Бычков Василий. Музыкальные инструменты

Музыкальные инструменты - это магические устройства. Их звучание очаровывает не только тех, кто их слушает, но и тех, кто заставляет их звучать.

На самом деле может показаться странным, что инструмент обладает такими возможностями, поскольку это не более чем прибор, заставляющий определённым способом вибрировать воздух. Однако этот способ и издаёт музыку, перед чарами которой не может устоять никто. Вместе с тем музыка - это самое мимолётное из всех видов искусства. Как только её перестают играть, она перестаёт существовать. Поэтому каждый момент, когда звучит инструмент, бесценен и неповторим. Это знают люди во всём мире, поэтому музыкальные инструменты с давних времён входят в состав каждой культуры.

Я узнала, что раньше всех появились ударные инструменты – конечно, самые простые. Затем – духовые: дудки, свистки, а потом флейты из тростника и кости. Позднее люди научились делать флейты, потом появились струнные инструменты, а позже всего – смычковые.

К группе духовых музыкальных инструментов относятся все те музыкальные инструменты, звук в которых образуется при помощи воздуха. Человек заметил, что ветер, гудящий в печной трубе или в большом дупле, издает низкие, басовые звуки, а из узеньких стволов камыша раздаются звуки высокие, свистящие. Так постепенно появились разновидности духовых инструментов.

Струнные музыкальные инструменты можно сравнить с охотничьим луком.

Можно было сделать несколько луков разной величины и исполнять на них мелодию из трёх-четырёх звуков. Но тогда удобнее струны натянуть на деревянной раме. Так возникает музыкальный инструмент.

История развития и бытования русских народных музыкальных инструментов - одна из наименее исследованных областей отечественной музыкальной науки.

Первые специальные описания русских народных инструментов, появившиеся в последней трети XVIII века, принадлежат иностранцам, жившим и работавшим в России.

Уже тот факт, что столь разные по тематике исследования единодушно уделяют внимание народной музыкально-инструментальной практике, говорит о безусловном оживлении интереса к ней со стороны передовых научных деятелей «века русского Просвещения» . Трудно переоценить значение этих первых специальных сведений, дающих представление о составе русского инструментария середины XVIII века, устройстве и некоторых названиях, характере звучания, порой и условиях бытования отечественных народных инструментов, приемов игры на них.

Балалайка.

Известный хроникер русской музыкальной жизни Якоб Штелин (1712-1785) - Член Санкт-Петербургской академии наук с 1738 г. - посвятил балалайке целый раздел своей книги «Музыка и балет в России XVIII века» . Он называл балалайку «распространеннейшим инструментом во всей русской стране» и приписывал ей славянское происхождение. Я. Штелин дает наиболее полное и точное для XVIII века описание внешнего вида, манеры игры и картины бытования этого инструмента. «Нелегко найти в России дом, - пишет он, - где бы на этом… инструменте молодой работник не наигрывал служанкам своих вещичек. Инструмент этот имеется во всех мелочных лавках, но еще более способствует его распространению, то обстоятельство, что его можно самому изготовить» .

Позднее А. Новосельским в «Очерках по истории русских народных музыкальных инструментов» написано о том, что балалайка - это видоизмененная домра. Треугольный кузов которой в кустарном изготовлении более прост и удобен. Он дает еще более упрощенное толкование: «... под неумелыми руками инструмент не ладился, вместо звука получалось какое-то бренчание, и инструмент стал называться вследствие этого брунькой, балабайкой, балалайкой. Так из азиатской домры получилась русская балалайка» .

Много произведений в литературе посвящено балалайке. Это и пословицы, и поговорки, и загадки.

Вот, например, загадки:

Всех игрою весели!
А всего-то три струны,
Ей для музыки нужны.
Кто такая, отгадай-ка?

Это наша… (балалайка)

Струн дано мне очень мало,
но пока что мне хватало?
Струны ты мои задень
и услышишь: длень, длень, длень.

Ну-ка кто я? Угадай-ка? – ну, конечно… (балалайка) .

В начале 19 века по популярности балалайки был нанесен удар распространением в России семиструнной русской гитары.

Гитара – один из самых распространённых инструментов. Родина гитары неизвестна. Предполагают, что возникла она в Древней Греции, но вторую родину обрела в Испании где уже в 8 – 9 веках получила широчайшее распространение.

Гитара – струнный щипковый инструмент. По форме она напоминает струйные смычковые, но отличается от них количеством струн и способом игры. Гитары бывают шести- и семи- струнные. Семиструнная гитара, наиболее удобная для вокального аккомпанемента. Шестиструнная гитара тоже стала сольным инструментом.

По мнению учёных, домра чужеземный инструмент, а по убеждению других он существовал ещё до образования общерусского государства.

Исследователи сходятся между собой в названии «домра» . Вероятно, термин «домра» тюркского происхождения (танбур, домбур, дунбара, думбра, домбра, домра) .

Инструменты подобного типа появились в те далекие времена не только на Руси, но и в других сопредельных государствах, занимавших промежуточное географическое положение между славянскими народами и народами Востока. Претерпевшие с течением времени существенные изменения, инструменты эти у разных народов стали называться по-разному: у грузин - пандури и чонгури, таджиков и узбеков - думбрак, туркмен и узбеков - дутар, киргизов - комуз, азербайджанцев и армян - тар, саз, казахов и калмыков - домбра, монголов - домбур, украинцев- бандура и т. д., однако все они сохранили много общего в контурах формы, способах звукоизвлечения, устройстве и т. д.

Известно, что упоминания о домре встречаются в указах, грамотах, посланиях 16 -17 в. как об инструменте скоморохов. Именно с домрой по городам и сёлам ходили весёлые балагуры – музыканты – скоморохи лет 400 тому назад. Однако как выглядела домра того времени точно сказать нельзя, потому что в 1648 году была объявлена бесовским инструментом.

Домра имеет корпус в форме полушария, состоящего из кузова (нижней части корпуса) и деки, которая прикрывает кузов сверху. Дальше тянется длинная шейка, а на конце винтики, к ним струны крепятся. Над грифом, который соединяется с корпусом, натянуты струны.

Домра – душа оркестра русских народных инструментов. Она так же неотразима здесь, как скрипка в симфоническом оркестре. Сегодня в оркестрах русских народных инструментов именно домры ведут самые главные мелодии. Группа трехструнных домр включает семь инструментов: домру пикколо, домру малую, домру альтовую, домру меццо-сопрановую, домру теноровую, домру басовую и домру контрабасовую.

Скрипка - самый распространенный струнный смычковый инструмент. Её часто называют королевой инструментов. Значение скрипки понимали ещё в 17в, и говорили: «Она в музыке является столь же необходимым инструментом, как в человеческом бытии хлеб насущный» .

Все вы, наверное, видели скрипку кто – то наяву, кто – то на картинке. А теперь представьте себя самого. Похожа скрипка на человека? Да, похожа. Кстати, даже детали имеют похожие названия: головка, шейка, какие плавные у неё закругления, какая тонкая «талия» . Вот видите, как интересно. Когда - то человек создал совершеннейшее из своих созданий - скрипку и сделал её похожей на совершеннейшее создание природы - самого себя.

Как профессиональный инструмент скрипка возникла в конце XV века. Затем мастера разных стран усовершенствовали ее. Свято хранили итальянцы – скрипичные мастера семейств Амати, Гварненри и Страдивари – секреты своего мастерства. Они умели делать звук скрипок особенно певучим и нежным, похожим на человеческий голос. Знаменитых итальянских скрипок сохранилось до нашего времени не так уж много, но все они на строгом учете. Играют на них лучшие музыканты мира.

Смычок это тоже важная деталь. От него во многом зависит характер звучания. Состоит смычок из трости или древка, на нижнем конце которого прикреплена колодочка. Она служит для натягивания волоса, который с другой стороны прикреплен к трости неподвижно. Если мы зацепим струну пальцем, а затем отпустим, звук быстро угаснет. Смычок же можно вести по струне непрерывно в течение долгого времени, и звук будет тянуться также непрерывно. Поэтому скрипка очень певуча.

