitársa, a törpe Achille Amperera volt, aki később lelkesen festett meztelen nőket. Paul Cezanne nagyon bizonytalan volt képességeiben és tehetségében. Időnként úgy tűnt neki, hogy minden tanulmánya értelmetlen, és vissza kell térnie Aixbe, hogy apja utódja lehessen. Valószínűleg a művészt lelkiismeret-furdalás és bűntudat gyötörte a szülő előtt, akinek reményeit nem igazolta. Ezek a lelki gyötrelmek és kétségek végül oda vezettek, hogy a művész elhagyta kedvenc festményét, és 1861-ben visszatért szülővárosába.
Aix-ban Paul Cezanne bankjában kezdett dolgozni, az idősebbik, aki hihetetlenül elégedett volt "a tékozló fiú visszatérésével". De mindkettőjük öröme rövid volt. Paul nem élhetett sokáig festészet nélkül, és hamarosan a vágytól ismét Gibert iskolájába kezdett. Egy otthon töltött év és az édesapjával folytatott végtelen beszélgetések után a fiatalember ismét Párizsba megy, ezúttal úgy döntött, hogy mindenképpen a Művészeti Akadémiára jár.
Igaz, a vizsgákra készülve Cezanne hirtelen rájött, hogy a művészet, amit tanulni kezdett, teljesen idegen tőle. A szalonfestés szükségtelennek és üresnek tűnt számára. Ráadásul Paul ismét kételkedni kezdett saját tehetségében. Keményen dolgozott, de önmagával való elégedetlensége csak fokozódott. Az eredmény egy újabb kudarc volt - a művész soha nem tudott belépni a festészeti iskolába.
1863-ban ellátogatott a Szalonba, ahol meglátta Edouard Manet botrányos művét, a Luncheon on the Grass című, a közvélemény által elutasított művét. Ez a mérföldkőnek számító alkotás, amelynek köszönhetően igazi forradalom ment végbe az akkori művészetben, Cezanne világképét is megváltoztatta. Ez vezette be a fiatal művészt – sok társához hasonlóan – a művészet új felfogásába.
Cezanne számára sorsdöntő volt Frederic Basillal való ismerkedés, amely ugyanabban az évben történt. Basile elhozta a Gleyre műhelyébe, ahonnan Claude Monet, Alfred Sisley és Auguste Renoir került ki. A természetes félénkség, ugyanakkor a jellem abszurditása nem tette lehetővé, hogy Cezanne csatlakozzon a jövő impresszionistáinak körébe. Ennek eredményeként a művész mindig tartotta magát, igyekezett nem bocsátkozni vitákba és beszélgetésekbe, és nem vett részt találkozóikon.
1864-ben, miután a Szalon megtagadta új munkáinak elfogadását, Cezanne ismét abbahagyta a festészetet, és ismét visszatért Aix-ba. Igaz, ott is folytatja az írást, képtelen lemondani a művészetről. Ennek eredményeként hat hónappal később Cezanne ismét Párizsba érkezik, hogy felajánlja munkáját, hogy részt vegyen a Szalonban, és ismét elutasítják. A művész feldúlt, szinte elveszítette önmagába vetett hitét, a művész ismét semmivel megy haza.
Aix-ban Paul a portrékészítésnek szenteli magát. Keményen dolgozik, de a következő évben a művész alkotásait nem fogadta el a Szalon. Cezanne teljesen kétségbeesett. Úgy döntött, hogy a munkáját soha nem fogják megérteni, de nem akar másként írni. A Szalonba ismét megérkezve és munkáit kiállítva gúnyos ovációt kap, a közönség nyíltan kinevet a festőn.
De valami jó is történik a Szalonban - valaki bemutatja a művészt Edouard Manet-nek, aki melegen beszél a fiatal tehetség kreatív kereséseiről. Végül, miután pozitív visszajelzéseket kapott, és még bálványától is, Cezanne bízik a kreatív út helyes megválasztásában. Aixhez visszatérve a festő egyfajta hírességgé válik. Kezdik felismerni az utcán, a helyi művészek is megpróbálják lemásolni munkáit, de a közönség kíváncsisága továbbra is meglehetősen ellenséges maradt.
Szent Antal megkísértése
A "Szent Antal megkísértése" (1867-1869, E. Buerle Alapítvány, Zürich) mű Cezanne korai műveire utal. A művész klasszikus vallásos történetet használva meztelen női testeket ábrázol a természet hátterében. Valójában a cselekmény csak ürügy volt a meztelenség nyílt megírására. Maga Szent Antal, aki elméletileg a kép központi szereplője lett volna, szerény helyet kap a vászon bal szélén, és ott is gyakorlatilag egybeolvad az alakja a háttérrel.
Sem Szent Antal arcáról, sem testtartásáról nem lehet leolvasni az emberi test és lélek belső küzdelmét. Ha a művész célja egy bűnös megszállottsággal küszködő keresztény szent ábrázolása volt, akkor azt mondhatnánk, hogy Cezanne munkája kudarcot vallott. De a festő egyáltalán nem törekedett erre, csak a női testek érdekelték.
