Es muy sencillo. Como siempre pasa con Velásquez, todo es obvio, sólo hay que poder mirar y tratar de entender lo que se mira. El espectador ve el mismo momento en que se destruyen las defensas de la ciudad. El asedio terminó con la victoria de los sitiadores y la ciudad cayó.
Mis colegas de Oxford me proporcionaron materiales y artículos dedicados tanto a esta pintura como al asedio de Breda y, como resultó, ya se está discutiendo el hecho de la imagen del caballo de Troya en relación con el asedio de Breda y este hecho. generalmente se considera probado. Textos fundamentados muestran que el tipo de asedio de Breda durante la vida de Velázquez se denominó “método del Caballo de Troya”. No sabía eso. Pero Velázquez lo sabía. Y los científicos han descubierto este hecho. Me alegro de haber llegado a esta conclusión por mi cuenta.
Esta imagen, como cualquier otra imagen, necesita ser estudiada, examinada e interpretada. Y al estudiar una imagen debes confiar en tus ojos y tus sentimientos, siempre que tus ojos y tus sentimientos no estén llenos de conocimientos superficiales e información aleatoria. Cuando mires un gran cuadro, asume que el artista es una persona muy inteligente, trata de escucharlo atentamente, como escucharías a un adulto inteligente y experto en su campo si te dijera algo. Hay una historia contada por Ehrenburg sobre cómo el escritor Fadeev, en la exposición de Picasso en Moscú, le dijo al artista que las imágenes de las pinturas le resultaban incomprensibles, Fadeev. Picasso le preguntó:
Fadeev pensó y no volvió a abrir la boca. Queridos ciudadanos. La cultura visual del mundo es extremadamente rica en imágenes diferentes. Para leerlos, debes intentar reconocerlos y compararlos. Agregue al menos M y A. Sin esta ciencia, no podrá comprender las imágenes visuales. Teniendo en cuenta que la cultura del Renacimiento es 70% cultura visual, corremos el riesgo de seguir siendo salvajes. Por desgracia, este es exactamente el caso. Las imágenes son difíciles de leer. Cada imagen está sujeta a cuatro interpretaciones sucesivas. Dante escribe extensamente sobre esto en su tratado Banquete y Tomás de Aquino. Según Dante y St. Tomás hay:
1) lectura literal de la imagen, 2) interpretación alegórica, 3) interpretación moral y didáctica, 4) metafísica.
Pero incluso sin estos hombres inteligentes, deberías haber adivinado por ti mismo que algunas cosas deben entenderse literalmente, otras en sentido figurado, otras como una lección y otras como una generalización. La imagen conecta todo. Una imagen es un fenómeno integral. Necesitamos observar y estudiar.
Pero volvamos a Velásquez. Cuadro "Rendición de Breda".
1. Entonces, el primer nivel de interpretación es una lectura literal de la imagen. ¿Qué se muestra exactamente en esta imagen? El cuadro “La rendición de Breda” representa el momento en que el comandante español Spinola recibe las llaves de manos del comandante de la guarnición de la ciudad holandesa de Breda. Se representan soldados y un paisaje, así como dos caballos, uno de los cuales es grande, en primer plano, cubriendo una cuarta parte del cuadro y dando la espalda al espectador.
Los caballos caminan en círculo, creando una especie de imagen especular de la composición. Pero el caballo en primer plano llama la atención precisamente porque es el héroe de la imagen. Esta posición dominante del caballo y, en general, el significado del caballo, claramente exagerado en esta composición, debería ayudar al espectador a pasar al segundo nivel de interpretación: alegórico.
2. El segundo nivel de interpretación de la imagen es alegórico o simbólico. Y en este caso, es apropiado suponer que Velázquez tenía en mente el prototipo de cualquier asedio, el asedio de Troya, y representaba el Caballo de Troya. ¿Y cómo puede un intelectual (Velázquez lo fue), hablando de un largo asedio, no recordar Troya? Y si en primer plano aparece un caballo, entonces (perdón por ser contundente) habría que ser un tonto para no pensar en el caballo de Troya. El caballo está representado vivo, no de madera. Pero para cualquiera interesado en la pintura española, el cuadro “Laocoonte” de El Greco es memorable, donde el Caballo de Troya está representado vivo en el centro del cuadro, exactamente en la misma perspectiva y exactamente en el mismo color.