Клавишными струнными инструментами являются пианино и рояль.

Фортепиано.

Клавишные струнные музыкальные инструменты - пианино и рояль - называют одним словом «фортепиано» (от ит. forte - «громко» и piano - «тихо» ) .

Очень-очень давно, в Древней Греции, еще во времена Пифагора существовал музыкальный инструмент, который называли монохордом (monos - по-гречески один, chorde- струна) . Это был длинный и узкий деревянный ящик с натянутой сверху струной.

Шли века, инструмент продолжал совершенствоваться. Ящичек стал прямоугольным, а на одной из его сторон разместилась клавиатура, то есть ряд клавиш (от латинского clavis - ключ) . Теперь играющий нажимал на клавиши, а они приводили в движение так называемые тангенты - металлические пластинки. Тангенты касались струн, и те начинали звучать.

Этот инструмент стал называться клавикордам (от латинского clavis и греческого chorde) . Его должны были ставить на стол и играть стоя. Но был у клавикорда и большой недостаток, большей громкости так и не удалось добиться.

Конечно, иметь клавикорд могли только очень богатые люди. Это был предмет роскоши, украшением гостиных и столовых.

Клавикорд был не единственным клавишным инструментом. Од-новременно с ним возник и развивался другой, похожий на него клавесин.

Клавесин был не только домашним инструментом. Он включался в различные ансамбли, даже в оркестр, где на нем исполняли партию сопровождения.

Звук клавесина – довольно слабый, не очень – то пригодный для исполнения музыки в больших залах. В пьесы для клавесина композиторы включали множество украшений для того, чтобы длинные ноты могли звучать достаточно протяжённо. Обычно клавесин использовался для аккомпанемента.

Все музыкальные инструменты непрерывно совершенствовались. Продолжали поиски и клавирные мастера. И вот в 1711 году в итальянском городе Падуе клавесинный мастер Бартоломео Кристофори изобрел новый инструмент. Звук в нем извлекался деревянными молоточками с обитыми упругим материалом головками. Теперь исполнитель мог играть тише или громче - piano или forte. Отсюда и пошло название инструмента - пианофорте, а позднее- фортепиано. Название это сохранилось до нашего времени и является объединяющим для всех струнных клавишных инструментов.

На протяжении XIX века сложились два основных вида фортепиано: горизонтальный - рояль (по-французски royal - королевский) с корпусом в виде крыла и вертикальный - пианино (по-итальянски pianino - маленькое пиано) .

Духовые музыкальные инструменты.

Саксофон.

Изобретенный в 1841 году саксофон входит в число деревянных духовых инструментов, хотя делается из металла - серебра или особого сплава. Своё название саксофон получил от имени изобретателя – бельгийского мастера Адольфа Сакса.

Сначала саксофон использовался только в военных оркестрах. Постепенно стали вводить а оперный и симфонический оркестры. Но полноправным членом симфонического оркестра саксофон так и не стал. Зато в 20 веке его звук привлек внимание джазовых музыкантов. И саксофон стал подлинным властелином джаза.

Это один из самых древних духовых инструментов. Археологи находят изображения флейтистов на фресках древнего Египта и Греции.

Возникшая из тростниковой дудки, флейта поначалу была простой деревянной трубкой с отверстиями. В течение многих веков она совершенствовалась, пока не приобрела современный вид. Раньше флейта была продольной, и держали её в вертикальном положении. Затем появилась так называемая поперечная флейта, которую музыкант держит горизонтально.

В инструментальных ансамблях флейта принимала участие уже в 15 веке. Композиторов привлекало её напевное звучание. Одна из применяемых в оркестре разновидностей этого инструмента – флейта пикколо. Она в два раза меньше обычной флейты и звучит октавой выше.

Клавишно-духовые инструменты.

Баян и аккордеон.

Баян и аккордеон – это разновидности гармоники. Гармоника была изобретена в Берлине в 1822 году. Она родственница самого величественного музыкального инструмента – органа. Все разновидности гармоники – тоже клавишно – духовые инструменты. Только у аккордеона с одной стороны, а у баяна с обеих сторон клавиши не такие, как на рояле, а в виде кнопок.

Особенность ещё и в том, что в отличие от других клавишных инструментов, у неё нажатием одной кнопки – клавиши для левой руки извлекается не звук, а целый аккорд. Это делает более лёгким исполнение простых музыкальных произведений – песен, танцев, но делает невозможным исполнение классической музыки.

Лишь один из этих инструментов. Так называемый «выборный» баян имеет в басу не только заготовленные заранее аккорды, но и полный, как на рояле, звукоряд. На таком баяне играют сложные классические произведения.

Никоколо Амати (итал. Nicolo Amati) (3 декабря 1596 - 12 апреля 1684) - один из известнейших мастеров семейства Амати. Создатель многих струнных инструментов, в том числе и виолончелей. Учитель таких прославленных мастеров по созданию струнных инструментов как Антонио Страдивари и Джузеппе Гварнери.

Биография

Николо Амати родился 3 декабря 1596 года в Кремоне. Его отцом был Джироламо (Иеронимус) Амати - сын Андреа Амати, основателя скрипичной школы. Он, как и вся его семья, жил и работал в Кремоне. Николо является наиболее известным представителем семейства.

Амати довёл тип скрипки, выработанный его предшественниками, до совершенства. В некоторых скрипках увеличенного формата (364-365 мм) так называемых Grand Amati, он усилил звучание сохранив мягкость и нежность тембра. При изяществе формы его инструменты производят более монументальное впечатление, чем работы его предшественников. Лак золотисто-желтый с легким коричневым оттенком, иногда встречается и красный. Отличны и виолончели Николо Амати. Скрипок и виолончелей, созданных самым известным из мастеров семейства Амати - Николо, сохранилось очень немного - чуть больше 20.

Также одним из его учеников был его сын Джироламо Амати 2-й (1649-1740). Но он не оправдал надежд отца, и при нём знаменитая школа была закрыта.

СТРАДИВАРИ , Страдивариус Антонио (ок. 1644-1737) - итальянский скрипичный мастер, ученик знаменитого Н. Амати. С юных лет до последних дней жизни Страдивари работал в своей мастерской, движимый стремлением довести скрипку до высшего совершенства. Сохранилось свыше 1000 инструментов, изготовленных великим мастером и отличающихся изяществом формы, непревзойденными звуковыми качествами. Преемниками Страдивари были мастера К. Бергонци (1683-1747) и Дж. Гварнери (1698-1744). “Русским Страдивари” называли знаменитого скрипичного мастера И. А. Батова.

Иван Андреевич Батов (1767 - 1841, Санкт-Петербург) - первый знаменитый российский мастер по изготовлению музыкальных инструментов.
Был крепостным графа Н. И. Шереметева. Учился в Москве у мастера Владимирова. Изготовлял музыкальные инструменты в имении графа под Москвой для его оркестра. С 1803 года проживал в Санкт-Петербурге. Шереметев пожелал, чтобы Батов изучил также новое по тем временам ремесло - изготовление фортепиано. Этому Батов учился у мастера Гаука. Шереметев позволял ему принимать заказы только от музыкантов. По преданию, Батов сделал скрипачу и балалаечнику князя Потёмкина из старой гробовой доски балалайку, за которую граф А. Г. Орлов предлагал тысячу рублей. Батов неоднократно ремонтировал инструменты для музыкантов царского двора. В 1822 году получил от Д. Н. Шереметева вольную, по рассказам, за виолончель своей работы. Особого мастерства И. А. Батов добился при изготовлении струнных инструментов - гитар, скрипок, виолончелей. Изготовление контрабасов считал делом неблагодарным, делал их только в мастерской Владимирова.