A chiaroscuro éles kontrasztjai erőteljes monumentális formák segítségével formálják a kötetet. Magának a mű központi részének klasszikus piramiskompozíciójának úgy tűnik, semmi köze a cselekményhez: a lányok, akik figuráikkal ördögi kört alkotnak, egyáltalán nem fordulnak Szent Antalhoz. Tőle függetlenül léteznek. És csak egy ügyesen elrendezett figurális csoport, amely a vászon legszélén található - Szent Antal és a csábító, aki túlzottan őszinte pózban jelent meg előtte, felel meg a mű címének. Ez a pár a klasszikus szimmetria elve szerint épül fel. A testét mutató nő nyitott pózát szembeállítják Anthony zárt pózával, aki sietve becsomagolja durva ruháit.
Figyelemre méltó, hogy Cezanne nem szépségeket ábrázolt, őszintén fest tökéletlen női testeket. Mellesleg nagy ívvel nevezhetők szépségeknek: Cezanne messze van attól, hogy idealizálja a képeket, egyszerűen írja – nők. Az impresszionisták hatása érezhető a kontrasztos színű árnyékokban és a környező növényzet visszaverődésében a nők testén. Cezanne azonban túlzottan használja fel az impresszionizmus felfedezését, szinte az abszurditásig viszi azt, ami közelebb viszi munkásságát a fauvisták munkásságához, akiknek még be kell lépniük a világművészeti színtérre.
Magánélet
Egy évvel később, 1870-ben a művész találkozott Hortense Fike-kal, aki állandó modellje lett. A Poroszországgal ugyanabban az évben kezdődött háború Cezanne és Fike Estaque-ban (Provence) várt. A festő gondosan eltitkolta kapcsolatát a modellel a család elől, különben a dühös apa tartás nélkül hagyhatta, ami már így is alig volt elég a megélhetéshez. A közvélemény által meg nem értett és el nem fogadott művésznek csak apja csekély segítségének köszönhetően sikerült életben maradnia, ezért ez a legfontosabb esemény még Grotensia fia, Paul 1872-es születése után is rejtély maradt Cezanne rokonai számára.
A művész hamarosan Pontoise-ba költözött, ahol Camille Pissarro élt – azon kevesek egyike, akik hittek Cezanne lehetőségeiben. Egy barát támogatása nagyon hasznos volt. Az impresszionista Pissarro azt tanította, hogy az embernek le kell mondania az egójáról, és meg kell festenie, amit lát, átviszi a vászonra a természet valódi állapotát, és nem értelmezi a körülötte lévő világot.
Itt Cezanne-t bemutatják Dr. Ferdinand Gachetnek, aki szeretett festeni, és nagyra értékelte az "új" művészetet. Gachet azonnal kijelentette, hogy Cezanne-t nagy művésznek tartja, és rávette, hogy költözzön be auversi házába. Gachet lelkes felfogása Cezanne munkáiról reményt keltett a festőben. Korábban senkit nem érdekelt a munkája, és nem is vette őket komolyan. Itt a művész érezte az egész Gachet család őszinte érdeklődését munkái iránt, és számos tájképet kezdett festeni, amelyeket az impresszionista festészeti módszer magával ragadott.
Fényes személyiség
Az „Akasztott ember háza” (1873, Musee d'Orsay, Párizs) című festmény komor neve ellenére napfényes táj. A vászon mesteri és szokatlan kompozíciós felépítése olyan, mint egy kollázs, és különböző tervek kombinációján alapul.
Az előtér bevezeti a nézőt a kép terébe. Ezen egy figyelemreméltó homokos lejtőt látunk, a bal alsó sarokban fatönkökkel, itt helyezték el "kiindulópontként" a fokozatos mélyebbre költözéshez. A második tervet egy sötét tetős épület foglalja el, egy fűvel benőtt domb, amely mögött egy csúnya „akasztott ember háza” tárul fel, mintha a dombból emelkedne ki, és a kép harmadik síkját képviselné. Mögötte egy közvetlenül alatta található ház teteje látható - a negyedik terv, amely mögött élénkvörös téglafalú épületek láthatók.
A művészt követve a néző tekintete a vászon bal alsó sarkából lefelé ereszkedik a domboldalon, az épületfalak és az egyenetlen domborzat között kanyarogva feltárja a tér teljes mélységét. És minél jobban belenézel ebbe a térbe, annál összetettebbnek tűnik. Cezanne pontosan úgy közvetítette a tájat, ahogy a természetben látta, anélkül, hogy a perspektíva segítségével újjáépítette volna, így a narancssárga házak közvetlenül egy közeli épület tetején állnak, a burjánzó fák pedig a kompozíció bal felső sarkában. abszurd módon közvetlenül az "akasztott ember háza" fölött halmozódnak fel.
