(Traducción del artículo de Tara Leaver “Encontrar tu propio estilo artístico: una guía práctica” –
Para muchos de nosotros, encontrar nuestro propio estilo artístico reconocible supone una gran dificultad. Y esto no sólo se aplica a los principiantes en el dibujo, sino que también afecta a los artistas experimentados.
Quizás empieces a dudar incluso antes de que el pincel toque el lienzo, recordando varias críticas de tus profesores o simplemente perdiéndote en la gran cantidad de diferentes ideas posibles e inspiración recibidas de diferentes cursos. ¡O tal vez ambas cosas a la vez!
¡No es de extrañar que cuando encuentres tu estilo, te sientas increíble!
hoy veo Algunas formas sencillas de encontrar y desarrollar tu propio estilo..
Todo el mundo lo tiene, sólo hay que ayudarle a expresarse. Lo desarrollamos a través de la práctica y el ejercicio constante, pero también hay una parte inconsciente, la que viene no a través de las “manos”, sino del corazón.
Sé que esta idea parece obvia, pero es esta combinación la que nos permite comenzar a trabajar en el desarrollo de nuestro estilo individual. Recibida desde fuera, esta idea te da una idea más clara de por dónde empezar a explorar tu creatividad y encontrar tu estilo.
Lo que lea a continuación no pretende ser información completa sobre este tema. Estos son sólo puntos de partida para que encuentres tu propio camino.
Tome su último trabajo y colóquelo de manera que le resulte conveniente verlo. Responda las preguntas de manera consistente, tomando nota de sus reacciones y observaciones a lo largo del camino. Si lo deseas, puedes tomar notas escritas.
¡Nos vamos a la búsqueda del tesoro!
El principal tesoro es tu propia creatividad.
Piensa en lo que dibujas con más frecuencia.
- ¿Qué temas y temas te atraen más del dibujo? Si te resulta difícil responder, busca en tus cuadros y carpetas con obras en busca de una respuesta.
Personalmente, trato de recordar mis preferencias en las historias, con qué frecuencia trabajo en un tema en particular. Y en algún lugar de casa tengo un trozo de papel de una libreta donde apunto esta información. Entonces, cuando me resulta difícil responder una pregunta sobre mi tema favorito en el dibujo, miro dentro de mí o en esta hoja.
¡Me encanta dibujar barcos! Y también peces, figuras y árboles.
No es necesario que la lista de temas favoritos sea completamente completa o exhaustiva en esta etapa. Basta con resaltar algunos de ellos para tener un punto de partida.
Una selección de obras con experimentos y exploraciones creativas sobre el tema de los árboles. Se pueden ver las características comunes que conectan las obras: líneas sinuosas y dibujos de contornos.
¿Qué colores te gustan?
- Piense en su paleta de colores predeterminada.
- ¿Qué puede decirte tu último trabajo sobre las elecciones de colores repetidas?
Mi paleta de trabajo recientemente incluye aguamarina, azul, amarillo nepalí, rosa fluorescente y blanco, para lo cual utilizo la imprimación acrílica Gesso. Esto me da una buena gama de oscuros, medios y reflejos. Realmente disfruto jugando con estos colores, se adaptan perfectamente a mis necesidades y necesidades del momento.
¿Y que hay de ti?
A la izquierda está mi fotografía, a la derecha un dibujo basado en ella. Utilicé colores de “mi” paleta y técnicas experimentales.
¿Cuáles son las características de tu estilo?
- ¿Qué prefieres: líneas gráficas o trabajar con grandes áreas de color?
- ¿Te gusta utilizar técnicas inusuales cuando trabajas con un pincel?
- ¿O tal vez prefieres no utilizar cepillo de dientes para pulverizar?
- ¿Te gusta crear los llamados patrones, diseños o prefieres trabajar con más imaginación y alcance?
Las peculiaridades de mi estilo son las líneas de contorno, a menudo desiguales y borrosas, a veces de color “sucio”. Me inspiro en las obras de Egon Schiele. También me encantan los contrastes de colores nerviosos y los diseños sofisticados y flexibles.
Analiza qué técnicas te gustan especialmente y te aproximan, que te aportan una sensación de satisfacción con tu creatividad. Desarróllalos y apégate a ellos en tus trabajos futuros.
Dibujo de un pez realizado con tinta color nuez. Experimenta con líneas.
¿Qué técnica o material artístico te gusta?
- Es posible que tengas varios de ellos. ¿Qué te gusta más?
Realmente me encanta trabajar con pasteles al óleo. Pero sobre todo me gusta trabajar con acrílico y utilizar el medio en mi trabajo. Esto me permite controlar el proceso de secado de las pinturas y jugar con el resultado. Todo se seca rápidamente y es igual de fácil de limpiar.
Si tienes una técnica favorita, significa que puedes explorar todas sus posibilidades, mejorar tus habilidades y, por tanto, tu trabajo en general.
No utilicé referencias para este trabajo. Solo hay dos de mis materiales favoritos: acrílico y pastel al óleo.
¿Que te inspira?
Por eso, hemos analizado las principales cuestiones a las que debes prestar especial atención a la hora de buscar tu estilo. Ahora divagámonos un poco, miremos el trabajo de otros artistas y pensemos en lo que podríamos tomar prestado de ellos para nosotros.
Recomiendo hacer esto después de haber respondido las cuatro preguntas anteriores. Antes de comenzar a considerar y evaluar el trabajo de otros artistas, primero debes comprender tu propia creatividad.
Si estás seguro de haber identificado las características principales de tu trabajo, esto te facilitará encontrar el trabajo de otros artistas similares a tu estilo y visión del mundo. Le resultará más fácil evaluar su trabajo y buscar características que le gustaría agregar a su trabajo, su estilo.
Está diseñado para recopilar y compartir información visual. Hay un mar de diferentes cuadros, fotografías e imágenes. Haga algunas consultas clave y observe los resultados.
Puedes crear tu propio tablero personal en el que recopilarás (¡Pin it!) todo lo que te inspire e interese, ya sea una composición interesante en una imagen, la paleta de colores de otra, el estilo del artista en una tercera o la trama. de un cuarto.
En mi tablero no colecciono cuadros de otros artistas. No hago esto porque no me inspiran. Sólo quiero liberarme de lo que otros artistas pintaron en el momento en que empiezo a crear, para buscar mis propios temas y soluciones.
Las fotografías de referencia (fuentes de fotografías para dibujar) le ayudarán parcialmente con esto. Pueden resultarte muy útiles, así que tenlos a mano o guarda en tu tablero de Pinterest fotos que te inspiren.
Además, al observar atentamente las fotografías que ha recopilado, seguramente verá pistas sobre lo que le interesa en este momento y qué hacer a continuación.
¡Sí, Pinterest es como la madriguera de un conejo! Si no puedes alejarte de ello, configura un cronómetro.
A la izquierda hay una foto de Pinterest, a la derecha está mi trabajo, que se inspiró en esta foto.
Errores de los artistas principiantes.
Estilos y direcciones de pintura.La cantidad de estilos y tendencias es enorme, si no infinita. Los estilos en el arte no tienen límites claros, se transforman suavemente unos en otros y están en continuo desarrollo, mezcla y oposición. En el marco de un estilo artístico histórico siempre nace uno nuevo que, a su vez, pasa al siguiente. Muchos estilos coexisten al mismo tiempo y por lo tanto no existen “estilos puros” en absoluto.
abstraccionismo (del latín abstractio - eliminación, distracción): una dirección artística en el arte que abandonó la representación de formas cercanas a la realidad.
Vanguardia, vanguardia (de la vanguardia francesa - vanguardia): el nombre general de los movimientos artísticos en el arte del siglo XX, que se caracterizan por la búsqueda de nuevas formas y medios de exhibición artística, la subestimación o negación total de las tradiciones y la absolutización de innovación.
Academicismo (del academicismo francés): una dirección en la pintura europea de los siglos XVI al XIX. Se basó en la adhesión dogmática a las formas externas del arte clásico. Los seguidores caracterizaron este estilo como una reflexión sobre la forma de arte del mundo antiguo y el Renacimiento. El academicismo complementó las tradiciones del arte antiguo, en el que se idealizaba la imagen de la naturaleza, compensando al mismo tiempo la norma de la belleza. Annibale, Agostino y Lodovico Carracci escribieron en este estilo.