За свою жизнь Батов создал 41 скрипку, 3 альта, 6 виолончелей и 10 гитар. Отреставрировал множество старинных скрипок итальянской работы. Особое внимание Батов обращал на качество дерева для инструментов. На приобретение его он не жалел денег и нередко покупал на материал старые двери и ворота.

Краснощёков И. Я.
Иван Яковлевич (30 I (10 II) 1798, с. Знаменка Зарайского у. Рязанской губ. - 19 (31) VII 1875, Москва) - рус. инстр. мастер. Обучался с 1810 у М. Дубровина в Москве, где в 1824 открыл собств. мастерскую. Изготовлял преим. 7-струнные гитары, а также скрипки. На инструментах его работы играли почти все выдающиеся рус. гитаристы. Был дружен с М. Т. Высоцким, советами к-рого пользовался. Инструменты К., отличавшиеся мягким серебристого тембра звуком и тонкой художеств. отделкой, высоко ценились. В 1872 гитара его работы была удостоена золотой медали на Моск. политехнич. выставке.

Семен Иванович Налимов (1857-1916) - выдающийся выльгортский мастер по изготовлению струнных русских народных инструментов, создавший замечательные образцы балалаек, домр и гуслей различного размера и строя и снискавший славу «коми Страдивари».

В 1886 году С. И. Налимов изготовил свою первую домру - музыкальный инструмент, давно вышедший из употребления. Налимов дал этому инструменту новую жизнь. С. И. Налимов изготовил свыше 250 инструментов. Инструменты, изготовленные мастером, высоко ценились специалистами, удостоились бронзовой медали на Всемирной выставке в Париже в 1900 году и золотой медали на выставке «Музыкальный мир» в Петербурге в 1907 году. Выдающийся мастер по изготовлению струнных русских народных инструментов, создавший замечательные образцы балалаек, домр и гуслей различного размера и строя. Он работал при Великорусском оркестре В. В. Андреева, в специально для него оборудованной мастерской в имении В. В. Андреева (с. Марьино Бежецкого уезда Тверской губернии).

«Техника изготовления балалаек и домр Семёна Ивановича Налимова была недосягаема, - что в связи с подбором лучшего материала делает каждый, выпускаемый им из рук инструмент - идеалом совершенства» - писал Николай Привалов в статье «Балалаечный Страдивариус». Кроме превосходных музыкально-акустических данных, налимовские инструменты отличаются редкостной по изяществу формой и красотой внешней отделки. Помимо наклеенной внутри корпуса этикетки с указанием фамилии мастера, даты и порядкового номера, все инструменты Налимова имеют в правом верхнем углу головки особую марку в виде герба, инкрустированного цветным деревом. «Великорусский оркестр никогда не доведен был бы до настоящей степени инструментального совершенства, если бы Андрееву не посчастливилось встретить и завербовать себе С. И. Налимова». Совместная работа Андреева с Налимовым и другими мастерами и музыкантами привела к тому, что русские народные музыкальные инструменты снискали мировую славу.

http://slovari.yandex.ru

АРХУЗЕН Роберт Иванович (род. 4 октября 1844, Петербург, – ум. 20 января 1920, Москва), – известный русский гитарный мастер. Сын знаменитого инструментального мас-тера И.Ф. Архузена, младший брат Ф.И. Архузена. Получил домашнее образование. С четырнадцати лет учился искус-ству изготовления музыкальных инструментов у своего отца. Работал сначала в Петербурге, а с 1875 года – в Москве. Был одним из лучших русских гитарных мастеров. Инструменты его работы, отличавшиеся силой и разнообра-зием звука, красотой тембра, изяществом отделки, высоко ценились и удостаивались наград на Всероссийских промышленных выставках в 1871, 1872 и 1882 гг. Свою деятельность начал с изготовления недорогих гитар – по 25 рублей за штуку, а по настоянию В.А. Русанова стал конструировать их очень высокого качества, в связи с чем поднялась и цена – до 200 рублей. Конструирование одной гитары занимало до месяца работы. Лучшей гитарой Р.И. Архузена считается большая гитара, подаренная им летом 1908 г. В.А. Русанову. К числу лучших терц-гитар относится одиннадцатиструнный инструмент работы 1908 года, сде-ланный по заказу В.П. Машкевича. Из семьи гитарных мастеров Архузенов пользовался наибольшей славой.

АРХУЗЕН Иван (Иоганн) Фёдорович (род. 1795, Копенгаген, Дания, – ум. 21 февраля 1870, Санкт- Петербург, Россия), – знаменитый инструментальный мастер. Отец гитарных мастеров Р.И. и Ф.И. Архузенов. С трехлетнего возраста и до конца жизни жил в Петербурге. В молодости работал на инструментальной фабрике Бреля. В 1818 году открыл собственную мастерскую по изготовлению арф, гитар и роялей, где делал хорошие, но дорогие инструменты (гитары по 40 рублей за штуку и дороже). В 1856 году одна из гитар И.Ф. Архузена была удостоена второй премии (500 франков) за лучший инструмент на Международном конкурсе гитаристов в Брюсселе, организованном Н.П. Макаровым (первую премию получила гитара австрийского мастера И. Шерцера).

АРХУЗЕН Федор Иванович – гитарный мастер, сын и ученик И.Ф. Архузена, старший брат Р.И. Архузена. После смерти отца работал вместе с братом в Петербурге, а после отъезда последнего в 1875 году в Москву продолжил работу самостоятельно. Инструменты Ф.И. Архузена отличаются солидностью конструкции и чистотой работы. Мастер под-ражал модели Шерцера, но делал гитары с очень большой мензурой – 66,0 - 66,5 см при длине корпуса в 46,5 - 48,0 см, а также шел своим путем, делая различные эксперименты. Об этом свидетельствует гитара его работы 1890 года с четырьмя деками (верхняя, две нижних и одна внутри корпуса)

http://guitar-nsk.ru/

Гитарные мастера. Австрия

* Scherzer, Johann Gottfried (Шерцер, Иоганн Готфрид). – Вена.

Знаменитый гитарный мастер. Происходил, по видимому, из Фогтлянда. Кроме гитар, конструировал мандолины и скрипки. Очень культурный мастер, внесший множество нововведений (металлический прут внутри корпуса, вторая нижняя дека, скрытая механика из слоновой кости и т.д.). Конструировал гитары трех размеров: кварт, терц и большие. Все время стремился к усилению тона инструмента и в связи с этим увеличил размеры ее корпуса. Scherzer ввел в Австрии десятиструнную гитару Ferrari, конструировал гитару-арфу Petzval, хранящуюся в коллекции Венского общества «Друзья Музыки» и, по заказу М.Д.Соколовского, семнадцатиструнную гитару. Самостоятельно поставил несколько опытов по акустике и много содействовал физикам и ученым, охотно идя навстречу выполнению их идей. Он жил сначала на Гундштрумштрассе, 65, а затем на Маргаретенштрассе, №99.