Pontosan az ilyen, a klasszikus művészet számára elképzelhetetlen kompozíciós abszurditások tették lehetővé, hogy a művész valóban úgy ábrázolja a világot, ahogyan látta. A „Ház és a fa” (1873-1874, magángyűjtemény) című festmény kompozíciós felépítésében az előző mű egy töredékére emlékeztet: ugyanaz a kitöltetlen előtér, a fehér kőépület ma is növekszik közvetlenül a dombból, amelyhez képest egy ágas fa pompázik. Melynek kanyargós törzse, mintha óriási repedésként „terülne szét” a fal síkján. Egy ilyen motívum furcsán izgalmas drámai akkordokat ad az egész műnek, olyan titok benyomását keltve, amelyet a ház úgy őrz meg magában, mintha egy fa törzse és ágai mögé rejtőzne.
A „Dr. Gachet háza Auversben” (1873, Musee d’Orsay, Párizs) című vászon az első üres és a második, túltöltött terv váltakozásával tűnik ki. Így Cezanne harmonikus kompozíciót hoz létre. Az ábrázolt házak, amelyeket a művész szorosan egymáshoz farag, szűknek tűnnek ezen a vidéki utcán. Ha alaposan megnézzük a falak vonalát, nyilvánvalóvá válik, hogy messze nem egyenletesek. Cezanne nem törekszik a vonalak tisztaságára, ellenkezőleg, szándékosan eltorzítja azokat, akárcsak a napfényt, amely egyenetlenül világítja meg a felületeket, azok textúrájától és más tárgyakhoz való közelségétől függően.
Paul Cezanne csak azt írja le, amit lát, a környezet nemesítése nélkül, ahogy egy „helyes” művésznek tennie kell. Már itt is megnyilvánul a művész vonzódása az egyszerű monumentális formák iránt, amely a mester egyéni stílusjegyévé válik. Camille Pissarro védnöksége alatt Cezanne 1874-ben részt vesz az impresszionisták első kiállításán. Ismét kigúnyolják munkásságát, a „Akasztott ember háza” című alkotását azonban egy igen nagy gyűjtő vásárolja meg, ami reményt ad a félreértéstől gyötört művésznek.
Cezanne nehéz élete jól olvasható az 1875-ben írt „Önarcképen” (Musee d’Orsay, Párizs). Egy észrevehetően kopaszodó, érdeklődő és hitetlen tekintetű művészt látunk rajta. Paul Cezanne intuitív módon kereste saját útját a művészetben, amelyet egyedül járt, anélkül, hogy elismerést vagy dicsőséget talált volna. A mester munkái félreérthetetlenek maradtak, ő maga pedig kereslethiányban szenvedett. Csak a természetes makacsság és akaratosság segítette a művészt a továbblépésben, de a folytonos gúny és magány olykor kétségbe vonta saját művészetlátásában. Ez váltotta ki az önmagunkkal és másokkal szembeni bizalmatlanságot, ami a festő tekintetén is látszik.
A "Love Struggle" ("Bacchanalia", 1875, Collection of A. Harriman, New York) című művében a művész a mitológiai témához fordul, amely lehetővé teszi a meztelenül egymásba fonódó testek térbeli elrendezésének szabad képét. Az expresszív vászon maguknak az alakoknak a kidolgozatlansága miatt is tanulmány benyomását kelti.
Számos kompozíciós technika fokozza a hevesen szenvedélyesen küzdő szerelmesek erőszakos küzdelmének enyhén nyomasztó benyomását: a fák fenyegetően lógnak, az alacsony horizont kiemeli a hatalmas eget, mintha a hősöket nyomnák, még a szokatlanul élesen meghatározott körvonalú, kavargó felhők is agresszívnek tűnnek. A kép a színházi díszlet elvén épül fel: a parton sziklák, amelyeken fák nőnek, kulisszaként szolgálnak. A vászon mélységének hiánya csak hangsúlyozza ezt a hatást.
Cezanne számára fontos találkozóra került sor 1875-ben, amikor Auguste Renoir bemutatta neki a lelkes gyűjtőt, Victor Choquet-t, aki megvásárolta a művész egyik festményét. Ettől a pillanattól kezdve kezdődött hosszú barátságuk. A festő 1877-ben elkészíti „Egy ülő Victor Choquet portréját” (Szépművészeti Galéria, Columbus), amelyen a művész barátját látjuk egy XVI. Lajos korabeli csodálatos karosszékben ülni, nyugodt otthoni környezetben.
A falakon a Choquet gyűjteményből származó műalkotások láthatók. Igaz, a "keret" egészében nem szerepelnek, hanem töredékesen adják meg, vagy csak aranyozott keretekkel jelzik. A művész nem törekszik arra, hogy gondosan reprodukálja a szoba berendezését, vagy fényképesen pontosan közvetítse a hős vonásait. Általános képet alkot a gyűjtőről, mint egy figyelmes és megfontolt emberről, aki képes intuitívan értékelni egy mű művészi értékét. Victor Choquet magas alakja kissé komikusan néz ki egy régi alacsony széken, a vászon felső széle levágja ősz haját, a modell lábai és a szék lábai pedig szinte a vászon alsó széléhez vannak írva. . Ez azt a benyomást kelti, mintha a gyűjtő szűkös lenne a számára kijelölt kép keretein belül.