La pintura "Laocoonte" se completó 20 años antes que la pintura "La rendición de Breda" y ahora, basándome en el análisis de la pintura de Velázquez, puedo argumentar que El Greco tenía en mente no solo Troya, sino también el Imperio español y también tenía en mente Tenga en cuenta la captura de Breda, pero hablaremos más sobre eso a continuación. Por ahora, sobre la influencia del caballo de Elgreek en la pintura de Velázquez. Incluso se podría decir que este caballo en primer plano es una cita del cuadro de El Greco. Sin embargo, esto no es todo. Resulta que existe una historia del asedio de Breda en la que el motivo del Caballo de Troya no sólo se destacó, sino que se volvió central. Breda cambió de manos tres veces. En 1590, mientras Breda todavía estaba en manos de los Habsburgo, los soldados holandeses, escondidos en una barcaza de turba, entraron en la ciudad y la tomaron, abriendo las puertas al ejército holandés. Los propios holandeses y españoles llamaron a esta hazaña el “Caballo de Troya”, y se erigió una barcaza de madera en el centro de la ciudad, tal como había habido un caballo de madera en Troya. Sobre este tema se acuñaron canciones, himnos y medallas. Breda, como el "Caballo de Troya" holandés, se hizo conocida entre los españoles. Lo primero que hizo el comandante Spinola después de tomar la ciudad fue quemar una barcaza de madera, símbolo de la victoria troyana. Como vemos, en el cuadro de Velázquez hay DOS caballos; Representa una especie de enroque de caballos de Troya, expresando la simple idea de que la felicidad militar es cambiante. Sin embargo, Velázquez ni siquiera sospechaba lo sabio que era con este símbolo, porque un par de años después de pintar este cuadro de Breda, los holandeses volvieron a tomar el Caballo de Troya: restauraron su barcaza de madera y la devolvieron a la plaza. La historia de este caballo de Troya, retratada por Velázquez literalmente y de tal manera que queda claro cómo los caballos de Troya se reemplazan entre sí en una danza circular de éxitos militares, puedes leerla en el artículo cuyo enlace doy a continuación.
3. El tercer nivel de interpretación es moral. Este es un aspecto difícil de interpretación, ya que Velázquez es a la vez simbolista y realista. Escribe misericordia, pero también escribe guerra, sospecha y fatiga. Se trata de reconciliación. Sin embargo, los intérpretes de las poses del cuadro de Velázquez vieron que el artista, para representar el consentimiento, tomó un emblema del entonces famoso libro de emblemas del italiano Alchato, que representaba a los dánaos trayendo regalos. También proporciono un enlace a este artículo. Es decir, aquí se reconfirma la idea de la caída de Troya y del Caballo de Troya, pero también se dice que el regalo de los vencidos puede no ser del todo sincero y esa humildad y acuerdo son efímeros. No olvidemos que los caballos de Troya caminan en círculos. Como vemos a continuación, Velázquez resultó ser un vidente: la ciudad de Breda fue nuevamente tomada por los holandeses. El caballo de Troya entró una vez más. La lección moral, la lección didáctica de esta composición: la fragilidad de la unión, la fragilidad y vulnerabilidad de la misericordia.
4. El cuarto nivel de interpretación es anagógico, metafísico. Este nivel depende y no depende de todos los anteriores. Este nivel de lectura de la imagen está más allá de las connotaciones históricas, está por encima de la lectura literal e incluso alegórica. Esta imagen trata sobre la interpenetración de los corazones, sobre el hecho de que la suerte de una persona es cambiante, que no hay ni ganador ni perdedor, pero todo y en todas partes está impregnado de amor, además de la guerra y el humo de los incendios. Sólo así, percibiendo el cuadro en su totalidad, se puede comprenderlo. Cualquier otra interpretación, vulgar y literal, no tiene sentido.
Diego Velázquez - Rendición de Breda.
Año de creación: 1634
La rendición de Breda o Las lanzas
Lienzo, óleo.
Tamaño original: 307 × 367 cm
Museo del Prado, Madrid
“La rendición de Breda” (en español: La rendición de Breda o “Las lanzas”, Las lanzas) es una pintura de Diego Velázquez, pintada en 1634-1635. Representa la escena de la entrega de las llaves de la ciudad holandesa de Breda por parte de su gobernador Justino de Nassau al comandante en jefe de las tropas españolas, Ambrosio Spinola, el 5 de junio de 1625. El segundo nombre del lienzo es “Lanzas” debido a que casi un tercio del lienzo lo ocupa la imagen de las lanzas del ejército español, que forman una parte importante de la composición. El cuadro está en el Prado.