F.Buek в своей книге ”Die Gitarre und ihre Meiser” о Шерцере говорит следующее:

“Johann Gottfried Scherzer /1834-1870/, по-видимому, был учеником Jogann Georg Staufer. Он имел свою мастерскую на Гундштурмштрассе, № 65, а позже на Маргаретенштрассе, №99. Его гитары отличались большим форматом, чистотой работы и сильным тоном. Он первый ввел добавочные басы на шестиструнной гитаре, а так же применял механику вместо деревянных колков. Русский гитарист-виртуоз Макаров, который отыскал в Вене и заказал ему много гитар, назвал его лучшим гитарным мастером Германии и отдавал предпочтение его инструментам перед всеми инструментами того времени. Поэтому гитары Шерцера в большом количестве шли в Россию, и ими пользовались преимущественно гитаристы-профессионалы и виртуозы. Русский гитарист-виртуоз Соколовский обладал гитарой Шерцера, как и его последователи Соловьев и Лебедев. В Брюсселе на конкурсе Макарова Шерцер получил Первую премию за гитару с тремя добавочными басами. Гитарист-виртуоз Соколовский заказал Шерцеру гитару с пятнадцатью басами. Когда этот инструмент проходил русскую границу, таможня не знала, как ее назвать, так как гитары такой формы и объема не были известны. Ввиду того, что этот инструмент нельзя было отнести к обыкновенной гитаре, ей дали название «арф-гитары» и считали ее переходом от арфы к гитаре. Гитара своеобразной грушевидной формы с очень широким корпусом и мензурой в 59 см. принадлежит и г.Kern из Мюнхенского гитарного квартета. Этот прекрасно звучащий и чисто сделанный инструмент относится к сольным гитарам, которые появились в Вене, были сделаны для маленьких рук и позже переделаны инструментальным мастером Lux и другими. Строй этих гитар, которые всегда имеют грушевидную форму, по высоте соответствует прим-гитаре. Шерцеровские гитары, как концертные, вышли из употребления современных артистов, так как басовый характер делает их непригодными для игры соло, а гриф не соответствует современным требованиям. В качестве аккомпанирующего инструмента эти гитары оказывают большую услугу, как об этом свидетельствует Sepp Summer.»

Эта заметка требует некоторых корректив, а именно:

1.) Если 1834 г. указан, как дата рождения Шерцера, то это ошибка, так как не может быть, что бы он работал подмастерьем в возрасте моложе 16 лет у Staufer, умершего в 1850 г. Макаров, отыскавший Шерцера в 1852 г. не называет его юношей.

2.) Введение добавочных басов на шестиструнной гитаре приписывается итальянскому мастеру и гитаристу Giambattista Ferrari, работавшему в Модене в 1853-1889 гг., хотя уже L.Legnani в 1808 г. выступал в концертах на гитаре с двумя добавочными басами (6+2). Ferrari считается изобретателем десятиструнной гитары.

3.) Еще до Шерцера механические колки применял Штауфер и Панармо.

4.) Гитара М.Д.Соколовского имела двенадцать, а не пятнадцать добавочных басов.

5.) Мнение Buek о гитарах Шерцера вызывает недоумение. Большая часть лучших инструментов этого мастера шла в Россию и судить об их качестве по гитарам, сохранившимся в Австрии и Германии, может быть и невозможно. Но заявлять о непригодности гитар Шерцера для сольного исполнения в концертах «вследствие их басового характера» и «узости грифа» - необоснованно, так как подбором басов соответствующей толщины можно достигнуть одинакового звучания жильных и басовых струн, а гриф расширить или сменить на более широкий. Ведь допустил же он модернизацию грифа своей терц-гитары работы F.Schenk!

Арт - проект

«Тайны музыкальных инструментов»

Цель: знакомство с музыкальными инструментами

Задачи:

1) организовать деятельность учащихся для изучения истории возникновения музыкальных инструментов, стихов о них;

2) послушать музыкальные произведения в исполнении учащихся филиала ДШИ и участников школьной вокальной студии.

Исследовательская деятельность осуществляется в области музыки и истории.

1 этап. Учащимся старших классов предлагается приготовить материал о том, как появились музыкальные инструменты (гитара, лютня, виола, скрипка, фортепиано, домра) и продемонстрировать его в виде внеклассного мероприятия для учащихся 3-5 классов.

этап. Планирование. Ученики делятся на 4 группы.

1 группа изучает материал литературный.

2 группа изучает исторические сведения о возникновении инструментов.

3 группа учащиеся филиала музыкальной школы совместно со своими педагогами разучивают музыкальные произведения (дается задание).

4 группа участники школьной вокальной студии разучивают песни.

3 этап. Исследовательский. Выполняется самостоятельно, согласно принятому в группе плану. У каждой свое задание.

4 этап. Результаты. Совместная работа по соединению полученной информации в единый сценарий, подготовка презентации.

5 этап. Проведение внеклассного мероприятия «Тайны музыкальных инструментов» в рамках предметной недели эстетического цикла для учащихся среднего звена.

6 этап. Оценка результатов (учитывается активность каждого участника, качество и объем используемых источников, креативность). Выводы.

Ход мероприятия

Ведущая (на фоне тихой, нежной музыки): Добрый день, ребята!

Добрый день, уважаемые гости! Слайд №1

Мы рады приветствовать вас в мире муз. Да-да, не удивляйтесь, ведь сейчас вы находитесь в музыкальном классе. Именно здесь и живут Музы - богини-покровительницы поэзии, искусств и наук. Их 9 сестёр. А их предводитель – сводный брат –солнечный Бог Аполлон. Познакомьтесь с ними: Слайд №2

ЭВТЕРПА - покровительница лирической песни и всего музыкального

искусства.

МЕЛЬПОМЕНА - муза трагедии и театрального искусства.

ТЕРПСИХОРА - покровительница танцев.

ЭРАТО - муза лирической поэзии и свадебных песен.

ПОЛИГИМНИЯ - покровительница гимнов и песнопений в честь богов и

героев.

УРАНИЯ - владычица звёзд и астрономии.

ТАЛИЯ - муза комедии и юмора.

КЛИО - покровительница истории.

КАЛЛИОПА - муза эпоса - повествования о событиях, предполагаемых в прошлом.

А не хотите ли вы побывать сейчас в прошлом и узнать тайны музыкальных инструментов, которые находятся сегодня в этом классе?

Как вы думаете, какие инструменты придумали раньше: струнные или клавишные? (Струнные).

Щипковые или смычковые? (Щипковые). И прообразом их был тот самый лук, из которого охотились первобытные люди. Ещё Орфей в Древней Греции играл на лире. Слайд №3 А на этом фрагменте (Древний Египет. 3 тысячи лет до н.э.) изображена целая музыкальная сценка. Ещё не возвышалась пирамида Хеопса, ставшая одной из точек отсчёта исторического времени, а гитароподобные инструменты уже звучали, разделяя радости и печали человеческого бытия. Первый наш рассказ о гитаре. Его нам поведают муза истории Клио и муза эпоса Каллиопа.

Подобные инструменты существуют столь давно,что проследить их возникновение невозможно,не затерявшись во времени.Ещё не возвышалась пирамДревнейшая арийская

Путешествуя по музеям Европы можно найти древнейшие изображения предков гитары, относящиеся к 3-4 тысячелетиям до нашей эры. Арабские кочевники-бедуины, завоевавшие в 7 веке нашей эры Грецию и Персию, были покорены высокой культурой этих цивилизаций отчасти благодаря и музыкальному искусству. Год спустя они завоёвывают и Испанию и привносят в эту страну элементы восточной культуры и завозят гитару. Именно в Испании гитара приобрела особую популярность и стала символом всего музыкального искусства Испании. Упругие ритмы испанских танцев и грустные мелодии-всё оказалось подвластно этому инструменту.

(видеоролик испанского танца)

Постепенно гитара завоёвывает одну страну за другой. Постепенно менялась и конструкция самого инструмента. В 16 веке музицировали на гитарах, имеющих 4 двойные струны (хоры). Этого оказалось маловато, поэтому гитара на время была вытеснена другим струнным музыкальным инструментом-лютней (Слайд №4) , которая имела до десяти хоров струн. Известно, что выдающиеся художники эпохи Возрождения –Караваджо, Паоло Веронезе, Тинторетто были хорошими музыкантами- исполнителями. Учиться играть на лютне или на другом инструменте считалось «хорошим тоном». А Леонардо да Винчи, например, играл на лютне собственной конструкции, серебряной, в виде лошадиной головы. Однако и этот инструмент вскоре потерял популярность, так как был очень «капризным». Один журналист в 18 веке, как бы не без сарказма, писал: «Лютнист, доживший до 80 лет, наверное,60 лет из них провёл в настраивании своего инструмента, а содержание лютни обходилось столь же дорого, как содержание лошади». Поэтому вскоре лютню сменяет её соперница - виола - некий гибрид лютни и гитары. По форме виола была близка к гитаре, только больших размеров, имела 5 хоров и одну одинарную струну. Виола совсем было вытеснила гитару, которая «ушла в народ», стала инструментом «уличным», аккомпанирующим народным песням и пляскам. Существовали и другие гибриды, например лира- гитара, арфа- лютня (Слайд №5 ).