Accionismo (del arte de acción inglés - el arte de la acción): acontecimiento, performance, evento, arte de proceso, arte de demostración y una serie de otras formas que surgieron en el arte de vanguardia de la década de 1960. De acuerdo con la ideología del accionismo, el artista debe organizar eventos y procesos. El accionismo busca desdibujar la línea entre arte y realidad.
estilo imperio (del imperio francés - imperio): un estilo de arquitectura y artes decorativas que surgió en Francia a principios del siglo XIX, durante el período del Primer Imperio de Napoleón Bonaparte. El estilo imperio es el final del desarrollo del clasicismo. Para encarnar majestuosidad, sofisticación, lujo, poder y fuerza militar, el estilo Imperio se caracteriza por una apelación al arte antiguo: formas decorativas del antiguo Egipto (trofeos militares, esfinges aladas...), jarrones etruscos, pintura pompeyana, decoración griega y romana. , Frescos y ornamentos renacentistas. El principal representante de este estilo fue J.L. David (pinturas "El juramento de los Horacios" (1784), "Brutus" (1789))
subterráneo (del underground inglés - underground, dungeon): una serie de movimientos artísticos del arte contemporáneo que se contrastan con la cultura de masas y la corriente principal. La clandestinidad rechaza y viola las orientaciones y tipos de comportamiento políticos, morales y éticos socialmente aceptados, introduciendo comportamientos antisociales en la vida cotidiana. Durante el período soviético, debido al rigor del régimen, casi todo lo no oficial, es decir. No reconocido por las autoridades, el arte resultó ser clandestino.
Art Nouveau (del art nouveau francés, literalmente, arte nuevo) es el nombre del estilo Art Nouveau común en muchos países (Bélgica, Francia, Inglaterra, Estados Unidos, etc.). El artista más famoso de este estilo de pintura: Alphonse Mucha.
Arte deco (del art deco francés, abreviado de decoratif): una dirección en el arte de mediados del siglo XX, que marcó la síntesis de la vanguardia y el neoclasicismo, reemplazó al constructivismo. Rasgos distintivos de esta tendencia: fatiga, líneas geométricas, lujo, elegancia, materiales caros (marfil, piel de cocodrilo). La artista más famosa de este movimiento es Tamara de Lempicka (1898-1980).
Barroco (del italiano barocco - extraño, extraño o del puertorriqueño perola barroca - perla de forma irregular, existen otras suposiciones sobre el origen de esta palabra): un estilo artístico en el arte del Renacimiento tardío. Rasgos distintivos de este estilo: tamaños exagerados, líneas discontinuas, abundancia de detalles decorativos, pesadez y colosalidad.
Renacimiento, o Renacimiento (del renacimiento francés, rinascimento italiano) es una era en la historia de la cultura europea, que reemplazó a la cultura de la Edad Media y precedió a la cultura de los tiempos modernos. El marco cronológico aproximado de la época es los siglos XIV-XVI. Un rasgo distintivo del Renacimiento es el carácter secular de la cultura y su antropocentrismo (es decir, el interés, ante todo, por el hombre y sus actividades). Aparece el interés por la cultura antigua, se produce su "renacimiento", por así decirlo, y así apareció el término. Mientras pintaban cuadros de temas religiosos tradicionales, los artistas comenzaron a utilizar nuevas técnicas artísticas: construir una composición tridimensional, utilizando un paisaje de fondo, lo que les permitió hacer las imágenes más realistas y animadas. Esto distinguió marcadamente su trabajo de la tradición iconográfica anterior, repleta de convenciones en la imagen. Los artistas más famosos de este período: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Tiziano (1477-1576), Antonio Correggio. (1489-1534), Jerónimo Bosch (1450-1516), Alberto Durero (1471-1528).
Woodland (del inglés - tierra forestal) es un estilo de arte que se origina en el simbolismo de las pinturas rupestres, los mitos y las leyendas de los indios norteamericanos.
El gótico (del italiano gotico - inusual, bárbaro) es un período en el desarrollo del arte medieval, que abarca casi todas las áreas de la cultura y se desarrolla en Europa occidental, central y parcialmente oriental desde el siglo XII al XV. El gótico completó el desarrollo del arte medieval europeo, que surgió sobre la base de los logros de la cultura románica, y durante el Renacimiento, el arte medieval fue considerado "bárbaro". El arte gótico tenía un propósito cultual y un tema religioso. Abordó los poderes divinos más elevados, la eternidad y la cosmovisión cristiana. El gótico en su desarrollo se divide en gótico temprano, apogeo y gótico tardío.
El impresionismo (de la impresión francesa - impresión) es una dirección de la pintura europea que se originó en Francia a mediados del siglo XIX, cuyo objetivo principal era transmitir impresiones fugaces y cambiantes.
Kitsch, kitsch (del alemán kitsch - mal gusto) es un término que denota uno de los fenómenos más odiosos de la cultura de masas, sinónimo de pseudoarte, en el que se presta la mayor atención a la extravagancia de la apariencia externa, el volumen de sus elementos. En esencia, el kitsch es un tipo de posmodernismo. El kitsch es un arte de masas para la élite. Una obra que pertenece al kitsch debe estar hecha a un alto nivel artístico, debe tener una trama fascinante, pero esto no es una verdadera obra de arte en el sentido alto, sino una hábil falsificación de la misma. El kitsch puede contener profundos conflictos psicológicos, pero no hay descubrimientos ni revelaciones artísticas genuinas.
El clasicismo (del latín classicus - ejemplar) es un estilo artístico en el arte, cuya base era una apelación, como estándar estético ideal, a las imágenes y formas del arte antiguo y del Renacimiento, que requería un estricto cumplimiento de una serie de reglas. y cánones.
El cosmos (del griego kosmos - mundo organizado, kosma - decoración) es una cosmovisión artística y filosófica basada en el conocimiento del Cosmos y la idea del hombre como ciudadano del Mundo, así como un microcosmos similar al Macrocosmos. . El cosmismo está asociado con el conocimiento astronómico sobre el Universo.
El cubismo (del cubo francés - cubo) es un movimiento artístico modernista que representaba objetos de la realidad descompuestos en formas geométricas simples.
El letrismo (del inglés letra - carta, mensaje) es una tendencia del modernismo basada en el uso de imágenes similares a fuentes, texto ilegible, así como composiciones basadas en letras y texto.
El metarrealismo, el realismo metafísico (del griego meta - entre y gealis - material, real) es una dirección en el arte, cuya idea principal es expresar la superconciencia, la naturaleza suprafísica de las cosas.
El minimalismo (derivado del arte minimalista inglés - arte minimalista) es un movimiento artístico basado en la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso creativo, la simplicidad y uniformidad de las formas, la monocromía y el autocontrol creativo del artista. El minimalismo se caracteriza por el rechazo de la subjetividad, la representación y el ilusionismo. Rechazando las técnicas clásicas y los materiales artísticos tradicionales, los minimalistas utilizan materiales industriales y naturales de formas geométricas simples y colores neutros (negro, gris), pequeños volúmenes y utilizan métodos de producción industrial en serie y transportadores.
Art Nouveau (derivado del francés moderne - más nuevo, moderno) es un estilo artístico en el arte en el que se reinterpretan y estilizan las características del arte de diferentes épocas utilizando técnicas artísticas basadas en los principios de asimetría, ornamentación y decoratividad.
El neoplasticismo es una de las primeras variedades del arte abstracto. Creado en 1917 por el pintor holandés P. Mondrian y otros artistas miembros de la asociación “Style”. El neoplasticismo se caracteriza, según sus creadores, por el deseo de "armonía universal", expresado en combinaciones estrictamente equilibradas de grandes figuras rectangulares, claramente separadas por líneas perpendiculares de negro y pintadas en colores locales del espectro principal (con la adición de blanco). y tonos grises).
Primitivismo, arte ingenuo, ingenuo: un estilo de pintura en el que la imagen se simplifica deliberadamente, sus formas se vuelven primitivas, como el arte popular, la obra de un niño o de un hombre primitivo.
Op art (del inglés arte óptico - arte óptico) es una dirección neovanguardista en bellas artes, en la que los efectos del movimiento espacial, la fusión y la "flotación" de formas se logran mediante la introducción de colores nítidos y contrastes tonales, rítmicos. repeticiones, la intersección de configuraciones en espiral y reticular, líneas retorcidas.
El orientalismo (del latín oriens - este) es un movimiento del arte europeo que utiliza temas, simbolismos y motivos de Oriente e Indochina.