Descripción del cuadro de Diego Velázquez “La rendición de Breda”
La trama de la mundialmente famosa pintura "La rendición de Breda" del artista más talentoso de la España del siglo XVII, Diego Velázquez, fue escrita en base a hechos históricos reales que ocurrieron durante la vida del artista. Fue allí, en la fortaleza de Breda, en la provincia de Brabante Septentrional, cerca de los Países Bajos, donde se firmó un sensacional compromiso sobre la renuncia a la persecución religiosa del rey Felipe II, acusado en ese momento de blasfemia.
La misma fortaleza fue el centro de las guerras europeas por el poder en esta región durante la larga Guerra de los Treinta Años de 1618-48. La fortaleza pasó muchas veces a diferentes manos durante este tiempo hasta el final de muchos años de guerra sangrienta y la ascensión al trono del rey Felipe IV. El lienzo representa un momento histórico importante para el país: la recepción por parte del comandante en jefe español, bajo cuyo liderazgo se realizaron la mayoría de las impresionantes conquistas de España al comienzo de la Guerra de los Treinta Años, Ambrosio Spinola, la recepción de las llaves. a la famosa fortaleza de Breda.
Luego, al comienzo de la Guerra de los Treinta Años, España, que luchó contra las Repúblicas de las Provincias Unidas, tuvo un gran éxito, gracias al cual la mayoría de las tierras holandesas pasaron a España. Además, en esos mismos años, España resistió con éxito a otros países europeos, entre los que se encontraban Inglaterra y Portugal. Es cierto que un poco más tarde el país quedó significativamente debilitado por largas guerras y España tuvo que renunciar a algunas de las conquistas realizadas en esos años, incluso en los Países Bajos.
El lienzo fue completado por el maestro en 1635, en medio de brutales batallas sangrientas, y estaba destinado a ser exhibido en el Gran Salón del nuevo castillo, que perteneció al rey Felipe IV, que ocupaba el trono en ese momento, Buen Retiro.
El famoso cuadro del legendario artista español del siglo XVII Diego Velázquez, titulado "La rendición de Breda", fue pintado por él en 1635 basándose en hechos históricos reales que tuvieron lugar en Europa durante su vida. La pintura en sí estaba destinada al llamado Gran Salón del nuevo palacio del rey Felipe IV Buen Retiro, que gobernaba España en ese momento.
Acerca de la imagen:
La trama de la película se basó íntegramente en acontecimientos históricos, y las acciones que se desarrollaron en ella estaban relacionadas con la situación en torno a la fortaleza de Breda, ubicada en la provincia holandesa de Brabante Septentrional. Fue en esta ciudad donde se firmó el famoso compromiso de protesta contra la persecución religiosa del rey Felipe II, acusado, de hecho, de blasfemia.
Fue la fortaleza de Breda el centro de la lucha de los ejércitos de muchos países europeos por el dominio de la región durante la llamada Guerra de los Treinta Años, que duró de 1618 a 1648. Durante todo este tiempo, hasta que el rey Felipe IV ascendió al trono de España, Breda cambió de manos varias veces durante las hostilidades.
Fue en los primeros años de la Guerra de los Treinta Años cuando las tropas españolas, luchando contra el ejército de la República de las Provincias Unidas de los Países Bajos, lograron éxitos bastante importantes, como resultado de lo cual un gran número de holandeses territorios pasaron a España. Además, después de esto, España resistió con éxito a sus otros oponentes, incluidos los británicos y los portugueses.
La pintura representa el importante momento de la entrega de las llaves de la fortaleza de Breda al comandante en jefe español Ambrosio Spinola, quien precisamente fue capaz de lograr éxitos tan impresionantes para su país. Aunque al poco tiempo España se vio debilitada económicamente por la guerra y tuvo que renunciar a varias de sus conquistas, incluida Holanda.
Colores de la imagen:
La pintura tiene una combinación de colores rica e intensa, pero completamente en el espíritu del artista, sin el uso de colores llamativos o demasiado brillantes. Este espectacular lienzo todavía impresiona por la habilidad de la pintura y la belleza de la imagen.