И ушла бы гитара, канула в Лету…Но пульсирующая жизнь фантастична в своих хитросплетениях и в неожиданных сюжетах…Гитара воскресла! И всего-то для её «реанимации» понадобилось прибавить пятую струну. И сделал это, по преданию, не музыкант, а поэт Виценте Эспинола, друг великого Сервантеса и учитель гениального Лопе де Вега. В 5-ти струнной форме гитара вновь обретает популярность. Чуть позже один из лучших гитаристов Испании Руис де Рибайязо существенно усовершенствовал инструмент, оставив в нём один ряд струн, чем упростил его настройку и технику игры, а Яков Август Отто, придворный лютнист и гитарист Веймарской княгини Амелии, первым присоединил к пяти струнам шестую. С середины 18 века такой инструмент можно было встретить во многих странах Европы. Этот тип гитары и стали считать классическим. Слайд №6

К сожалению, из-за относительно слабой звучности в состав оркестра гитара не вошла, но 20 век вдохнул новую жизнь в гитарное искусство. После долгих веков гитара из аккомпанирующего инструмента становится инструментом-солистом. Во многих странах появляются гитаристы-виртуозы, выступающие с сольными программами.

Ведущая: Позже был изобретён смычок и следующий наш рассказ о скрипке. Каллиопа: Скрипка является струнным смычковым инструментом. Смычковые инструменты были известны очень давно, но всё же они значительно моложе щипковых. Можно считать, что родиной смычковых инструментов была Индия. А время рождения – начальные века нашей эры. Из Индии они попали к персам, арабам, народам Северной Африки, а оттуда через Балканский полуостров в 8 веке - в Европу.

Изменившись со временем они породили новый тип струнного смычкового инструмента – ФИДЕЛЬ (Слайд №7). От фиделя и произошли впоследствии две основные ветви европейских смычковых инструментов – виолы и скрипки (Слайд №8 ).

Виолы появились чуть раньше. Строились они разных размеров и держали их во время игры по-разному (Слайд №9 ): между колен, как современную виолончель, или на колене. Некоторые виды виол ставились на скамеечку, а играли на них стоя. Но была виола, которую держали на плече, она – то и послужила прообразом скрипки.

Представители виольного и скрипичного семейств занимали разное «общественное» положение в прежние времена. Виола была инструментом, связанным с жизнью аристократических кругов. Её предшественники, а затем и она сама, звучали в церквях, во дворцах, замках, богатых домах. Очень мягкий, как бы приглушенный звук виолы был хорошо слышен лишь в небольшом помещении. Игра на нём сочеталась с представлениями того времени о красоте, со всей утончённой атмосферой салона 17-18 веков: красивой мебелью, прекрасной живописью, пышными одеждами и поэтическим, возвышенным настроением людей, увлечённых искусством.

Со скрипкой дело обстояло иначе. Инструменты скрипичного семейства распространялись, прежде всего, в народной среде. Скрипка была любимым инструментом бродячих музыкантов, увеселявших народ на гуляньях, ярмарках, свадьбах, в трактирах и кабачках. Об этом рассказывают многие произведения живописи и графики старых мастеров (Слайд №10).

Послушайте «Вальс» Фрида в исполнении ансамбля скрипачей младших классов.

Особую роль в судьбе скрипки сыграл родившийся на рубеже 16-17 столетий новый музыкальный жанр - ОПЕРА. Скрипки в оркестре заняли ведущее место, так как естественно сочетались с другими инструментами, с пением вокалистов. Наряду с певческими голосами скрипка часто солирует, ведёт важные мелодические линии. А вот виолу в оркестр не взяли, ведь её звук не мог наполнить большого зала и пропал бы в общем звучании оркестра.

Начиная с 16 столетия сам инструмент претерпел ряд изменений, дающих новые возможности и перспективы исполнителю: чётче определились его размеры, строй, положение инструмента во время игры; изменилась форма смычка, вследствие чего он стал легче и подвижнее.

Своего расцвета скрипичное искусство достигает в Италии: замечательные композиторы создают сочинения для скрипки (Антонио Вивальди, Николо Паганини, Корелли), замечательные мастера изготавливают удивительные, волшебные по звучанию инструменты: Амати, Гварнери, Страдивари. Они до сих пор считаются непревзойдёнными, а тайна их звука до сих пор окутана легендами.

«Романс» Бакланова звучит в исполнении Шуляевой Жени

Ведущая: Вы, наверное, согласитесь со мной, что все инструменты хороши по-своему. У каждого свой неповторимый тембр (окраска звука), свои привлекательные особенности. Но, пожалуй, ни один из них не может сравниться с фортепиано. Как солист он на первом месте. Незаменим и в ансамбле с голосом и с другими инструментами, как вы уже успели сегодня убедиться. Как же появился этот инструмент и что выделяет его среди других?

Самым ранним предком фортепиано считается МОНОХОРД. Да, тот самый монохорд, который по преданию изобрёл Пифагор (6 век до н.э.) и использовал для своих музыкально-теоретических и акустических экспериментов. Казалось бы, что общего между примитивным однострунным ящиком и фортепиано – сложным музыкальным инструментом с десятками струн, педалями и клавишами?

Клавиатура давно используется в музыкальных инструментах. Хотя точно определить, когда она появилась, сложно. Существует две версии, объясняющие это. Первая связана с эволюцией органа (Слайд №11) . Примитивные органы имели систему громоздких рычагов, выдвигая которые играющий извлекал звук. Считается, что со временем выдвижные рычаги были заменены нажимными, то есть клавишами. Сначала они были больших размеров (свыше 30 см в длину и около 10 см в ширину), и, чтобы извлечь звук, по ним ударяли кулаком локтями.

Согласно второй версии, клавиатура впервые появилась на клавишно-струнных инструментах. Историки, изучавшие происхождение, обнаружили, что это слово близко по написанию и звучанию к тому, как на Востоке назывались шахматы. Тогда и возникло предположение, что прототипом клавиатуры послужила шахматная доска. Что ж, может быть, чёрно-белая клавиатура действительно ведёт своё начало от чередования чёрных и белых квадратов на шахматном поле.

Основных видов клавишно-струнных инструментов было два: клавикорд и клавесин. (Слайд №12) Однако к концу 17 века насчитывались десятки клавишных, различающихся внешним видом, многообразием форм и названиями. Один французский путешественник этого времени писал: «Проехав в продолжение последних месяцев через десятки больших и малых городов Европы и проявляя всяческий интерес к музыкальным инструментам - обычным и диковинным,- не могу не отметить, как пестро и разнообразно семейство инструментов, в коих звук извлекается посредством клавишей». И, действительно, какие только инструменты не были распространены в то время! (Слайд №13) Огромные крылообразные флюгели и небольшие, размером со шкатулку, спинеты, похожие на стол верджинелы, пирамидальные клавиры, различные фисгармонии, на которых звук получался от воздуха, нагнетаемого мехами при помощи двух ножных педалей (Слайд №14).

Клавикордное искусство расцвело в Германии, в то время как клавесин и его разновидности распространились во всех европейских странах. Звук клавесина – ясный, чёткий, острый - был намного сильнее звука клавикорда. Однако независимо от силы удара он оставался неизменным. Вот и получалось, что на любом струнно-смычковом инструменте исполнитель мог без труда усиливать и уменьшать громкость, а клавесинисту это было недоступно. Разумеется, такая ситуация не могла удовлетворить музыкантов и мастеров клавишных инструментов, поэтому в разных странах Европы шёл неустанный поиск конструкции нового клавишного инструмента, который обладал бы сильным, гибким, меняющимся по динамике звуком.