El orfismo (del francés orphisme, de Orp?ee - Orfeo) es un movimiento de la pintura francesa de la década de 1910. El nombre lo dio en 1912 el poeta francés Apollinaire al cuadro del artista Robert Delaunay. El orfismo se asocia con el cubismo, el futurismo y el expresionismo. Las principales características de la pintura en este estilo son el esteticismo, la plasticidad, el ritmo, la gracia de las siluetas y las líneas.
Maestros del orfismo: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossinet, Fernand Léger, Morgan Russell.
El arte pop (del pop inglés - sonido abrupto, algodón ligero) es un movimiento neovanguardista en bellas artes, en el que la realidad son objetos típicos de la vida urbanizada moderna, ejemplos de la cultura de masas y todo el entorno material artificial que rodea a los humanos. .
El posmodernismo (del posmodernismo francés, después del modernismo) es un nuevo estilo artístico que se diferencia del modernismo en un regreso a la belleza de la realidad secundaria, la narrativa, la apelación a la trama, la melodía y la armonía de las formas secundarias. El posmodernismo se caracteriza por la combinación en una sola obra de estilos, motivos figurativos y técnicas artísticas tomadas de diferentes épocas, regiones y subculturas.
El realismo (del latín gealis - material, real) es una dirección del arte caracterizada por la representación de fenómenos sociales, psicológicos y de otro tipo que se acercan lo más posible a la realidad.
El rococó (derivado del rococó francés, rocaille) es un estilo artístico y arquitectónico que se originó en Francia a principios del siglo XVIII. Se distinguía por su gracia, ligereza y carácter íntimo y coqueto. Habiendo reemplazado al pesado barroco, el rococó fue a la vez el resultado lógico de su desarrollo y su antípoda artística. El rococó está unido al estilo barroco por el deseo de completar las formas; sin embargo, si el barroco gravita hacia la solemnidad monumental, el rococó prefiere la gracia y la ligereza.
El simbolismo (del simbolismo francés - signo, marca identificativa) es un movimiento artístico en el arte basado en la encarnación de las ideas principales de una obra a través de la estética asociativa polisemántica y multifacética de los símbolos.
El realismo socialista, el realismo socialista es un movimiento artístico en el arte, que es una expresión estética de un concepto de conciencia socialista del mundo y del hombre, determinado por la era de la sociedad socialista.
Hiperrealismo, superrealismo, fotorrealismo (del inglés hiperrealismo - superrealismo): una dirección en el arte basada en una reproducción fotográfica precisa de la realidad.
El surrealismo (del surrealismo francés - over + realismo) es una de las direcciones del modernismo, cuya idea principal es expresar el subconsciente (combinar sueño y realidad).
Transavantgarde (del latín trans - a través, a través y francés avantgarde - vanguardia) es una de las tendencias modernas del posmodernismo, que surgió como una reacción al conceptualismo y al arte pop. La transvanguardia abarca la mezcla y transformación de estilos nacidos en la vanguardia, como el cubismo, fauvismo, futurismo, expresionismo, etc.
El expresionismo (derivado de la expresión francesa - expresividad) es un movimiento artístico modernista que considera la imagen del mundo exterior sólo como un medio para expresar los estados subjetivos del autor.
En el siglo XVII se introdujo una división de los géneros pictóricos en “alto” y “bajo”. El primero incluía géneros históricos, bélicos y mitológicos. El segundo incluía géneros mundanos de pintura de la vida cotidiana, por ejemplo, género cotidiano, naturaleza muerta, pintura de animales, retrato, desnudo, paisaje.
Género histórico
El género histórico en la pintura no representa un objeto o persona específica, sino un momento o evento específico que tuvo lugar en la historia de épocas pasadas. Está incluido en el principal. géneros de pintura En arte. Los géneros de retratos, batallas, cotidianos y mitológicos a menudo están estrechamente entrelazados con los históricos.
"La conquista de Siberia por Ermak" (1891-1895)
Vasili Súrikov
Los artistas Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev y muchos otros pintaron sus cuadros en el género histórico.
Género mitológico
Cuentos, leyendas y mitos antiguos, folklore: la representación de estos temas, héroes y acontecimientos ha encontrado su lugar en el género mitológico de la pintura. Quizás se pueda distinguir en las pinturas de cualquier pueblo, porque la historia de cada etnia está llena de leyendas y tradiciones. Por ejemplo, una trama de la mitología griega como el romance secreto del dios de la guerra Ares y la diosa de la belleza Afrodita se representa en la pintura "Parnassus" del artista italiano llamado Andrea Mantegna.
"Parnaso" (1497)
Andrea Mantegna
La mitología en la pintura finalmente se formó durante el Renacimiento. Los representantes de este género, además de Andrea Mantegna, son Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov y otros.
Género de batalla
La pintura de batalla describe escenas de la vida militar. La mayoría de las veces se ilustran varias campañas militares, así como batallas marítimas y terrestres. Y como estas batallas a menudo están tomadas de la historia real, los géneros de batalla e históricos encuentran aquí su punto de intersección.
Fragmento del panorama “Batalla de Borodino” (1912)
Franz Roubaud
La pintura de batalla tomó forma durante el Renacimiento italiano en las obras de los artistas Miguel Ángel Buonarroti, Leonardo da Vinci y luego Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov y muchos otros pintores.
género cotidiano
Escenas de la vida cotidiana, pública o privada de la gente corriente, ya sea urbana o campesina, se representan en el género cotidiano de la pintura. Como muchos otros géneros de pintura, las pinturas cotidianas rara vez se encuentran en su propia forma, pasando a formar parte del género del retrato o del paisaje.
"Vendedor de instrumentos musicales" (1652)
Karel Fabricio
El origen de la pintura cotidiana se produjo en el siglo X en Oriente, y no se trasladó a Europa y Rusia hasta los siglos XVII-XVIII. Jan Vermeer, Karel Fabricius y Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov e Ivan Alekseevich Ermenev son los artistas más famosos de la pintura cotidiana de ese período.
género animal
Los principales objetos del género animal son los animales y aves, tanto salvajes como domésticos, y en general todos los representantes del mundo animal. Inicialmente, la pintura de animales formaba parte de los géneros de la pintura china, ya que apareció por primera vez en China en el siglo VIII. En Europa, la pintura de animales se formó solo durante el Renacimiento; en ese momento los animales eran representados como la encarnación de los vicios y virtudes humanos.
"Caballos en la pradera" (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Alberto Durero, Frans Snyders, Albert Cuyp son los principales representantes de la pintura de animales en las bellas artes.
Naturaleza muerta
El género de la naturaleza muerta representa objetos que rodean a una persona en vida. Estos son objetos inanimados combinados en un grupo. Dichos objetos pueden pertenecer al mismo género (por ejemplo, en la imagen solo se representan frutas) o pueden ser diferentes (frutas, utensilios, instrumentos musicales, flores, etc.).
"Flores en una cesta, mariposa y libélula" (1614)
Ambrosio Bosshart el Viejo
La naturaleza muerta como género independiente tomó forma en el siglo XVII. Se distinguen especialmente las escuelas de naturaleza muerta flamenca y holandesa. Representantes de una amplia variedad de estilos pintaron sus cuadros en este género, desde el realismo hasta el cubismo. Algunas de las naturalezas muertas más famosas fueron pintadas por los pintores Ambrosius Bosschaert el Viejo, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir y Willem Claes Heda.
Retrato
El retrato es un género de pintura, uno de los más comunes en las bellas artes. El objetivo de un retrato en pintura es representar a una persona, pero no solo su apariencia, sino también transmitir los sentimientos internos y el estado de ánimo de la persona retratada.
Los retratos pueden ser individuales, en pareja, grupales y también un autorretrato, que a veces se distingue como un género separado. Y el retrato más famoso de todos los tiempos, quizás, sea el cuadro de Leonardo da Vinci llamado "Retrato de Madame Lisa del Giocondo", conocido por todos como la "Mona Lisa".
"Mona Lisa" (1503-1506)
leonardo da vinci
Los primeros retratos aparecieron hace miles de años en el Antiguo Egipto: eran imágenes de faraones. Desde entonces, la mayoría de los artistas de todos los tiempos se han probado a sí mismos en este género de una forma u otra. El retrato y los géneros históricos de la pintura también pueden superponerse: la imagen de un gran personaje histórico se considerará una obra del género histórico, aunque al mismo tiempo transmitirá la apariencia y el carácter de esta persona como retrato.
Desnudo
El propósito del género del desnudo es representar el cuerpo humano desnudo. El período del Renacimiento se considera el momento del surgimiento y desarrollo de este tipo de pintura, y el objeto principal de la pintura se convirtió con mayor frecuencia en el cuerpo femenino, que encarnaba la belleza de la época.