La pintura tiene otro nombre: "Lanzas". Antes de Velázquez, muchos representaban tales armas, pero sólo su empalizada de largas lanzas puede considerarse una personificación real de la guerra.
Descripción del cuadro de D. Velázquez “La rendición de Breda”
Diego Velázquez es una fuente siempre viva de verdad y belleza, cuyo mayor legado abre toda una era en la pintura realista, una obra que permanecerá para siempre en nuestros corazones y mentes. Sus obras transmiten las ideas del humanismo, la lealtad a la tradición democrática de la cultura española y el amor por la gente corriente. De manera más directa y audaz que sus predecesores, se volvió hacia la realidad, ampliando los temas de la pintura y promoviendo el desarrollo de diversos géneros en ella.
Estoy especialmente interesado en el cuadro de batalla histórico, “La rendición de Breda”, que escribió alrededor de 1634-1635. La pintura representa un tema histórico contemporáneo e importante para él: un episodio dramático de la guerra entre la España monárquica y la Holanda republicano-burguesa, cuando el ejército español conquistó la fortaleza fronteriza de Breda. Es indicativo que el pintor no transmitió esta escena con la solemnidad aceptada, la majestuosidad del bando victorioso: habiendo abandonado la interpretación alegórica ceremonial de la escena de la batalla, común en la pintura, el maestro recurre a la idea de humanidad, humanidad. ; Velázquez sentó las bases del realismo en la pintura histórica.
Al admirar esta obra, quería comprender las intenciones del artista, sentir la difícil época en la que vivió y trabajó como maestro. Encuentre la respuesta a una solución inusual, innovadora y verdaderamente audaz para el lienzo. Para responder a estas preguntas, volvamos a la época histórica en la que se creó este lienzo “de época y al mismo tiempo tan humano”.
Considerando el arte de Velázquez en el contexto de su época, vi cómo se desarrolló orgánica y naturalmente su talento, conectado con las tradiciones del Rinascimento italiano y con las tendencias de los tiempos modernos. La vida en Madrid, que le dio a Velázquez la oportunidad de estudiar detenidamente las colecciones reales más valiosas: pinturas de Rafael, Leonardo da Vinci, Tiziano, Veronés y otros, la cercanía con la élite cultural española, los encuentros con Rubens, que visitó España en 1628, y su primer viaje a Italia (1629-1631) contribuyó a ampliar sus horizontes artísticos y mejorar sus habilidades. Pero Diego vive en una época diferente, sus contemporáneos enfrentan otros interrogantes y formas de resolverlos. El foco de los artistas sigue estando en las personas. Su encarnación se vuelve más específica, emocional y psicológicamente compleja. Revela la infinita diversidad y riqueza del mundo interior, los rasgos nacionales aparecen más brillantes y definidos. Este nuevo hombre es consciente de su dependencia del entorno social, y en España el individuo incluso resultó estar más conectado con la sociedad que lo rodeaba, que todavía era patriarcalmente monolítica y no conocía formas extremas de individualismo, a menudo manifestadas en el Renacimiento en Italia. No debemos olvidar el hecho de que la especificidad del arte español estuvo influenciada por los siguientes factores: hace apenas un siglo antes de la vida del artista, la Reconquista (la lucha de liberación nacional del pueblo español contra los conquistadores moros), que sentó las bases de cultura popular, terminó. El país experimentó un apogeo después del descubrimiento del Nuevo Mundo y una época de debilitamiento de la vida económica y política y del establecimiento de una forma reaccionaria de absolutismo. Y los artistas, por tanto, pretendían plasmar su imaginación poética en imágenes espiadas en la vida real. Trabajando dentro de un estricto marco dogmático, los pintores lograron transmitir rasgos de carácter nacional como la autoestima, el orgullo y el sentido del honor asociado con el mérito personal. El hombre se muestra mayoritariamente en un aspecto noble, estricto y majestuoso. Junto al género mitológico, adquieren un lugar independiente los géneros histórico y cotidiano, el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta, aparece una nueva gama de temas y temas sociales. El dibujo y el grabado se desarrollan con éxito. Los maestros se sienten atraídos por el tema del trágico destino del hombre y los conflictos dramáticos. Todos estos procesos contribuyen a la formación de dos líneas en el arte de España en el siglo XVII: el arte cortesano-aristocrático, exquisitamente refinado y dolorosamente frágil para los “iniciados” (manierismo con barroco) y la escuela nacional realista (la formación de tradiciones). de la línea izquierdista).