Hortense számos portréjának egyike - "Madame Cezanne vörös székben" (1877, Szépművészeti Múzeum, Boston), amely egyébként még nem lett a művész hivatalos felesége, szokatlanul hatásos. szín. A szék piros kárpitja kontrasztban áll Hortense ruháinak zöldes-olíva és kék színeivel, valamint a mögötte lévő fallal, és remekül kiemeli a hősnő alakját is. A mű monumentális benyomást kelt a fiatal nő nézőhöz való maximális közelsége miatt. A vászon felső széle levágja a frizura egy részét, az alsó széle pedig a szoknya szegélyét. Élettársa, Cezanne félrenéz, és keresztbe tett kezei pszichológiai gátat építenek a modell és a néző közé.
A „Francia Provence-i hegyek” (1878, Walesi Nemzeti Múzeum, Cardiff) tájképben a terep jellemzőinek nagyon általánosított átvitelét látjuk. Cezanne gondolatban szétszedi a tárgyakat egyéni formájukra, majd saját valóságát építi fel belőlük. Ez a technika később a konstruktivisták jellegzetes vonása lesz.
Még "konstruktívabb" a "Houses in Provence near Estac" (1879, National Gallery, Washington), a "Mount Saint Victoria" (1886, National Gallery, Washington) és a "House in Provence" (1885, Museum of Art Herron) alkotások. , Indianapolis). A kövek, dombok, lakófalak általánosított formák formájában jelennek meg előttünk, áthaladva Cezanne elemző látásmódjának prizmáján, amely levág belőlük mindent, ami felesleges, csak a lényeget hagyja meg. A hegyek és mezők körvonalai a "Mountains in Provence" (1886-1890, Tate Gallery, London) vásznon hangsúlyosan helyesek és geometrikusak.
A művész aktívan dolgozik, de a Szalon továbbra is elutasítja műveit. Cezanne-t ismét kigúnyolják a harmadik impresszionista kiállításon. Igaz, van a művész művészetének egy ismerője, aki rendszeresen megvásárolja a munkáit – egy fiatal, tőzsdén dolgozó kishivatalnok, Paul Gauguin.
Paul Cezanne, aki szilárd kreatív utat járt be, soha nem lett impresszionista. A természetkép és a fény-levegő környezet impresszionista közvetítése iránti rajongását felváltotta a környező valóság spekulatív rendezésének szükségessége. A művésznek nem volt elég látni és reprodukálni, látnia és közvetítenie kellett a világ rejtett szerkezetét.
Az élet hullámvölgyei
1886-ban számos esemény történt a festő személyes életében. Először is, Cezanne, szinte akarata ellenére (mivel nagyon beleszeretett egy fiatal szolgába az apja házában), feleségül vette Hortense-t, aki a családtagok kérésére a provence-i Cezanne birtokra költözik. Ekkor a művész fia, Paul már tizennégy éves volt. Másodszor, Cezanne fiatalkori barátja, a már híres író, Emile Zola kiadja a „Kreativitás” című regényt, amelyben a művész a főszereplő prototípusaként szerepelt. A regény tökéletesen demonstrálta Zola hozzáállását magához Cezanne-hoz és művészetéhez, öngyilkossággal vetett véget a hős életének. A festő ezt a gesztust hangos bejelentésnek fogta fel, hogy a régi barát nem hitt sem magában a művészben, sem a művészetében. Ezzel véget ért a barátság a kor két zsenije – egy nagy író és egy nagy művész – között. Harmadszor, a festő despotikus apja meghalt, szilárd örökséget hagyva neki.
Két évvel később Cezanne csodálatos kettős portrét készít fiáról, Paulról, aki Harlequin jelmezbe öltözött, és barátjáról, aki Pierrot jelmezbe öltözött. A „Pierrot és Harlekin” festmény (1888, A. S. Puskin Állami Szépművészeti Múzeum, Moszkva) a Maslenitsa karneváli fesztivál egy jelenetét ábrázolja, amely közvetlenül a nagyböjt előtt zajlik (melyhez kapcsolódóan a festmény második neve is „Mardigra”, azaz „Maslenitsa”). A vásznon az apa nyíltan csodálja fiát. Látjuk a fenségesen gőgös jóképű Pault, amint fontos előbújik a kulisszák mögül, és lenéz a nézőre. Ennek hátterében lekötelező lapnak tűnik az elszakadt, meglehetősen nevetséges pózba hajló Pierrot.
Hortense kérésére 1888-ban Cezanneék Párizsba költöztek. Egy évvel később a világkiállításon bemutatták a festő "Az akasztott ember háza" című festményét, Victor Choquet gyűjtő vetítésének köszönhetően. A munkát azonban a közvélemény nem vette észre, mivel túl magasra helyezték.
Cezanne munkáit ismét nem látták és nem is akarták látni, tehetsége ismét elismerés nélkül maradt. A festő már hatvan fölött volt, egészségügyi problémák miatt állandóan lakóhelyet kellett változtatnia, de folytatta a festést, sőt fiatalkori álmát is beteljesítette - Louis Lenain „Kártyajátékosok” című művének szellemében készítette el saját alkotását. amely fiatalkorában nagy benyomást tett rá.