"Concierto rural" (1510)
Tiziano
Tiziano, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso son los artistas más famosos que pintaron desnudos.
Escenario
El tema principal del género paisajístico es la naturaleza, el medio ambiente: ciudad, campo o naturaleza salvaje. Los primeros paisajes aparecieron en la antigüedad, al pintar palacios y templos, creando miniaturas e iconos. El paisaje comenzó a surgir como género independiente en el siglo XVI y desde entonces se ha convertido en uno de los géneros más populares. géneros de pintura.
Está presente en las obras de muchos pintores, empezando por Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savrasov, Edouard Manet, siguiendo con Isaac Ilyich Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque y terminando con muchos artistas contemporáneos del siglo XXI.
"Otoño dorado" (1895)
Isaac Levitán
Entre las pinturas de paisajes se pueden distinguir géneros como los paisajes marinos y urbanos.
veduta
Veduta es un paisaje cuyo objetivo es representar la apariencia de una zona urbana y transmitir su belleza y sabor. Posteriormente, con el desarrollo de la industria, el paisaje urbano se convierte en un paisaje industrial.
"Plaza de San Marcos" (1730)
Canaletto
Puede apreciar los paisajes de la ciudad conociendo las obras de Canaletto, Pieter Bruegel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin.
Puerto pequeño
Un paisaje marino o puerto deportivo representa la naturaleza del elemento marino, su grandeza. El pintor marino más famoso del mundo es quizás Ivan Konstantinovich Aivazovsky, cuyo cuadro "La novena ola" puede considerarse una obra maestra de la pintura rusa. El apogeo del puerto deportivo se produjo simultáneamente con el desarrollo del paisaje como tal.
"Velero en una tormenta" (1886)
James Butterworth
Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio y Rafael Monleon Torres también son famosos por sus paisajes marinos.
Si quieres aprender aún más sobre cómo surgieron y se desarrollaron los géneros pictóricos en el arte, mira el siguiente vídeo:
¡Tómalo tú mismo y cuéntaselo a tus amigos!
Lea también en nuestro sitio web:
mostrar más
La pintura es quizás la forma de arte más antigua. Ya en la época primitiva, nuestros antepasados hacían imágenes de personas y animales en las paredes de las cuevas. Estos son los primeros ejemplos de pintura. Desde entonces, este tipo de arte ha seguido siendo invariablemente un compañero de la vida humana. Los ejemplos de pintura actuales son numerosos y variados. Intentaremos abarcar al máximo este tipo de arte, hablar de los principales géneros, estilos, tendencias y técnicas del mismo.
Técnicas de pintura
Veamos primero las técnicas básicas de pintura. Uno de los más comunes es aceite. Esta es una técnica que utiliza pinturas a base de aceite. Estas pinturas se aplican en trazos. Con su ayuda, puede crear una variedad de tonos diferentes, así como transmitir las imágenes necesarias con el máximo realismo.
Pintura al temple- otra técnica popular. Hablamos de ello cuando se utilizan pinturas en emulsión. El aglutinante de estas pinturas es huevo o agua.
Gouache- una técnica muy utilizada en gráficos. La pintura gouache está hecha con una base adhesiva. Se puede utilizar para trabajar sobre cartón, papel, hueso o seda. La imagen es duradera y las líneas son nítidas. Pastel- Esta es una técnica de dibujo con lápices secos, y la superficie debe quedar rugosa. Y, por supuesto, cabe mencionar las acuarelas. Esta pintura suele diluirse con agua. Con esta técnica se obtiene una capa suave y fina de pintura. Particularmente popular Por supuesto, hemos enumerado solo las técnicas principales que se utilizan con mayor frecuencia en la pintura. Hay otros también.
¿Sobre qué se suelen pintar los cuadros? La pintura más popular es la sobre lienzo. Se estira sobre un marco o se pega sobre cartón. Tenga en cuenta que en el pasado los tablones de madera se utilizaban con bastante frecuencia. Hoy en día, no solo es popular pintar sobre lienzo, sino que se puede utilizar cualquier otro material plano para crear imágenes.
tipos de pintura
Hay 2 tipos principales: pintura de caballete y pintura monumental. Este último está relacionado con la arquitectura. Este tipo incluye pintar techos y paredes de edificios, decorarlos con imágenes realizadas con mosaicos u otros materiales, vidrieras, etc. La pintura de caballete no está asociada a ningún edificio específico. Se puede mover de un lugar a otro. Hay muchas variedades de pintura de caballete (también llamadas géneros). Veámoslos con más detalle.
Géneros de pintura
La palabra "género" es de origen francés. Se traduce como "género", "especie". Es decir, bajo el nombre del género hay un contenido de algún tipo, y al pronunciar su nombre entendemos de qué trata la imagen, qué encontraremos en ella: humanos, naturaleza, animales, objetos, etc.
Retrato
El género de pintura más antiguo es el retrato. Esta es una imagen de una persona que sólo se parece a sí mismo y a nadie más. En otras palabras, un retrato es una imagen pictórica de una apariencia individual, ya que cada uno de nosotros tiene un rostro individual. Este género de pintura tiene sus propias variedades. El retrato puede ser de cuerpo entero, de busto o se puede pintar solo una cara. Tengamos en cuenta que no toda imagen de una persona es un retrato, ya que el artista puede crear, por ejemplo, “una persona en general” sin copiarla de nadie más. Sin embargo, cuando representa a un representante específico de la raza humana, trabaja específicamente en un retrato. No hace falta decir que existen numerosos ejemplos de pintura de este género. Pero el retrato que se presenta a continuación es conocido por casi todos los residentes de nuestro país. Estamos hablando de la imagen de A. S. Pushkin, creada en 1827 por Kiprensky.
También puedes agregar un autorretrato a este género. En este caso, el artista se representa a sí mismo. Hay un retrato de pareja, cuando la imagen muestra personas en parejas; y un retrato de grupo, cuando se representa a un grupo de personas. También cabe destacar el retrato ceremonial, uno de los cuales es el ecuestre, uno de los más solemnes. Fue muy popular en el pasado, pero este tipo de obras son raras ahora. Sin embargo, el próximo género del que hablaremos es relevante en cualquier momento. ¿De qué estamos hablando? Esto se puede adivinar repasando los géneros que aún no hemos nombrado a la hora de caracterizar la pintura. La naturaleza muerta es una de ellas. De esto es de lo que hablaremos ahora, continuando mirando la pintura.
Naturaleza muerta
Esta palabra también es de origen francés, significa “naturaleza muerta”, aunque el significado sería más exacto “naturaleza inanimada”. La naturaleza muerta es una imagen de objetos inanimados. Son muy diversos. Tengamos en cuenta que las naturalezas muertas también pueden representar la "naturaleza viva": mariposas tranquilas sobre los pétalos, hermosas flores, pájaros y, a veces, se puede ver a una persona entre los regalos de la naturaleza. Sin embargo, seguirá siendo una naturaleza muerta, ya que la imagen de un ser vivo no es lo más importante para el artista en este caso.
Escenario
Paisaje es otra palabra francesa que significa "vista del país". Es similar al concepto alemán de "paisaje". El paisaje es una imagen de la naturaleza en su diversidad. A este género se suman las siguientes variedades: el paisaje arquitectónico y el muy popular paisaje marino, que a menudo se denomina con una sola palabra "marina", y los artistas que trabajan en él se llaman pintores marinos. En las obras de I.K. Aivazovsky se pueden encontrar numerosos ejemplos de pintura del género marino. Uno de ellos es "Rainbow" de 1873.
Esta pintura está realizada al óleo y es difícil de ejecutar. Pero crear paisajes en acuarela no es nada difícil, por eso en las lecciones de dibujo de la escuela se nos asignó esta tarea a cada uno de nosotros.
género animal
El siguiente género es animal. Aquí todo es simple: esta es una imagen de pájaros y animales en la naturaleza, en su entorno natural.
género cotidiano
El género cotidiano es una representación de escenas de la vida, la vida cotidiana, "incidentes" divertidos, la vida hogareña e historias de gente común en un entorno común. O puede prescindir de las historias: simplemente capture las actividades y los asuntos cotidianos. Estas pinturas a veces se denominan pintura de género. Como ejemplo, tomemos la obra anterior de Van Gogh (1885).
Género histórico
Los temas de la pintura son variados, pero el género histórico destaca por separado. Esta es una representación de héroes y eventos históricos. Junto a él está el género de batalla, que presenta episodios de guerra y batalla.