En su cuadro "La rendición de Breda", Velázquez rechaza la falsa dramatización de los acontecimientos, la exageración y la presentación espectacular, cortando todo lo que no es importante e innecesario para penetrar en la profundidad de las experiencias humanas. En Velázquez no encontraremos a los dioses antiguos explicando el lugar de los acontecimientos o enfatizando el significado de lo que sucede, ni a los genios de la victoria adornando al líder militar con una corona de flores; no hay figuras alegóricas que simbolicen a los vencedores y a los vencidos. El artista "eleva el acontecimiento mismo al rango de acontecimiento", el pintor, por así decirlo, elimina la pátina de excesiva solemnidad y revela así su profundo significado humano, crea el primer "cuadro verdaderamente histórico en la pintura de Europa". El alejamiento de las exageraciones cortesanas y patéticas de la obra, de las reglas del Barroco, fue verdaderamente una hazaña creativa que merece el mayor reconocimiento. En verdad, el maestro se anticipó a los pintores de siglos futuros, fusionando orgánicamente las tradiciones de su arte nacional español con tendencias realistas. A esto hay que añadir la más alta habilidad del pintor, que supo transmitir con precisión y veracidad el acontecimiento histórico.
Todo esto habla de manera convincente de Diego Velázquez como uno de los creadores (junto con Caravaggio) de un estilo aún no nuevo, pero ya de un movimiento, y, mirando su lienzo, podemos decir con confianza que es una de las mejores obras del línea no izquierdista, aunque el artista en esta obra recurre a la tradición clásica e incluso al barroco.
Como se sabe, antes de Velázquez, durante mucho tiempo existió la idea de representar escenas de batalla como obras de interpretación épica-alegórica. Había reglas estrictas y todo un sistema de símbolos y alegorías que el artista debía observar estrictamente. Así, por ejemplo, los rostros de los vencedores debían ser arrogantes y triunfantes, mientras que los rostros y gestos de los vencidos eran humillados y serviles. Los pintores buscaron glorificar a sus gobernantes de la manera más magnífica y fantástica posible, acercándolos a los habitantes del cielo. Velázquez decidió subordinar su lienzo a la idea principal: expresar respeto por los vencidos y, sobre todo, ver a una persona en los vencidos, y esta es la principal idea humanista de esta obra. Así, se creó un monumento no al arte y la táctica militares, sino, en gran medida, a la nobleza de carácter del comandante victorioso. El artista rinde homenaje al ejército enemigo, una pequeña nación de holandeses que luchan por su libertad y tienen el coraje de oponerse a una potencia mundial.
Este es el coraje innovador de la obra del autor y esto confirma que fue escrito en un período crítico y de transición entre las ideas sobre los ideales que aparecieron en el Renacimiento y las duras realidades de la Nueva Era.
La pintura en sí fue creada por el pintor alrededor de 1634-1635. Se suponía que perpetuaría la memoria de la capitulación, que era considerada una fortaleza inexpugnable (Breda), y simbolizaría la gloria e invencibilidad de la casa real española, en referencia a los acontecimientos de hace diez años de la historia de la Guerra Hispano-Holandesa. . En aquella época la fortuna militar era favorable a los opresores españoles. La rendición de lo que se consideraba una fortaleza inexpugnable, después de un asedio de muchos meses, en 1625 fue ampliamente aclamada como el mayor logro estratégico de la época. La obra está realizada sobre lienzo con óleo. Las dimensiones del lienzo son simplemente asombrosas (307 x 367 cm). Esto atestigua la gran habilidad del artista, ya que es necesario tener un ojo preciso, habilidades de dibujo competentes y guiarse por las leyes de la composición, "para poder organizar con valentía y confianza, de manera integral y hermosa" el espacio de la imagen. Hoy se encuentra expuesto al público en el Museo del Prado (Madrid).
El artista representó el momento de la entrega de las llaves de la ciudad por parte del gobernador Justino de Nassau al comandante español marqués Ambrosio Spinola. También hay que señalar que la entrega de las llaves de la ciudad a los soldados del ejército enemigo significa una cosa: la ciudad se rindió. Esta costumbre nació en aquellos tiempos lejanos, cuando casi todas las ciudades europeas eran fortalezas grandes o no muy grandes, que de hecho se cerraban con llaves por la noche.