A „Kártyajátékosok” című festmény (1892, Metropolitan Museum of Art, New York) egy műfaji alkotás, amely három fiatal férfit ábrázol kedvenc időtöltésükben. A háttérben látható szemlélő alakját a festmény felső széle vágja vállra, aminek köszönhetően a vászon kompozíciós szempontból befejezetlennek tűnik. Az ötlet világos és pontos kifejezésére törekedve Cezanne ennek a műnek több változatát is megírta. Az azonos nevű vászon nagyjából ugyanabban az időben készült végleges változata teljességében, tömörségében és szimmetriájában feltűnő, aminek túlzott hatását leküzdendő Cezanne levágja a megfelelő játékos hátát.
A kép kompozíciós és szemantikai középpontja egybeesik – ez két ülő férfi keze, akik mintha egy büszkén álló borosüveget kereteznének. A műből hiányzik az előző verzióban rejlő szigorú műfaj. Nincs itt semmi felesleges, minden nagyon szigorú és rendkívül kifejező. A játékosok teljesen elmerültek a foglalkozásukban, az idő megállni látszik számukra, az egész világ két egymás felé hajló figurában összpontosul. Itt és most a kártyák elrendezése tartalmazza a legfontosabb jelentést, számukra a játék egyfajta szakrális aktussá válik, amelynek köszönhetően maga a kép bizonyos szakrális jelentést kap. Talán a vörös abroszon lévő borosüvegnek a hagyományos szimbolikus jelentése a vér és a megváltás.
A "Srác vörös mellényben" (1888-1890, Museum of Modern Art, New York) portré a mesteri színhasználatnak köszönhetően kifejezetten kifejező. A vörös és fehér színek ünnepélyes kombinációját fokozza a rengeteg fekete, ami rendkívül tisztává és kontrasztossá teszi a vászon hősének profilját. Cezanne nem kerüli a feketét, mint sok impresszionista, hanem éppen ellenkezőleg, formaépítő elemként viszi be a képbe. A fiatal férfi haja egybeolvad a drapéria fekete hátterével, ezzel a technikával a mester mintha „becsempészné” a modellt a vászon terébe, egyúttal bizonyos tragikus hangzást adva neki. Az ábrázolt személy képe teljes és teljes, annak ellenére, hogy a képen nincsenek konkrétumok - nincs idő vagy hely megjelölése, nincs utalás a vörös mellényes fiatalember tevékenységének típusára.
Témakompozíciók és tájképek
Paul Cezanne összes csendélete felismerhető: a legegyszerűbb minimális tárgykészlettel (néhány gyümölcs, porcelánvázák, tányérok és csésze), a szándékosan hanyag drapériák hajlásokkal és az asztalra dobott számtalan redővel dekoratív hatást és egyedi kifejezőerőt kölcsönöznek a kompozíciónak.
A "Csendélet cukortállal" (kb. 1888-1890, Állami Ermitázs Múzeum, Szentpétervár) Cezanne egyik leghíresebb alkotása. A festő itt elutasítja a lineáris perspektívát, nem látjuk a vásznon a síkok közös eltűnési pontját.
Egy téglalap alakú, hanyagul rádobott fehér drapériás asztallapot látunk, porcelánedényekkel és gyümölcsökkel megrakva, egyszerre két szempontból: felülről és elölről, ami lehetetlen a hagyományos művészet számára, amely a reneszánsz óta dolgoztam a helyes átvitelen a háromdimenziós vászontér kétdimenziós síkján.
Paul Cezanne a festészet fő törvényével – a perspektívával – ellentétesen építi csendéletét. A helytelen térkonstrukció és a perspektíva torzulása miatt lehetetlenné válik a fal és az asztal, illetve a háttérben látható faragott fa lábak, látszólag jardinières távolság meghatározása. A falak, az asztal, a padló és a fiókok párhuzamos és merőleges síkjai közötti kapcsolat is implicitté válik. A mélységet és perspektívát nélkülöző, a geometria viszonylagos betartásával megépített tér a vallásos festészethez teszi rokonszenvessé a csendéletet, amelynek stílusát a perspektíva előtt alkották és hagyták jóvá, gyakran figyelmen kívül hagyva.
Cezanne megalkotja a saját koordinátarendszerét, amelyben minden tárgy önállóságot nyer, és önmagában is „minta” lehet a művész számára. A jardinière lábainak első pillantásra „felesleges” szakasza okkal került bevezetésre: ez a részlet egyrészt „tartja” a teljes kompozíciót a vászon jobb felső sarkában, másodsorban pedig arra szolgál. erőteljes kolorisztikus akcentus a kép felső részének általános hideg színű hátterében, barnás árnyalatai összhangban állnak a barna munkalappal és az érett gyümölcs meleg tónusaival. Nem véletlen, hogy a művész szabadon rendezi el a tárgyakat az asztal síkján, anélkül, hogy csoportokba vonná őket - ha gondolatban eltávolítjuk bármelyiket, a kompozíció épsége semmiképpen sem sérül.