Género religioso y mitológico.
En el género mitológico, las obras de pintura se escriben sobre temas de cuentos antiguos y antiguos sobre dioses y héroes. Cabe señalar que la imagen es de naturaleza secular y en esto se diferencia de las imágenes de deidades presentadas en el icono. Por cierto, la pintura religiosa no se trata sólo de iconos. Reúne diversas obras escritas sobre temas religiosos.
Choque de géneros
Cuanto más rico es el contenido de un género, más aparecen sus “compañeros”. Los géneros pueden fusionarse, por lo que hay pintura que no puede situarse en el marco de ninguno de ellos. En el arte hay tanto general (técnicas, géneros, estilos) como individual (una obra específica tomada por separado). Una imagen separada también contiene algo en común. Por lo tanto, muchos artistas pueden tener el mismo género, pero los cuadros pintados en él nunca son similares. La cultura de la pintura tiene tales características.
Estilo
El estilo es un aspecto de la percepción visual de las pinturas. Puede combinar las obras de un artista o las obras de artistas de un determinado período, movimiento, escuela o localidad.
Pintura académica y realismo.
La pintura académica es una dirección especial, cuya formación está asociada a las actividades de las academias de arte europeas. Apareció en el siglo XVI en la Academia de Bolonia, desde donde se buscaba imitar a los maestros del Renacimiento. Desde el siglo XVI, los métodos de enseñanza de la pintura comenzaron a basarse en el estricto cumplimiento de normas y reglamentos, siguiendo patrones formales. El arte de París fue considerado uno de los más influyentes de Europa. Promovió la estética del clasicismo que dominó Francia en el siglo XVII. ¿Academia de París? Habiendo contribuido a la sistematización de la educación, gradualmente convirtió las reglas de la dirección clásica en dogmas. Así, la pintura académica se convirtió en una dirección especial. En el siglo XIX, algunas de las manifestaciones más destacadas del academicismo fueron las obras de J. L. Jerome, Alexandre Cabannel y J. Ingres. Los cánones clásicos fueron reemplazados por los realistas sólo a principios del siglo XIX y XX. Fue el realismo el que se convirtió en el método básico de enseñanza en las academias a principios del siglo XX y se convirtió en un sistema dogmático.
Barroco
El barroco es un estilo y una era del arte caracterizado por la aristocracia, el contraste, las imágenes dinámicas, los detalles simples al representar la abundancia, la tensión, el drama, el lujo, una fusión de realidad e ilusión. Este estilo apareció en Italia en 1600 y se extendió por toda Europa. Caravaggio y Rubens son sus representantes más destacados. El barroco a menudo se compara con el expresionismo; sin embargo, a diferencia de este último, no tiene efectos demasiado repulsivos. Las pinturas de este estilo hoy se caracterizan por la complejidad de las líneas y la abundancia de adornos.
Cubismo
El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia que surgió en el siglo XX. Su creador es Pablo Picasso. El cubismo supuso una auténtica revolución en la escultura y la pintura en Europa, inspirando la creación de movimientos similares en la arquitectura, la literatura y la música. La pintura artística de este estilo se caracteriza por objetos rotos y recombinados que tienen una forma abstracta. Al representarlos se utilizan muchos puntos de vista.
Expresionismo
El expresionismo es otro movimiento importante del arte moderno que apareció en Alemania en la primera mitad del siglo XX. Al principio abarcó sólo la poesía y la pintura, para luego extenderse a otras áreas del arte.
Los expresionistas representan el mundo subjetivamente, distorsionando la realidad para crear un mayor efecto emocional. Su objetivo es hacer pensar al espectador. La expresión en el expresionismo prevalece sobre la imagen. Cabe señalar que muchas obras se caracterizan por motivos de tormento, dolor, sufrimiento, gritos (la obra de Edvard Munch, presentada anteriormente, se llama "El grito"). Los artistas expresionistas no están interesados en absoluto en la realidad material; sus pinturas están llenas de significado profundo y experiencias emocionales.
Impresionismo
El impresionismo es un estilo de pintura destinado principalmente a trabajar al aire libre (al aire libre), más que en el estudio. Debe su nombre al cuadro “Impresión, amanecer” de Claude Monet, que se muestra en la foto de abajo.
La palabra "impresión" en inglés es impresión. Las pinturas impresionistas transmiten principalmente la sensación de luz del artista. Las principales características de la pintura en este estilo son las siguientes: trazos finos, apenas visibles; cambios en la iluminación, transmitidos con precisión (a menudo la atención se centra en el efecto del paso del tiempo); composición abierta; objetivo común simple; El movimiento como elemento clave de la experiencia y percepción humana. Los representantes más destacados de un movimiento como el impresionismo son Edgar Degas, Claude Monet y Pierre Renoir.
Modernismo
La siguiente dirección es el modernismo, que surgió como un conjunto de tendencias en diversos campos del arte a finales del siglo XIX y principios del XX. El "Salón de los Rechazados" parisino se inauguró en 1863. Artistas cuyas pinturas no fueron permitidas en el salón oficial expuesto aquí. Esta fecha puede considerarse la fecha del surgimiento del modernismo como un movimiento artístico separado. De lo contrario, al modernismo a veces se le llama “otro arte”. Su objetivo es crear pinturas únicas, diferentes a otras. La característica principal de las obras es la visión especial del mundo del autor.
Los artistas en su obra se rebelaron contra los valores del realismo. La autoconciencia es una característica sorprendente de esta dirección. Esto a menudo conduce a la experimentación con la forma, así como a una inclinación por la abstracción. Los representantes del modernismo prestan especial atención a los materiales utilizados y al proceso de trabajo. Algunos de sus representantes más destacados son Henry Matisse (su obra "La habitación roja" de 1908 se presenta arriba) y Pablo Picasso.
Neoclasicismo
El neoclasicismo fue la principal dirección de la pintura en el norte de Europa desde mediados del siglo XVIII hasta finales del XIX. Se caracteriza por un regreso a los rasgos del antiguo Renacimiento e incluso a la época del clasicismo. En términos arquitectónicos, artísticos y culturales, el neoclasicismo surgió como una respuesta al rococó, que se percibía como un estilo de arte superficial y pretencioso. Los artistas neoclásicos, gracias a su buen conocimiento de las leyes eclesiásticas, intentaron introducir cánones en sus obras. Sin embargo, evitaron simplemente reproducir motivos y temas clásicos. Los artistas neoclásicos intentaron situar sus pinturas en el marco de la tradición y demostrar así su dominio del género. En este sentido, el neoclasicismo se opone directamente al modernismo, donde la improvisación y la autoexpresión se consideran virtudes. Entre sus representantes más famosos se encuentran Nicolas Poussin y Raphael.
Arte pop
La última dirección que consideraremos es el arte pop. Apareció en Gran Bretaña a mediados de los años 50 del siglo pasado y a finales de los 50 en Estados Unidos. Se cree que el arte pop se originó como una reacción a las ideas del expresionismo abstracto dominantes en ese momento. Hablando de esta tendencia, es imposible no mencionar que en 2009 uno de sus cuadros "Ocho Elvises" se vendió por 100 millones de dólares.
Este artículo proporciona una breve descripción de los principales estilos artísticos del siglo XX. Será útil saberlo tanto para artistas como para diseñadores.
Modernismo (del francés moderne modern)
en arte, nombre colectivo de las corrientes artísticas que se establecieron en la segunda mitad del siglo XIX en forma de nuevas formas de creatividad, donde ya no prevalecía tanto seguir el espíritu de la naturaleza y la tradición, sino la mirada libre. de un maestro, libre de cambiar el mundo visible a su propia discreción, siguiendo impresiones personales, ideas internas o un sueño místico (estas tendencias continuaron en gran medida la línea del romanticismo). Sus direcciones más significativas, a menudo interactuantes activamente, fueron el impresionismo, el simbolismo y el modernismo. En la crítica soviética, el concepto de "modernismo" se aplicó ahistóricamente a todos los movimientos artísticos del siglo XX que no correspondían a los cánones del realismo socialista.
abstraccionismo(arte bajo el signo de “formas cero”, arte no objetivo) es una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, abandonando por completo la reproducción de formas del mundo real visible. Los fundadores del arte abstracto son considerados V. Kandinsky, P. Mondrian y K. Malevich. V. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando las manchas impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad. Piet Mondrian llegó a su no objetividad a través de la estilización geométrica de la naturaleza iniciada por Cézanne y los cubistas. Los movimientos modernistas del siglo XX, centrados en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo permaneciendo dentro del marco del arte. La historia del arte experimentó una revolución con la llegada del arte abstracto. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su última obra Filebo, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, a diferencia de la belleza de las formas naturales "irregulares", según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.
futurismo- movimiento literario y artístico en el arte de la década de 1910. Al asignarse el papel de prototipo del arte del futuro, el futurismo propuso como programa principal la idea de destruir los estereotipos culturales y, en cambio, ofreció una apología de la tecnología y la urbanización como principales signos del presente y del futuro. . Una idea artística importante del futurismo fue la búsqueda de una expresión plástica de la velocidad del movimiento como principal signo del ritmo de la vida moderna. La versión rusa del futurismo se llamó cybofuturismo y se basó en una combinación de los principios plásticos del cubismo francés y los principios estéticos generales europeos del futurismo a. Utilizando intersecciones, cambios, colisiones y afluencias de formas, los artistas intentaron expresar la multiplicidad fragmentada de impresiones de una persona contemporánea, un habitante de la ciudad.