Diego Velázquez creó una gran cantidad de retratos, cuyo poder radica en la profundidad del análisis psicológico y el refinamiento preciso de las características. El pintor en los retratos no halaga a los modelos, sino que representa a cada uno en su singularidad individual, carácter nacional y social.
En cuanto a "La rendición de Breda", la originalidad del método del artista alcanzó un nuevo pico: se esfuerza por revelar en la unidad integral de los soldados los rasgos esenciales del carácter, la estructura espiritual y mental de cada persona en su complejidad. y contradicciones. El maestro da las características psicológicas correctas de los personajes principales. El cuadro incluye varios retratos: un retrato del propio Spinola, el vencedor, quizás un retrato del propio artista, que no estuvo presente en la rendición de Breda: coloca su autorretrato (un joven con sombrero en el borde derecho de En la imagen) en la comunidad del ejército español y, por supuesto, se representa al segundo representante de las partes en conflicto, Justino. Utilizando los medios y técnicas más simples, el artista recrea la vida en toda su verdad, sencillez y al mismo tiempo encanto, un misterio que todavía hoy nos sorprende. Los retratos que pintó de soldados de ambos ejércitos se distinguen por la fidelidad de las fisonomías representadas, la transmisión del tipo individual, la expresión del orgullo nacional y el sentido de dignidad. La naturaleza se refleja en ellos como en un espejo; no hay en ellos ni la más mínima sombra de convención. Así, detrás de la moderación secular externa de Spinola se puede sentir tanto la orgullosa conciencia de la victoria como la nobleza de su naturaleza: saluda cortésmente a los vencidos, rindiendo homenaje al coraje y al espíritu inquebrantable de los holandeses. Caminando pesadamente, con la cabeza descubierta, se dirige al encuentro del vencedor de Nassau, parece dispuesto a arrodillarse, entregándole las llaves, y Spinola desmontó, se quitó el sombrero y, extendiendo la mano, no permitió que el holandés arrodillarse. Con la elegancia de un verdadero caballero, coloca su mano derecha sobre el hombro del holandés, sosteniendo en la izquierda su sombrero y el bastón de mariscal. El español saluda amistosamente al comandante. El español no parece darse cuenta de que von Nassau le entrega las llaves. Está claro que Spinola se preocupa por todos los medios de que sus oponentes no sientan en lo más mínimo la humillación de la situación; trata a von Nassau no como a un enemigo derrotado, sino, por el contrario, como una persona a la que, en su poco envidiable posición, no se le puede negar la simpatía. El movimiento del holandés forma una diagonal clara, expresando así su posición subordinada, y los movimientos del ganador están llenos de cortesía y respeto por los derrotados, el rostro del español expresa sentimientos humanos comunes: sentimientos de empatía y respeto. Sus poses y gestos son justificados y naturales. El holandés está emocionado y profundamente preocupado por el suceso, aparece algo indefenso en la imagen, este sentimiento lo transmite cierta posición encorvada frente al español y un detalle: se quita el sombrero, pero Spinola también se queda con la cabeza descubierta. como muestra de respeto. ¡En qué otro cuadro histórico del siglo XVII, que representa un episodio militar, se pueden escuchar tantos sonidos humanos más que tocan el alma! Claramente suena una nota pacífica de respeto humano por el valor del enemigo. Al observar las características de dos personas, queda claro que es la idea humanista la que distingue a "La rendición de Breda" de trabajos anteriores sobre temas históricos. Esto es nuevo, algo que no existía antes de Velázquez, este es su rasgo por el que se reconoce su obra, su creatividad.
También es interesante cómo llama la atención la profunda diferencia en la vestimenta de los dos comandantes: Justin está vestido con un traje de marcha de color marrón dorado, desprovisto de brillo ceremonial; Spinola está vestido con una armadura negra, sobre la cual se ata un pañuelo rosa; este contraste revela las diferencias entre ellos y le da a la obra un sabor y veracidad especiales. Este es también un factor que demuestra que esta obra pertenece a un punto de inflexión, una época de lucha entre lo nuevo y lo viejo en la sociedad española. En el cuadro de Velázquez ya no vemos el comportamiento de un caballero ejemplar, sino una fórmula para las relaciones de las personas de la Nueva Era.