Ugyanezek a jellemzők a "Csendélet almával és naranccsal" (1895, Musee d'Orsay, Párizs), "Csendélet drapériákkal" (1899, Állami Ermitázs Múzeum, Szentpétervár) és a "Csendélet padlizsánokkal" című filmekre is. (1893-1894, Metropolitan Museum of Art, New York). Az első műben különösen szembetűnő a szövetek szerepe, festői hajtásaikkal a teret formáló. A fényűző szövetek kitöltik a vászon teljes felületét. Feleslegessé teszik a perspektívát, ismerős koordinátarendszer hiányában a tér elveszti háromdimenziós jellegét. A bútorok, szobák berendezését első pillantásra kaotikus, hajtáskupac rejti. Egyáltalán nem világos, hogy a tárgyak hol helyezkednek el. Ennek a hatásnak köszönhetően a hangsúlyos dekorativitás, sőt a teatralitás benyomását a tér síkbeli értelmezése még inkább fokozza.
Ebben a csendéletben a mester rendkívül kifejezően dolgozik a színekkel. A fényes keleti szövetek, amelyek a nagy romantikus festő, Eugene Delacroix festményeinek egzotikus drapériáira emlékeztetnek, aki Cezanne bálványa volt, hátteret teremtenek a hanyagul megdobott hófehér terítőnek és a redőkkel borított porcelánvázának. A néző figyelmét először ez a káprázatos, bonyolult felépítésű folt köti le, hogy élvezze a mesteri szövetátvitelt, majd a fényes, fehér háttér előtt izzó gyümölcsökre koncentráljon. A fehér szín az, amely ügyesen szervezi az egész kompozíciót. Nem engedi, hogy a szem eltévedjen az ünnepi színekben, és a vászon körül bolyongjon, szigort hozva a színvilágba, és a kompozíciót a központba „gyűjtse”.
A színek segítségével a kompozíció egysége a Csendélet padlizsánnal is megvalósul. A hideg kék-lila skálának köszönhetően a vászon elképesztően szilárdnak tűnik, miközben élénk kontrasztot mutat narancsvörös alma formájában. A mű általános tonalitása kisimul, mintha a tárgyak véletlenszerű elrendezése lenne egy csendéletben. Ha nem a szín, a kerámia vázák, egy tányér és egy üveg, túl közel egymáshoz, véletlenszerű dolgok abszurd halmazának tűnnének.
A belső depresszió egyik tanúsága a művészeknek a "Csendélet koponyákkal" (1898-1900, magángyűjtemény) lesz. Ilyen alkotások jelentek meg a hollandok világművészetében, és a "vanitas" ("hiúság hiúsága") alkotásaihoz tartoztak, jelképezve minden földi gyarlóságát. Az egymásra halmozott halandó maradványok közelről készültek, és a vászon felületének nagy részét elfoglalják. A többi tárgy hiánya a képen és az üres szemgödör, amely magára vonja a néző tekintetét, istenkáromló asszociációkat kelt a portréval, nem pedig a csendélettel.
Bár Cezanne volt apja fő örököse, szeretett aix-i birtokát rokonai a tudta nélkül eladták. Idősebb Cezanne személyes tárgyai, sőt azok a bútorok is megsemmisültek, amelyekre a művész gyermekkorából emlékezett.
A festő feldúlta otthona elvesztését, és elhatározza, hogy vásárol magának egy kastélyt, melynek komor neve Fekete vár. Annak ellenére, hogy ez a szándék sohasem valósult meg, Cezanne több tájképét ennek a helynek szenteli - „Az erdő a sziklás barlangok közelében a Fekete kastély felett” (1900-1904, National Gallery, London), valamint a „The Mill on the River” (1900-1906, Marlborough Art Gallery, London). A művész bennük, mint korábban, minden formát alkotórészekre bont, de tovább megy - általában a művek stílusa nem a posztimpresszionizmushoz, hanem már az absztrakcióhoz áll közelebb.
A Saint Victoria-hegy Paul Cezanne kedvenc helyévé vált tájképeinek elkészítéséhez. Már fiatalkorában is csodálta fenséges szépségét. Munkája késői szakaszában a mester többször festette meg a hegyről a nézeteket, közvetítve annak szépségét különböző légköri viszonyok és különböző fényviszonyok között.
Cezanne már élete végén megfogant egy nagy formátumú, sokfigurás kompozíciót meztelenül fürdőzőkről a természet kebelében. A művész régóta álmodott ennek a vászonnak a megfestéséről, és több változata is létezik, amelyek különböző időpontokban készültek. A természetes félénkség és a pénzhiány miatt Cezanne soha nem vette igénybe a modellek szolgáltatásait. Ezért, hogy több meztelen női testből készítse el kompozícióját, meg is kérte egyik barátját, hogy készítsen fényképeket női aktokról. Talán ez magyarázza a művész által a természetre való támaszkodás nélkül megalkotott összes alak bizonyos szögletességét.