Cubismo- “la revolución artística más completa y radical desde el Renacimiento” (J. Golding). Artistas: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismo - (cubismo francés, de cubo - cubo) dirección en el arte del primer cuarto del siglo XX. El lenguaje plástico del cubismo se basó en la deformación y descomposición de objetos en planos geométricos, un cambio plástico de forma. Muchos artistas rusos quedaron fascinados por el cubismo, combinando a menudo sus principios con las técnicas de otras tendencias artísticas modernas: el futurismo y el primitivismo. Una versión específica de la interpretación del cubismo en suelo ruso se ha convertido en el cubofuturismo.
Purismo- (purisme francés, del latín purus - puro) movimiento en la pintura francesa de finales de los años 10 y 20. Los principales representantes son el artista. A. Ozanfán y arquitecto SE Jeanneret (Le Corbusier). Rechazando las tendencias decorativas del cubismo y otros movimientos de vanguardia de la década de 1910 y la deformación de la naturaleza que aceptaban, los puristas se esforzaron por una transferencia racionalistamente ordenada de formas de objetos estables y lacónicas, como si estuvieran "limpias" de detalles, a la representación de Elementos “primarios”. Las obras de los puristas se caracterizan por la planitud, el ritmo suave de las siluetas luminosas y los contornos de objetos similares (jarras, vasos, etc.). Sin desarrollarse en forma de caballete, los principios artísticos del purismo, significativamente repensados, se reflejaron parcialmente en la arquitectura moderna, principalmente en los edificios de Le Corbusier.
serrealismo- un movimiento cosmopolita en la literatura, la pintura y el cine que surgió en 1924 en Francia y que oficialmente finalizó su existencia en 1969. Contribuyó significativamente a la formación de la conciencia del hombre moderno. Las principales figuras del movimiento son André Bretón- escritor, líder e inspirador ideológico del movimiento, Luis Aragón- uno de los fundadores del surrealismo, que más tarde se transformó de forma extraña en un cantante del comunismo, Salvador Dalí- artista, teórico, poeta, guionista, que definió la esencia del movimiento con las palabras: "¡El surrealismo soy yo!", un cineasta muy surrealista luis buñuel, artista Joan Miró- “la pluma más hermosa del sombrero del surrealismo”, como la llamaron Breton y muchos otros artistas de todo el mundo.
Fauvismo(del francés les fauves - salvaje (animales)) Dirección local en la pintura temprana. Siglo XX El nombre F. fue asignado burlonamente a un grupo de jóvenes artistas parisinos ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. Friez, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), que participaron conjuntamente en varias exposiciones entre 1905 y 1907, después de su primera exposición en 1905. El nombre fue adoptado por el propio grupo y se consolidó firmemente. El movimiento no tenía un programa, un manifiesto ni una teoría claramente formulados y no duró mucho, sin embargo, dejó una huella notable en la historia del arte. Sus participantes en esos años estaban unidos por el deseo de crear imágenes artísticas exclusivamente con la ayuda de colores abiertos extremadamente brillantes. Desarrollando los logros artísticos de los postimpresionistas ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), apoyándose en algunas técnicas formales del arte medieval (vidrieras, arte románico) y grabados japoneses, populares en los círculos artísticos de Francia desde la época de los impresionistas, los fauvistas buscaron maximizar el uso de las posibilidades coloristas de la pintura.
Expresionismo(de la expresión francesa - expresividad) - un movimiento modernista en el arte de Europa occidental, principalmente en Alemania, en el primer tercio del siglo XX, que surgió en un período histórico determinado, en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La base ideológica del expresionismo fue una protesta individualista contra el mundo feo, la creciente alienación del hombre del mundo, el sentimiento de falta de hogar, el colapso y el colapso de aquellos principios sobre los que la cultura europea parecía descansar tan firmemente. Los expresionistas se caracterizan por una afinidad por el misticismo y el pesimismo. Técnicas artísticas características del expresionismo: rechazo del espacio ilusorio, deseo de una interpretación plana de los objetos, deformación de los objetos, amor por las disonancias coloridas agudas, una coloración especial que contiene drama apocalíptico. Los artistas percibieron la creatividad como una forma de expresar emociones.
suprematismo(del latín supremus - más alto, más alto; primero; último, extremo, aparentemente, a través del polaco supremacja - superioridad, supremacía) La dirección del arte de vanguardia del primer tercio del siglo XX, cuyo creador, principal representante y teórico fue un artista ruso Kazimir Malevich. El término en sí no refleja la esencia del suprematismo. De hecho, en opinión de Malevich, esta es una característica evaluativa. El suprematismo es la etapa más alta del desarrollo del arte en el camino de la liberación de todo lo extraartístico, en el camino de la identificación última de lo no objetivo, como esencia de cualquier arte. En este sentido, Malevich consideraba suprematista (o “supremacista”) el arte ornamental primitivo. Primero aplicó este término a un gran grupo de sus pinturas (39 o más) que representan abstracciones geométricas, incluido el famoso "Cuadrado Negro" sobre un fondo blanco, "Cruz Negra", etc., exhibido en la exposición futurista de Petrogrado "Cero- Diez" en 1915. Fueron estas y otras abstracciones geométricas similares las que dieron lugar al nombre de suprematismo, aunque el propio Malevich le atribuyó muchas de sus obras de los años 20, que aparentemente contenían algunas formas de objetos específicos, especialmente figuras humanas, pero conservaban el “espíritu suprematista”. Y, de hecho, los desarrollos teóricos posteriores de Malevich no dan motivos para reducir el suprematismo (al menos por parte del propio Malevich) sólo a abstracciones geométricas, aunque, por supuesto, constituyen su núcleo, esencia e incluso (en blanco y negro y en blanco). suprematismo blanco) llevan la pintura al límite de su existencia en general como forma de arte, es decir, al cero pictórico, más allá del cual ya no hay pintura misma. Este camino fue continuado en la segunda mitad del siglo por numerosas tendencias en la actividad artística que abandonaron los pinceles, las pinturas y los lienzos.
ruso vanguardia La década de 1910 presenta un panorama bastante complejo. Se caracteriza por un rápido cambio de estilos y tendencias, una abundancia de grupos y asociaciones de artistas, cada uno de los cuales proclamó su propio concepto de creatividad. Algo parecido ocurrió en la pintura europea de principios de siglo. Sin embargo, la mezcla de estilos, la “confusión” de tendencias y direcciones eran desconocidas en Occidente, donde el movimiento hacia nuevas formas fue más consistente. Muchos maestros de la generación más joven se movieron con extraordinaria rapidez de un estilo a otro, de una etapa a otra, del impresionismo al modernismo, luego al primitivismo, el cubismo o el expresionismo, pasando por muchas etapas, lo cual era completamente atípico para los maestros de la pintura francesa o alemana. . La situación que se desarrolló en la pintura rusa se debió en gran medida al ambiente prerrevolucionario que reinaba en el país. Agravó muchas de las contradicciones inherentes a todo el arte europeo en su conjunto, porque Los artistas rusos aprendieron de modelos europeos y conocían bien diversas escuelas y movimientos artísticos. La peculiar “explosión” rusa en la vida artística jugó así un papel histórico. En 1913, fue el arte ruso el que alcanzó nuevas fronteras y horizontes. Apareció un fenómeno completamente nuevo de no objetividad: una línea más allá de la cual los cubistas franceses no se atrevieron a cruzar. Uno tras otro cruzan esta línea: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.
cubofuturismo Dirección local en la vanguardia rusa (en pintura y poesía) de principios del siglo XX. En las bellas artes, el cubofuturismo surgió a partir de un replanteamiento de los hallazgos pictóricos, el cubismo, el futurismo y el neoprimitivismo ruso. Las principales obras fueron realizadas en el período 1911-1915. Las pinturas más características del cubofuturismo provienen del pincel de K. Malevich, y también fueron pintadas por Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster. Las primeras obras cubofuturistas de Malevich se exhibieron en la famosa exposición de 1913. “Target”, en el que también debutó el rayismo de Larionov. En apariencia, las obras cubo-futuristas se hacen eco de las composiciones de F. Léger creadas al mismo tiempo y son composiciones semi-objetivas compuestas de formas volumétricas huecas cilíndricas, cónicas, de matraz y de concha, que a menudo tienen un brillo metálico. Ya en las primeras obras similares de Malevich se nota una tendencia hacia la transición del ritmo natural a los ritmos puramente mecánicos del mundo de las máquinas ("El carpintero", 1912, "El molinillo", 1912, "Retrato de Klyun", 1913). .