Первым эту проблему решил итальянец Бартоломео Кристофори. В 1709 году он изобрёл клавишный инструмент, который назвал «клавесин с тихим и громким звуком». Это и было фортепиано. А вскоре к идее создания фортепиано пришли и в других странах Европы. Конечно, звук на первых моделях был несколько далёк от современного. Постепенно, по мере того, как новый инструмент совершенствовался, им всё больше начинают интересоваться композиторы и исполнители. К концу 18 века фортепьяно полностью вытеснило клавесин, становясь, благодаря творчеству Гайдна, Моцарта, Бетховена, а позднее Шопена, Шумана, Листа и многих других композиторов, самым популярным музыкальным инструментом.

Пианино в его теперешнем виде появилось лишь в начале 19 века. Оно предназначалось для помещения, где нужен малогабаритный инструмент и от которого не требовалось полноты звучания большого концертного рояля. Ну а рояль – разновидность фортепиано - поистине является «королём» всех инструментов (Слайд №15). Так и живёт сегодня рядом с нами фортепиано – самый универсальный инструмент, чаще всех других помогающий нам ощутить великую радость от общения с музыкой. (Слайд №16)

Послушайте музыкальное произведение в звучании этого инструмента.

Мечиган «Минорная сцена». Исполняет Анна Галкина.

Клио: На русской земле ещё с древности ведётся, что все праздники проходили под балалайку и её сестру- домру. Эта традиция сохранилась и дошла до наших дней. Пляски, песни, игры- всё сливалось в одну пёструю картину весёлого гулянья.

«Домрачка - поёт,

Балалаечка - бренчит,

гармошка – заливается -

На весеннем на лугу веселье начинается».

И бренча, играя на этих инструментах русский народ забывал о своей нелёгкой доле.

Самое раннее упоминание о домре на Руси встречается в летописях в эпоху Киевского государства (1068 год) – во времена князей Ольги и Владимира. (Древняя Русь). Поначалу домра была очень несовершенна. Делали её из специально выращенного сорта тыквы – горянки. Внутри домра была выбита мелким хрусталём, поэтому и звучала звонко и чисто. Струны делали из жил животных. Домра была общедоступным инструментом. Церковь заволновалась: «Что, не слишком ли музыка отвлекает народ от бога?». Играли на таких инструментах скоморохи – бродячие музыканты. Шумною толпой они бродили по русской земле и веселили народ. Здесь были акробаты, певцы – гусляры, сказители, канатоходцы, дрессировщики. Скоморохи высмеивали своим острым словом бояр, князей за их ханжество, поэтому и было на скоморохов гонение. В 1551 году один митрополит обратился к Царю Ивану 4: «Бога ради, Царь, вели скоморохов извести, чтобы не было их в твоём государстве, иначе не будет тебе спасения». В 1648 году вышел указ уже другого Царя Алексея о полном истреблении скоморохов. Там говорилось: «А где объявятся домры, сопели, гусли и всякие бесовские гудённые сосуды, надо их ломать, жечь, а некоторых – в ссылку». Пять доверху гружёных телег с музыкальными инструментами были вывезены на Москву – реку и сожжены. Но время от времени то тут, то там эти инструменты появлялись вновь, ведь народу нужен был инструмент и инструмент возрождался то круглой формы, то треугольной, сделанный из пяти дощечек с тремя струнами. Происходило постепенное превращение домры в балалайку. Так в 17 веке домра почти совсем исчезла из обихода.

Треугольный инструмент называли балабойка от слова «балаболить»- пустозвонить. Играли на таком инструменте в конюшнях, подворотнях крестьяне – беднота. Если мы полистаем исторические книжки, то там написано, что первое упоминание о балалайке относится к 1715 году. При Петре 1 был целый оркестр инструментов, который сопровождал шествие

Ведущая: Вот и подошло к концу наше небольшое путешествие в историю музыкальных инструментов. Я благодарю всех артистов за то, что они подарили нам удовольствие от звучания живой музыки, а ведь в нашей жизни это бывает так редко. Хочется верить, что они нас порадуют ещё не раз и станут настоящим звёздами.

(Исполнение песни «Созвездие талантов» вокальным ансамблем.)

До новых встреч.

Крылов Борис Петрович (1891-1977) Гармонист. 1931 г.

Свою жизнь русский народ всегда окружал песнями и музыкой льющийся из народных инструментов. С малых лет каждый владел навыками изготовлениями немудреных инструментов, и знал как на нём играть. Так из куска глины можно изготовить свистульку или окарину, а из дощечки трещотку.

В древности человек был ближе к природе и учился у неё, так и народные инструменты создавались на основе звуков природы и изготавливались из природных материалов. Ведь нигде так не чувствуется красота и гармония, как при игре на народном музыкальном инструменте, и ни что так не близко человеку, как звуки родного знакомого с детства инструмента.

Для русского человека в 21 веке таким родным инструментом является гармонь, ну а как же все остальные… Остановите сейчас молодого человека и попросите назвать хоть несколько известных ему народных инструментов, список этот будет очень мал, не говоря уже о игре на них. А ведь это огромный пласт русской культуры, которая почти забыта.

Почему мы утратили эту традицию? Почему не знаем своих народных инструментов и не слышим их прекрасных звуков?

Сложно ответить на этот вопрос, шло время, что-то забывалось, что-то запрещалось, так, например, средневековая христианская Русь не раз ополчалась на народных музыкантов. Крестьянам и городскому люду под угрозой штрафа запрещалось держать у себя народные инструменты, тем более на них играть.

«Чтобы они (крестьяне) бесовские игры в сопели и в гусли и в гудки и в домры не играли и в домах у себя не держали… А кто, забыв страх божий и смертный час, учинит играть и всякие игры у себя держать - править пени по пяти рублев на человека». (Из юридических актов XVII века.)

С появлением электронных инструментов и музыкальных записей на пластинках и дисках, человек вообще разучился самостоятельно играть и тем более изготавливать музыкальные инструменты.

Возможно случай другой, и можно все с лихвой списать на беспощадность времени, но исчезновение, причем массовое началось давно и стремительно прогрессирует. Теряем свои традиции, самобытность — шагаем в ногу со временем, приспособились, ласкаем слух «волнами и частотами»…

Итак, самые редкие русские народные музыкальные инструменты, или те, которые совсем скоро могут просто исчезнуть. Возможно совсем скоро, большинство из них будут пылиться на полках музеев, в качестве молчаливых раритетных экспонатов, хотя изначально создавались для более праздничных мероприятий…

1. Гусли

Николай Загорский Давид играет на гуслях перед Саулом. 1873 г.

Гусли — струнный музыкальный инструмент, наиболее распространён в России. Является наиболее древним русским струнным щипковым музыкальным инструментом.

Различают крыловидные и шлемовидные гусли. Первые, в более поздних образцах, имеют треугольную форму и от 5 до 14 струн, настроенных по ступеням диатонической гаммы, шлемовидные — 10-30 струн такой же настройки.

Музыкантов, играющих на гуслях, называют гуслярами.

История гуслей

Гусли — музыкальный инструмент, разновидностью которого является арфа. Также с гуслями имеют сходство древнегреческая кифара (есть гипотеза, что именно она является предком гуслей), армянский канон и иранский сантур.

Первые достоверные упоминания об употреблении русских гуслей встречаются в византийских источниках V века. На гуслях играли герои эпоса: Садко, Добрыня Никитич, Боян. В великом памятнике древнерусской литературы, «Слове о полку Игореве» (XI — XII вв.), поэтично воспет образ гусляра-сказителя:

«Боян же, братие, не 10 соколов на стадо лебедей пущаше, но своя вещиа персты на живая струны вскладаше; они же сами князем славу рокотаху».

2. Свирель

Генрих Семирадский Пастушок, играющий на свирели.