A „Nagy fürdőzők” vásznon (1906 körül, Művészeti Múzeum, Philadelphia) a festő sokat és keményen dolgozott, gondosan mérlegelte a meztelen alakok térbeli elrendezését, aprólékosan igazította a test és a kinyújtott karok vonalainak ritmusát, ami , a hajlott fatörzsekkel együtt harmonikus félkört alkotnak. A mű mesterművé, Cezanne munkásságának egyfajta apogeusává kellett válnia. A művész abban reménykedett, hogy "a női mellkas kereksége és a dombok vállai" harmóniáján keresztül találja meg önmagát. Sajnos soha nem fogjuk megtudni, hogy végül milyen alkotást szeretne látni a művész, hiszen a halál félbeszakította munkáját.
Túl későn jött világhírnév
Paul Cezanne magányos volt, a saját járhatatlan útját járta, szinte senki sem értette meg, és túl sokan kinevették. A művész nem a természet egyszerű reprodukcióját akarta, hanem annak belső lényegét igyekezett megismerni, és ezt az alapvető szerkezetet a vászon síkján átadni. A mester munkája a kubizmus és az absztrakció művészetét vetítette előre, egy adott személy tudata által megtört valóságot ábrázolva. Cezanne megnyitotta a világot egy „új művészet” előtt, amely teljesen az elméjében épült fel, és ezért mélyen eredeti és egyéni.
Csak élete vége felé kezdett fokozatosan felismerni a művészt. Az 1880-as évek végén Ambroise Vollard párizsi műkereskedő érdeklődni kezdett Cezanne munkái iránt. Eleinte a mester munkáit tanulmányozta, alaposan szemügyre vette őket, és érdekelte más művészek véleménye. Hosszas töprengés után Vollard úgy dönt, megkeresi Cezanne-t, hogy megszervezhesse első önálló kiállítását.
Az 1895-ben megnyílt kiállítás a festő munkásságának minden korszakát felölelte, bemutatva alkotói látásmódjának alakulását, és mindenki előtt feltárva az ismeretlen Cezanne-t. Azok, akik Claude Monet művész, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir és Camille Pissarro mellett jöttek, elcsodálkoztak. Monet és Degas azonnal megvásárolta régi ismerősének több művét, és a párizsi közönség már készen állt Cezanne művészetének elfogadására.
Az első kiállítást a második követte. Vollard, bár olcsó volt, de folyamatosan vásárolta a művész műveit. Két képét a Berlini Nemzeti Galéria vásárolta meg. De a festő végül csak 1900-ban nyert elismerést hazájában, Aix-ban, véget vetett a zaklatásnak és gúnyolódásnak.
Fokozatosan, a Párizsi Nemzetközi Kiállításon és a művészetnek szentelt egyéb rendezvényeken való részvételnek köszönhetően Cezanne világszerte ismertté vált, a művész neve legendává vált. Ez a megérdemelt elismerés azonban sajnos nagyon későn érte a festőt. 1906. október 22. Paul Cezanne meghalt. Csak a művész halála után festményei valóban megtalálták a közönséget.
- Ekaterina Arkhipova tengerparti művész jubileumi kiállítása az "Arka" galériában
- Előadás „Posztimpresszionizmus. Az egyéniség keresésében
Gyermekkor és fiatalság
Paul Cezanne a franciaországi Aix-en-Provence-ban született egy kalapos és pénzkölcsönző családjában, aki hidegen és arrogánsan bánt körülötte mindenkivel. A fiúnak nem voltak barátai, mivel apjának rossz híre volt. Bár az üzlet jól ment, és volt elég pénz a családban, Paul szeretettől és törődéstől megfosztva nőtt fel. Gyakran egyedül kellett maradnia a birtokon, és tudományokat vagy különféle művészeteket tanult. A fiúnak jó iskolázottsága volt, amely az akkoriban népszerű tantárgyak nagy részét lefedte, de így is a Szent József iskolába került. Az iskolában kitaszított lett, senki nem akart vele barátkozni, játszani, ezért a fiú igyekezett mindenben a legjobb lenni, hogy minél előbb befejezze tanulmányait. Az iskolai tanulmányok befejezése után a fiatalember belépett a Bourbon College-ba.
Az életút választása
Figyelembe véve azt a tényt, hogy Paul teljesen elkötelezte magát a tanulmányai iránt, számos kitüntetésben részesítették a jó előrehaladásért. Irányválasztása jellemző volt azokra az időkre, a vallási tárgyak kötelező jelenléte nem zavarta a fiatalembert, de nem is keltett nagy érdeklődést. Rövid időn belül képes volt megjegyezni bonyolult szövegeket különböző nyelveken, amelyeket a jövőben többször használt ütőkártyájaként. A festészet világa már kiskorában vonzotta Pault, de nem férhetett hozzá a festmények készítésének folyamatához. Csak a főiskola elvégzése után próbálhatta ki magát a festészetben. A fiatalember apja látta, hogy fia lelkét a művészet világa vonzza, és vágyaival szembemenve megengedte neki, hogy Párizsba menjen.