Neoplasticismo- una de las primeras variedades del arte abstracto. Creado en 1917 por el pintor holandés P. Mondrian y otros artistas miembros de la asociación “Style”. El neoplasticismo se caracteriza, según sus creadores, por el deseo de "armonía universal", expresado en combinaciones estrictamente equilibradas de grandes figuras rectangulares, claramente separadas por líneas perpendiculares de negro y pintadas en colores locales del espectro principal (con la adición de blanco). y tonos grises). Neoplasticismo (Nouvelle plastique) Este término apareció en Holanda en el siglo XX. Piet Mondrian definió para ellos sus conceptos plásticos, erigido en sistema y defendido por el grupo y la revista “Style” (“De Stiji”) fundado en Leiden en 1917. La característica principal del neoplasticismo fue el uso estricto de los medios expresivos. Para construir una forma, el neoplasticismo sólo permite líneas horizontales y verticales. La intersección de líneas en ángulo recto es el primer principio. Hacia 1920 se le añadió un segundo que, eliminando la pincelada y enfatizando el plano, limita los colores a rojo, azul y amarillo, es decir. Tres colores primarios puros a los que sólo se les puede añadir el blanco y el negro. Con la ayuda de este rigor, el neoplasticismo pretendía ir más allá de la individualidad para alcanzar el universalismo y crear así una nueva imagen del mundo.
"Bautismo" oficial orfismo ocurrió en el Salón de los Independientes de 1913. Así escribió el crítico Roger Allard en su informe sobre el Salón: “... observemos para los futuros historiadores que en 1913 nació una nueva escuela de orfismo...” (“La Côte ”París 19 de marzo de 1913). Otro crítico, André Varnaud, se hizo eco de ello: “El Salón de 1913 estuvo marcado por el nacimiento de una nueva escuela de la escuela órfica” (“Comoedia”, París, 18 de marzo de 1913). Finalmente Guillaume Apollinaire Reforzó esta afirmación exclamando, no sin orgullo: “Esto es orfismo. Es la primera vez que aparece esta dirección que yo predije” (“¡Montjoie!” Suplemento de París del 18 de marzo de 1913). De hecho, este término fue inventado apollinario(El orfismo como culto a Orfeo) y se afirmó públicamente por primera vez durante una conferencia sobre pintura moderna impartida en octubre de 1912. ¿Qué quiso decir? Parece que él mismo no lo sabía. Además, no sabía cómo definir los límites de esta nueva dirección. De hecho, la confusión que reina hasta el día de hoy se debió a que Apollinaire, sin saberlo, confundió dos problemas que están interconectados, por supuesto, pero antes de intentar conectarlos debería haber enfatizado sus diferencias. Por un lado, la creación Delaunay medios de expresión pictóricos basados íntegramente en el color y, por otro lado, la expansión del cubismo debido al surgimiento de varias direcciones diferentes. Tras romper con Marie Laurencin a finales del verano de 1912, Apollinaire buscó refugio en la familia Delaunay, que lo recibió con amistosa comprensión en su taller de la calle Grand-Augustin. Este mismo verano, Robert Delaunay y su esposa experimentaron una profunda evolución estética que condujo a lo que más tarde llamó el “período destructivo” de la pintura basada únicamente en las cualidades constructivas y espacio-temporales de los contrastes de color.
Posmodernismo (posmoderno, posvanguardista) -
(del latín post “después” y modernismo), nombre colectivo de las corrientes artísticas que se hicieron especialmente claras en la década de 1960 y se caracterizan por una revisión radical de la posición del modernismo y las vanguardias.
Expresionismo abstracto Etapa de desarrollo del arte abstracto de la posguerra (finales de los años 40 y 50 del siglo XX). El término en sí fue introducido en los años 20 por un crítico de arte alemán. E. von Sydow (E. von Sydow) para referirse a determinados aspectos del arte expresionista. En 1929, el estadounidense Barr lo utilizó para caracterizar las primeras obras de Kandinsky, y en 1947 las calificó de “expresionistas abstractas”. Willem de Kooning Y abadejo. Desde entonces, el concepto de expresionismo abstracto se ha consolidado detrás de un campo bastante amplio, estilística y técnicamente variado de la pintura abstracta (y más tarde de la escultura), que recibió un rápido desarrollo en los años 50. en Estados Unidos, en Europa y luego en todo el mundo. Los antepasados directos del expresionismo abstracto se consideran tempranos. Kandinski, expresionistas, órfistas, en parte dadaístas y surrealistas con su principio de automatismo mental. La base filosófica y estética del expresionismo abstracto fue en gran medida la filosofía del existencialismo, popular en el período de posguerra.
Confeccionado(Ready-made en inglés - listo) El término fue introducido por primera vez en el léxico histórico del arte por el artista. marcel duchamp designar como obras de arte sus obras, que son objetos de uso utilitario, retiradas del entorno de su funcionamiento normal y, sin ningún cambio, expuestas en una exposición de arte. Los ready-mades afirmaron una nueva visión de las cosas y de la cosidad. Un objeto que había dejado de cumplir sus funciones utilitarias y estaba incluido en el contexto del espacio del arte, es decir, se había convertido en un objeto de contemplación no utilitaria, comenzó a revelar nuevos significados y movimientos asociativos, desconocidos para el arte tradicional. o a la esfera utilitaria cotidiana de la existencia. El problema de la relatividad de lo estético y lo utilitario ha surgido de forma aguda. El primer confeccionado Duchamp expuesto en Nueva York en 1913. Los más notorios son sus readymades. "Rueda de bicicleta" de acero (1913), "Secador de botellas" (1914), "Fuente" (1917): así se designó un urinario común.
Arte pop. Después de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos desarrolló una gran clase social de personas que ganaban suficiente dinero para comprar bienes que no eran particularmente importantes para ellos. Por ejemplo, el consumo de bienes: Coca Cola o jeans Levi's se convierten en un atributo importante de esta sociedad. Una persona que utiliza tal o cual producto demuestra su pertenencia a una determinada clase social. La cultura de masas se estaba formando ahora. Las cosas se convirtieron en símbolos, estereotipos. El arte pop utiliza necesariamente estereotipos y símbolos. Arte pop(arte pop) encarnó la búsqueda creativa de los nuevos estadounidenses, que se basaron en los principios creativos de Duchamp. Este: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, y otros. El arte pop adquiere la importancia de la cultura de masas, por lo que no es sorprendente que se haya formado y se haya convertido en un movimiento artístico en Estados Unidos. Sus personas de ideas afines: Hamelton R, tono China elegido como autoridad kurt schwieters. El arte pop se caracteriza por una obra de ilusión que explica la esencia del objeto. Ejemplo: pastel K. Oldenburgo, representado en varias variantes. Un artista no puede representar un pastel, sino disipar ilusiones y mostrar lo que una persona realmente ve. R. Rauschenberg también es original: pegó varias fotografías al lienzo, las perfiló y adjuntó una especie de peluche a la obra. Una de sus obras famosas es un erizo de peluche. También son muy conocidas sus pinturas, en las que utilizó fotografías de Kenedy.