Свирель — русский двуствольный духовой инструмент; род двуствольной продольной флейты. Один из стволов имеет обычно длину 300-350 мм, второй - 450-470 мм. В верхнем конце ствола - свистковое устройство, в нижней части - по 3 боковых отверстия для изменения высоты звуков.

В обыденном языке свирелью часто называют духовые инструменты типа одноствольных или двуствольных флейт.

Изготавливается из дерева, имеющего мягкую сердцевину, бузины, ивы, черемухи.

В Россию, как предполагается, свирель перекочевала из Древней Греции. В античные времена свирель представляла собой музыкальный духовой инструмент, состоящий из семи разной длины тростниковых трубочек, связанных друг с другом. Согласно древнегреческой мифологии, её изобрёл Гермес, чтобы забавляться, когда будет пасти коров. Этот музыкальный инструмент и по сей день весьма любим пастухами Греции.

3. Балалайка

Некоторые приписывают слову «балалайка» татарское происхождение. У татар есть слово «бала» означающие «дитя». Оно быть может и послужило источником происхождения слов «балакать», «балабонить» и т.д. заключая в себе понятие о неразумной, как бы детской болтовне.

Упоминаний о балалайке даже в XVII — XVIII очень мало. В некоторых случаях действительно встречаются намёки на то, что в России был инструмент одного типа с балалайкой, но скорее всего упоминается там домра, родоначальница балалайки.

При царе Михаиле Фёдоровиче состояли при дворцовой потешной палате игрецы домрачеи. При Алексее Михайловиче инструменты подвергались гонению. К этому времени, т.е. ко 2 половине XVII века, вероятно, относится переименование домры в балалайку.

Впервые название «балалайка» встречается в письменных памятниках времён Петра Великого. В 1715 г. при праздновании устроенной по приказу царя шуточной свадьбы в числе инструментов, фигурировавших в руках ряженных участников церемонии, упоминаются балалайки. Причём инструменты эти даны были в руки группе наряженных калмыками.

В течении XVIII в. балалайка широко распространилась в великорусском народе, сделавшись настолько популярной, что её признали за древнейший инструмент, и даже присвоили ей славянское происхождение.

Русское происхождение может быть приписано лишь треугольному очертанию корпуса или кузова балалайки, заместившего круглую форму домры. Форма балалайки XVIII века отличалась от современной. Гриф балалайки был очень длинным, длиннее кузова примерно в 4 раза. Корпус инструмента был более узким. Кроме того, балалайки, встречающиеся на старинных лубочных картинах снабжены только 2 струнами. Третья струна была редким исключением. Струны у балалайки металлические, что придаёт звучанию специфический оттенок — звонкость тембра.

В середине XX в. была выдвинута новая гипотеза о том, что балалайка бытовала задолго до её упоминании в письменных источниках, т.е. существовала рядом с домрой. Некоторые исследователи считают, что домра была профессиональным инструментом скоморохов и с их исчезновением потеряла широкую музыкальную практику.

Балалайка же инструмент сугубо народный и, следовательно, более жизнестойкий.

Cначала распространилась балалайка преимущественно в северных и восточных губерниях России, обычно аккомпанируя народным плясовым песням. Но уже в середине XIX века балалайка была очень популярна во многих местах России. На ней играли не только деревенские парни, но и серьезные придворные музыканты, такие как Иван Хандошкин, И. Ф. Яблочкин, Н. В. Лавров. Однако к середине XIX столетия рядом с нею почти повсеместно встречалась гармоника, которая постепенно вытеснила балалайку.

4. Баян

Баян — один из наиболее совершенных из существующих в настоящее время хроматических гаpмоник. Впервые название «баян» встречается в афишах и рекламах начиная с 1891 года. До этого времени подобный инструмент назывался гармоника.

Гармоника произошла от азиатского инструмента, который назывался шен. Шен в России был известен очень давно, в X-XIII веках в период татаро-монгольского владычества. Некоторые исследователи утверждают, что шен прошёл путь из Азии в Россию, а затем в Европу, где был усовершенствован и стал распространенным, подлинно популярным во всей Европе музыкальным инструментом — гармоникой.

В России определённым толчком в распространении инструмента явилось приобретение Иваном Сизовым на Нижегородской ярмарке в 1830 г. ручной гармоники, после чего он решил открыть гармонную мастерскую. К сороковым годам XIX века появилась в Туле первая фабрика Тимофея Воронцова, которая выпускала 10000 гармоник в год. Это способствовало самому широкому распространению инструмента, и к середине XIX в. гармоника становится символом нового народного музыкального инструмента. Она обязательная участница всех народных празднеств и гуляний.

Если в Европе гармонику делали музыкальные мастера, то в России, наоборот, гармоника создавала из народных умельцев мастеров. Потому в России, как ни в какой другой стране такое богатство чисто национальных конструкций гармоники, отличающихся не только формой, но и разнообразием звукоряда. Репертуар, например, саратовской гармоники невозможно исполнить на ливенки, репертуар ливенки на бологоевке и т.д. Название гармоники определялось местом, где ее сделали.

Первыми на Руси стали изготавливать гармошки тульские кустари. Их первые ТУЛЬСКИЕ гармошки были всего с одним рядом кнопок на правой и левой руке (однорядки). На той же основе стали развиваться модели очень маленьких концертных гармоник — ЧЕРЕПАШЕК. Очень звонкие и голосистые они производили впечатление на публику, хотя это и был более эксцентрический номер, чем музыка.

Появившиеся вслед за тульскими САРАТОВСКИЕ гармошки конструктивно ничем не отличались от первых, но саратовские мастера смогли найти необычный тембр звучания, добавив в конструкцию колокольчики. Эти гармошечки приобрели в народе большую популярность.

Вятские кустари расширили диапазон звучания гармошек (добавили кнопок в левую и правую руку). Изобретенный ими вариант инструмента получил название ВЯТСКОЙ гармони.

Все перечисленные инструменты имели особенность — одна и та же кнопка на разжим и сжим мехов издавала разные звуки. Эти гармони имели одно общее название — ТАЛЬЯНКИ. Тальянки могли быть с русским или немецким строем. При игре на таких гармошках нужно было прежде всего владеть техникой игры мехами, чтобы правильно вывести мелодию.

Проблему решили ЛИВЕНСКИЕ кустари. На гармонях ливенских мастеров звук не менялся при смене меха. Гармошки не имели ремней, которые перекидывались через плечо. С правой и с левой стороны короткие ремни обхватывали кисти рук. У ливенской гармошки меха были невероятно длинными. Такую гармошку можно было буквально обмотать вокруг себя, т.к. при полном растяжении меха ее длина достигала двух метров.

Абсолютные чемпионы мира по баяну Сергей Войтенко и Дмитрий Храмков. Дуэт уже успел покорить огромное количество слушателей своим артистизмом

Следующим этапом в развитии гармони были двухрядные гармошки, конструкция которых пришла в Россию из Европы. Гармонь-двухрядку можно было бы еще назвать и «двухзвукорядной», т.к. за каждым рядом кнопок в правой руке закреплялся определенный звукоряд. Такие гармошки получили название РУССКИЕ ВЕНКИ.

В настоящее время все перечисленные выше гармошки — большая редкость.

Баян своим появлением обязан талантливому русскому мастеру — конструктору Петру Стерлигову. Хроматические гармоники (впоследствии баяны) Стерлигова, начиная с 1905 по 1915 г. столь быстро совершенствовались, что и сегодня по их последним образцам делаются фабричные инструменты.

Сделал популярным этот инструмент выдающийся музыкант — гармонист Яков Федорович Орланский-Титаренко. Мастер и виртуоз назвали инструмент в честь легендарного русского музыканта, сказителя и певца Бояна - «баяном». Было это в 1907 году. С той поры и существует на Руси баян - инструмент ныне настолько популярный, что нет нужды говорить о том, как он выглядит.