Az alkotói út kezdete
Párizsban a fiatalember kortárs művészek és a múlt nagy mestereinek munkáit tanulmányozta, de nem próbált bejutni a Művészeti Akadémiára. Pál művész első munkáiban komor és visszafogottság észlelhető. Ügyetlenül dolgozott, és túlságosan is feltűnő volt a vászonmunkához szükséges alapvető ismeretek hiánya. De ez nem akadályozta meg Cezanne-t, és úgy döntött, hogy stílusát számos különböző tárgyból fejleszti. Paul minden vásznon nyíltan megmutatta karakterét és érzelmeit. A színpaletta nem volt előre meghatározva, minden alkalommal a színek a rajzoló lelkiállapotától függően változtak. Az igazi áttörés azután következett be, hogy Paul találkozott Pizarroval. Számos különböző technikát nyitott meg a fiatal művész számára, és segített újraépíteni a technikát egy különállóbb vonás érdekében. A társadalmi kör megváltoztatása és a művészek világának megismerése után Cezanne-t a vidámabb és naposabb színek és témák kezdték uralni.
Értéktelen tehetség
A változások ellenére a társadalom azonban továbbra sem fogadta el a fiatal művészt. Festményei nélkülözték a tervszerű kompozíciót, és mindig egyszínű folttá olvadtak össze. Annak ellenére, hogy erős támogatást nyújtottak a többi posztimpresszionisták, akik sikeresebbek voltak a nyilvánosság előtt, a művész a háttérben maradt. A szokatlan, a realizmusra homályosan emlékeztető kivitelezési mód ellenére Cezanne heves ellenfele volt a valódi tárgyak dekoratív képének. Teljesen letagadta Van Goghot és Gauguint mint művészt, munkájukat gyerekesnek tartotta. Cezanne tájábrázolási módja a maga nemében egyedülálló volt, a kubizmus első csíráit lehetett látni rajta. A jövőben a kubizmusban dolgozó művészek alkotásaiban, bár volt hasonlóság az ő kivitelezési módjával, nem volt az a fényes és festői klasszikus forma- és érzéstranszfer.
A tehetség felismerése a követők által
1895-ben, egy nagy kiállítás után, amelyet kizárólag Cezanne munkáinak rendeztek, több fiatal rajzoló is felfigyelt rá, akik a tanítványai akartak lenni. Ez az esemény nevezhető az első elég nagy áttörésnek a művész társadalmi elismerésében. A közönség továbbra sem érzékelte festményét a legjobb minőségű termékként, amely legalább bizonyos mértékig megérdemli a csodálatot. 1897-ben a művész elvesztette édesanyját, bár nem voltak közel egymáshoz, gyászolta őt, és egy ideig nem vette fel az ecsetet. Az általa vezetett könnyed és gondtalan életmód után különféle adósságok hosszú sorozata húzódott mögötte. Az összes adósság törlesztéséhez a művésznek el kellett adnia az akkori egyik legnépszerűbb festményt, a „Jas de Bouffant”.
A kreativitás és a halál utolsó évei
Életének rendbetétele érdekében a művész vásárolt egy kis házat Aix-ban, amelyet műteremként és iskolának használt, ahol tanítványait tanította. Sokan, bár eleinte durvának és barátságtalannak tartották, miután közelebbről megismerték, beleszerettek kedvességébe. Sok tanítványa türelmes és figyelmes mentorként beszélt róla. Paul számára a rajz lett minden. Fiatal korától idős koráig mindent beleadott, hogy bebizonyítsa magának és a világnak, hogy van tehetsége. Ezt a festményt szerette annyira és tette tönkre, miután a plein air alatt zivatar alá esett, megbetegedett. Az idős test nem tudott megbirkózni a betegséggel, és a művész 1906-ban meghalt.
- Egy 1961-es párizsi kiállításon a "Kártyajátékosok" című festményt közvetlenül a múzeumból lopták el néhány más festménnyel együtt. A visszaküldésük részletei nem tisztázottak: egyes források szerint a festményeket néhány hónappal később váltságdíj kifizetése után visszaadták, míg mások szerint az összes festményt egy évvel később Marseille-ben találták meg egy elhagyott autóban.
- A művészet történetében Cezanne új, nagyszerű stílus létrehozására tett kísérleteinek eredményessége, és nem maga Cezanne stílusa mint művészi kánon tette híressé. Ez annál is inkább igaz, mert Cezanne műveiből sokféle művészi következtetést lehet levonni. Többdimenziósak, ami önmagában is jellemző a különböző korszakok számos kiemelkedő alkotására, de a többdimenziósság a szabad művészi keresések korszakában sajátos értelmet nyer.
- Cezanne kezdett három színre korlátozni magát: zöldre, kékre és okkerre, természetesen magával a vászon fehér színével keverve. Cezanne-nak szüksége volt erre a színválasztási megközelítésre, hogy minimális anyagi ráfordítással a legértelmesebb művészi eredményt érje el. Ebben az időszakban a formák vászonmodellezése, általánosítása tömörebbé válik.
- Munkáiban a művész titáni erőfeszítések árán megpróbálta összeegyeztetni a klasszikusokat és a modernitást, Poussint és a természetet, a nagystílus törvényeit és az egyéni választás jogát.