Primitivismo (arte ingenuo). Este concepto se utiliza en varios sentidos y en realidad es idéntico al concepto "arte primitivo". En diferentes idiomas y diferentes científicos, estos conceptos se utilizan con mayor frecuencia para designar la misma gama de fenómenos en la cultura artística. En ruso (como en otros países), el término "primitivo" tiene un significado algo negativo. Por tanto, es más apropiado detenerse en el concepto. arte ingenuo. En el sentido más amplio, esto se refiere a las bellas artes, caracterizadas por la simplicidad (o simplificación), la claridad y la espontaneidad formal del lenguaje figurativo y expresivo, con la ayuda de las cuales se expresa una visión especial del mundo, no agobiada por las convenciones de la civilización. El concepto apareció en la nueva cultura europea de los últimos siglos y, por tanto, refleja las posiciones e ideas profesionales de esta cultura, que se consideraba la etapa más alta de desarrollo. Desde estas posiciones, el arte ingenuo también incluye el arte arcaico de los pueblos antiguos (anteriores a las civilizaciones egipcias o griegas antiguas), por ejemplo, el arte primitivo; el arte de los pueblos retrasados en su desarrollo cultural y civilizacional (poblaciones indígenas de África, Oceanía, indios americanos); arte amateur y no profesional a gran escala (por ejemplo, los famosos frescos medievales de Cataluña o el arte no profesional de los primeros colonos americanos procedentes de Europa); numerosas obras del llamado “gótico internacional”; arte popular; finalmente, el arte de talentosos artistas primitivistas del siglo XX, que no recibieron una educación artística profesional, pero que sintieron el don de la creatividad artística y se dedicaron a su implementación independiente en el arte. Algunos de ellos (francés A. Rousseau, C. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, Americano SOY. robertson etc.) crearon verdaderas obras maestras artísticas que se incluyen en el tesoro del arte mundial. El arte ingenuo, en su visión del mundo y los métodos de su presentación artística, se acerca algo al arte de los niños, por un lado, y al la creatividad de los enfermos mentales, por el otro. Sin embargo, en esencia se diferencia de ambos. Lo más parecido al arte infantil en la cosmovisión es el arte ingenuo de los pueblos arcaicos y aborígenes de Oceanía y África. Su diferencia fundamental con el arte infantil radica en su profundo carácter sagrado, tradicionalismo y canonicidad.
arte neto(Net Art - del inglés net - network, art - art) El tipo de arte más nuevo, las prácticas artísticas modernas, que se desarrollan en las redes informáticas, en particular en Internet. Sus investigadores en Rusia, que también contribuyen a su desarrollo, O. Lyalina y A. Shulgin, creen que la esencia del Net art se reduce a la creación de espacios comunicativos y creativos en Internet, garantizando a todos total libertad de existencia en línea. Por tanto, la esencia del Net art. no representación, sino comunicación, y su unidad artística única es un mensaje electrónico. Hay al menos tres etapas en el desarrollo del Net art, que surgió en los años 80 y 90. Siglo XX La primera fue cuando los aspirantes a artistas de Internet crearon imágenes a partir de letras e íconos que se encontraban en el teclado de una computadora. El segundo comenzó cuando llegaron a Internet los artistas underground y cualquiera que quisiera mostrar algo de su creatividad.
ARTE ABSTRACTO(Op-art inglés - versión abreviada del arte óptico - arte óptico) - un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que utiliza diversas ilusiones visuales basadas en las peculiaridades de la percepción de figuras planas y espaciales. El movimiento continúa la línea racionalista del tecnicismo (modernismo). Se remonta al llamado abstraccionismo “geométrico”, cuyo representante fue V. Vasarely(de 1930 a 1997 trabajó en Francia) - el fundador del op art. Las posibilidades del Op art han encontrado alguna aplicación en gráficos industriales, carteles y arte de diseño. La dirección del op art (arte óptico) se originó en los años 50 dentro del abstraccionismo, aunque esta vez era de un tipo diferente: la abstracción geométrica. Su difusión como movimiento se remonta a los años 60. Siglo XX
Pintada(graffiti - en arqueología, cualquier dibujo o letra rayada en cualquier superficie, del italiano graffiare - rayar) Así se designan las obras de la subcultura, que son principalmente imágenes de gran formato en las paredes de edificios públicos, estructuras, vehículos, realizado con varios tipos de pistolas pulverizadoras y latas de pintura en aerosol. De ahí otro nombre para el "arte en aerosol": Spray-art. Su origen está asociado a la aparición masiva de graffitis. en los años 70 en los vagones del metro de Nueva York y luego en las paredes de edificios públicos y contraventanas de tiendas. Los primeros autores de graffiti. Se trataba en su mayoría de artistas jóvenes desempleados de minorías étnicas, principalmente puertorriqueños, por lo que los primeros Graffiti mostraban algunos rasgos estilísticos del arte popular latinoamericano, y por el solo hecho de aparecer en superficies no destinadas a ello, sus autores protestaron contra su posición privada de derechos. A principios de los años 80. Se formó toda una corriente de maestros casi profesionales de G.. Se conocieron sus nombres reales, antes ocultos bajo seudónimos ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VISTO, DAZE). Algunos de ellos trasladaron su técnica al lienzo y comenzaron a exponer en galerías de Nueva York, y pronto aparecieron los graffitis en Europa.
HIPERREALISMO(hiperrealismo - inglés), o fotorrealismo (fotorrealismo - inglés) - artístico. un movimiento de pintura y escultura basado en la fotografía y la reproducción de la realidad. Tanto en su práctica como en sus orientaciones estéticas hacia el naturalismo y el pragmatismo, el hiperrealismo se acerca al arte pop. Les une principalmente un retorno a la figuratividad. Actúa como una antítesis del conceptualismo, que no sólo rompió con la representación, sino que también cuestionó el principio mismo de la realización material del arte. concepto.
Arte terrestre(del inglés land art - arte de la tierra), una dirección en el arte del último tercioXXc., basado en la utilización de un paisaje real como principal material y objeto artístico. Los artistas cavan trincheras, crean extraños montones de piedras, pintan rocas y eligen para sus obras lugares generalmente desiertos, paisajes vírgenes y salvajes, como si intentaran devolver el arte a la naturaleza. gracias a su<первобытному>En apariencia, muchas acciones y objetos de este tipo se acercan a la arqueología, así como al fotoarte, ya que la mayoría del público sólo puede contemplarlos en una serie de fotografías. Parece que tendremos que aceptar otra barbarie más en el idioma ruso. No sé si es casualidad que el término<лэнд-арт>apareció al final años 60, en una época en que en las sociedades desarrolladas el espíritu rebelde de los estudiantes dirigía sus fuerzas hacia el derrocamiento de los valores establecidos.
MINIMALISMO(arte minimalista - inglés: arte minimalista) - artista. un flujo que surge de la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso creativo, la sencillez y uniformidad de las formas, la monocromía, la creatividad. El autocontrol del artista. El minimalismo se caracteriza por el rechazo de la subjetividad, la representación y el ilusionismo. Rechazando lo clásico Técnicas de creatividad y tradición. artista Materiales, los minimalistas utilizan materiales industriales y naturales de formas geométricas simples. Se utilizan formas y colores neutros (negro, gris), pequeños volúmenes, en serie, métodos de transporte de producción industrial. Un artefacto en el concepto minimalista de creatividad es un resultado predeterminado del proceso de su producción. Habiendo recibido su desarrollo más completo en la pintura y la escultura, el minimalismo, interpretado en un sentido amplio como economía del arte. medios, ha encontrado aplicación en otras formas de arte, principalmente teatro y cine.
El minimalismo se originó en los Estados Unidos en el carril. piso. años 60 Sus orígenes se encuentran en el constructivismo, el suprematismo, el dadaísmo, el arte abstracto y el amer formalista. pintura de los años 50, arte pop. Directamente precursor del minimalismo. es americano artista f. estela, quien presentó en 1959-60 una serie de “Pinturas Negras”, donde primaban las líneas rectas y ordenadas. Las primeras obras minimalistas aparecen en 1962-63. El término "minimalismo". pertenece a R. Wollheim, quien lo introduce en relación con el análisis de la creatividad Sr. Duchamp y artistas pop que minimizan la intervención del artista en el entorno. Sus sinónimos son “arte genial”, “arte ABC”, “arte serial”, “estructuras primarias”, “arte como proceso”, “sistemático”. cuadro". Entre los minimalistas más representativos se encuentran K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman. Les une el deseo de encajar el artefacto en el entorno, de jugar con la textura natural de los materiales. D. Zhad lo define como “específico”. objeto”, diferente al clásico. obras de plastico letras Independientemente, la iluminación juega un papel importante como forma de crear arte minimalista. situaciones, soluciones espaciales originales; Se utilizan métodos informáticos para crear obras.