Пожалуй, единственный инструмент, не претендующий на преждевременное исчезновение и «списание на полку» в рамках этой статьи. Но не рассказать о нем было бы тоже неправильно. Едем дальше…

5. Ксилофон

Ксилофон (от греческого xylon - дерево, древесина и phone - звук) - ударный инструмент с определенной высотой звука, конструкция которого состоит из набора различных по величине деревянных брусков (пластинок).

Ксилофоны бывают двухрядные и четырехрядные.

Играют на четырехрядном ксилофоне двумя выгнутыми ложечкообразными палочками с утолщением на концах, которые музыкант держит перед собой под углом параллельно плоскости инструмента на расстоянии 5-7 см от пластинок. На двухрядном ксилофоне применяется игра тремя и четырьмя палочками. Основной принцип игры на ксилофоне заключается в точном чередовании ударов обеих рук.

Ксилофон имеет древнее происхождение - простейшие инструменты подобного типа встречались и встречаются до наших дней у разных народов России, Африки, Юго-Восточной Азии, Латинской Америки. В Европе первые упоминания о ксилофоне датируются началом XVI века.

К русским народным инструментам также относятся: рожок,бубен, варган, домра, жалейка, калюка, кугиклы, ложки, окарина, свирель,трещотка и еще много других.

Хочется верить, что Великая страна сможет возродить народные традиции, народные гуляния, празднества, национальные костюмы, песни, пляски… под звуки настоящих исконно русских музыкальных инструментов.

А закончу статью на оптимистической ноте — досмотрите клип до конца — всем хорошего настроения!

В моих руках – душа России,
кусочек русской старины,
Когда продать гармонь просили,
я отвечал: «Ей нет цены».

Бесценна музыка народа,
что в песнях Родины живёт,
Её мелодией природа,
как тот бальзам на сердце льёт.

Не хватит золота и денег,
чтобы гармонь мою купить,
И тот, чей слух она заденет,
не сможет без неё прожить.

Играй, гармонь без передышки,
и утерев вспотевший лоб,
Я подарю тебя мальчишке,
иль другу положу на гроб!

23.09.2013

История возникновения руских народных инструментов уходит в далекое прошлое. Фрески Софийского собора в Киеве, иконографические материалы, миниатюры рукописных книг, лубочные картинки свидетельствуют о разнообразии музыкального инструментария наших предков. Обнаруженные археологами древние музыкальные инструменты являются подлинными вещественными доказательствами бытования их на Руси. В недалеком прошлом повседневная жизнь руского народа была немыслима без музыкальных инструментов. Практически все наши предки владели секретами изготовления несложных звуковых инструментов и передавали их из поколения в поколение. Приобщение к тайнам мастерства прививалось с детства, в играх, в работе, посильной для детских рук. Наблюдая за работой старших, подростки получали первые навыки создания простейших музыкальных инструментов. Шло время. Духовные связи поколений постепенно нарушались, прерывалась их преемственность. С исчезновением некогда повсеместно бытовавших в России народных музыкальных инструментов утратилось и массовое приобщение к национальной музыкальной культуре.

В наши дни, к сожалению, осталось не так уж и много мастеров-умельцев, сохранивших традиции создания простейших музыкальных инструментов. К тому же создают они свои шедевры только по индивидуальным заказам. Изготовление же инструментов на промышленной основе связано с немалыми финансовыми затратами, отсюда их высокая стоимость. Далеко не каждый может позволить себе сегодня купить музыкальный инструмент. Вот почему появилось желание собрать в одной статье материалы, которые помогут всем желающим сделать тот или иной инструмент своими руками. Вокруг нас большое количество привычных материалов растительного и животного происхождения, на которые мы порой не обращаем внимания. Любой материал зазвучит, если его коснутся умелые руки:

Из невзрачного кусочка глины можно изготовить свистульку или окарину;

Береста, снятая со ствола березы, превратится в большой рог с пищиком;

Пластмассовая трубочка обретет звучание, если сделать в ней свистковое устройство и отверстия;

Из деревянных брусочков и пластин можно сделать много разных ударных инструментов.

На основе публикаций о руских народных инструментах и опыта разных людей в их изготовлении составлены рекомендации, которые могут быть полезны в процессе работы над ними.

* * *

У многих народов происхождение музыкальных инструментов связано с богами и владыками гроз, вьюг и ветров. Древние греки приписывали Гермесу изобретение лиры: он изготовил инструмент, натянув струны на черепаховый панцирь. Его сына, лесного демона и покровителя пастухов, Пана изображали непременно с флейтой, состоящей из нескольких стеблей тростника (флейта Пана).

В немецких сказках часто упоминаются звуки рожка, в финских — пятиструнной арфы кантеле. В руских сказках на звуки рога и дудки являются ратники, против которых не устоит никакая сила; чудодейственные гусли-самогуды сами играют, сами песни поют, заставляют плясать без отдыха. В украинских и белорусских сказках под звуки волынки (дуды) пускались в пляс даже животные.

Историк, фольклорист А.Н.Афанасьев, автор труда "Поэтические воззрения славян на природу" , писал, что разнообразные музыкальные тоны, рождаясь при дуновении ветра в воздухе, отождествляют "выражения для веяния и музыки": от глагола "дуть" произошли - дуда, дудка, дудеть; перс. dudu — звук флейты; нем. blasen — дуть, веять, трубить, играть на духовом инструменте; гудок и гусли — от гуду; гудеть — слово, употребляемое малороссами для обозначения дующего ветра; сравни: сопелка, сиповка от сопати, сопеть (шипеть), сиплый, свистелка — от свистать.

Звуки духовой музыки рождаются благодаря вдуванию воздуха в инструмент. Дуновение ветра воспринималось нашими предками как исходящее из открытых уст богов. Фантазия древних славян сближала вой бури и свист ветров с пением и музыкой. Так возникали сказания о пении, плясках, игре на музыкальных инструментах. Мифические представления, сочетавшиеся с музыкой, сделали их священной и необходимой принадлежностью языческих обрядов и праздников.

Какими бы несовершенными ни были первые музыкальные инструменты, тем не менее, они требовали от музыкантов умения изготавливать и играть на них.

На протяжении столетий не прекращались совершенствование народного инструментария и отбор лучших образцов. Музыкальные инструменты обретали новые формы. Возникали конструктивные решения их изготовления, способов извлечения звуков, приемов игры. Славянские народы были творцами и хранителями музыкальных ценностей.

Древние славяне чтили предков и славили Богов. Славление Богов совершалось перед священными божницами в храмах или под открытым небом. Обряды в честь Перуна (бога грома и молнии), Стрибога (бога ветров), Святовида (бога Солнца), Лады (богини любви) и т. д. сопровождались пением, плясками, игрой на музыкальных инструментах и заканчивались общим пиром. Славяне почитали не только невидимых божеств, но и места их обитания: леса, горы, реки и озера.

По предположениям исследователей, песенное и инструментарное искусство тех лет развивалось в тесной взаимосвязи. Возможно, обрядовое песнопение способствовало рождению инструментов с установлением их музыкального строя, так как храмовые песни-молитвы исполнялись с музыкальным сопровождением.

Византийский историк Феофилакт Симокатта, арабский путешественник Аль-Масуди, арабский географ Омар ибн Даст подтверждают существование музыкальных инструментов у древних славян. Последний в своей "Книге драгоценных сокровищ" пишет: "Есть у них разного рода лютни, гусли и свирели..."

В "Очерках по истории музыки в России с древнейших времен до конца XVIII века" русский музыковед Н. Ф. Финдейзен отмечает: "Совершенно невозможно допустить, чтобы древние славяне, имевшие общинный быт, религиозные обряды которых были чрезвычайно развиты, разнообразны и обставлялись с декоративной пышностью, не умели бы сами выделывать свои музыкальные инструменты, совершенно независимо от того, имелись ли аналогичные инструменты в соседних областях".

О древней руской музыкальной культуре сохранилось мало упоминаний.