No se puede dejar de decir que la transferencia de las llaves de la fortaleza holandesa de Breda a los españoles es un nudo semántico y geométrico central de la composición. La “clave de la imagen” - también es la clave en el sentido material - se resalta en una silueta oscura en un polígono claro entre las figuras principales que desempeñan el papel de las escenas (un recurso artístico del clasicismo): todo el espacio artístico y la integridad del lienzo están ligadas a esta ceremonia de transferencia. Todo gira en torno a la llave que flota en el centro, como si encierra algún tipo de misterio, como si el curso posterior de los acontecimientos dependiera de qué y cómo se haga con ella. La llave se convierte en una especie de diapasón del tiempo. Y esto también es un signo de la Nueva Era. El significado principal de lo que está sucediendo se concentra en este centro, y el espectador le presta atención principalmente. Y la atención de casi todos los personajes se centra en lo que sucede en el centro, lo que se destaca por el aspecto de la iluminación y la perspectiva aérea. La "clave" de la composición y el movimiento de las figuras conecta las partes izquierda y derecha de la imagen (ejércitos en guerra) y al mismo tiempo crea la profundidad del espacio. La amplitud del concepto se ve acentuada por el paisaje, en el que los reflejos de las llamas y el humo de un incendio se fusionan con la niebla plateada de una mañana de verano. Y, al mirar el panorama del paisaje que se desarrolla a espaldas de la gente, se nota cómo el artista reproduce esquemáticamente, sin una capa gruesa de pinturas, efectos complejos y sutiles, realzando la espacialidad de la imagen. Todo el fondo se encuentra en una distancia inconmensurable: sólo aquí y allá se ven huellas de una batalla reciente, los baluartes de Breda envueltos en una ligera niebla plateada, pero Velázquez transmite con precisión los signos de la zona: es un pintor innovador, uno puede sentir cómo quiere transmitir con sinceridad no solo el evento, sino también el lugar de la acción.
Antes de pasar a la descripción de ambos bandos: español y holandés, observamos la total ausencia de un plano intermedio de transición (hay un desfase entre los primeros planos y las distancias) y los personajes se sitúan cerca del plano frontal del cuadro, lo que indica la familiaridad del artista con las técnicas del clasicismo (bajorrelieve),
Se caracterizan objetivamente ambos grupos de soldados, identificando las diferencias en las características nacionales y sociales de cada uno de ellos. Sus rostros son retratos y al mismo tiempo típicos, lo que realza el significado de lo que está sucediendo y convierte un pequeño evento en la imagen de algo históricamente importante.
En el lado derecho de la imagen, los españoles están apiñados de forma monolítica, con lanzas apuntadas victoriosamente hacia arriba, creando la imagen de una fuerza poderosa, diseñada para demostrar el poder del Estado español. Las armas forman una sola pared, cortando el plano frontal del lienzo desde la parte posterior (no es casualidad que la pintura también lleve el segundo nombre "Spears"). ve en la organización y disciplina del ejército español profesional Orgullosos grandes españoles con armadura: guerreros con ropas similares, casi en uniforme. Los españoles tienen peinados, bigotes y expresiones faciales sofisticadas similares. Forman una formación organizada, muy juntas como una única masa cohesiva. Y Diego debilita hábilmente este punto tenso con la grupa del caballo, preservando así la estructura armoniosa del cuadro. Los soldados españoles están tan apretujados que la gente se bloquea entre sí, y los que están detrás aparecen representados de pie arriba.
El grupo de holandeses del lado izquierdo de la imagen está colocado más libremente y a gusto, su desorganización y espontaneidad se transmiten por la variedad de vestimentas y poses. Cada defensor de la ciudad es individual: a pesar de la importancia del momento (entrega de llaves), los holandeses no observan la formación militar: uno está de espaldas al espectador, el otro de lado, un joven vestido de blanco habla con un compañero de armas, poniendo un sombrero en su mosquete. Y otros holandeses portan armas arbitrariamente. La interpretación del tema también fue innovadora: los holandeses derrotados, concentrados en el lado izquierdo del cuadro, se presentan con el mismo sentido de dignidad que los vencedores: los españoles, agrupados en una masa más densa en el lado derecho de la composición. con el telón de fondo de hileras de minas. Los rostros de la milicia de la guarnición no llevan el sello del miedo y la admiración; por el contrario, están llenos de algún tipo de actividad interna exuberante, la gente está muy interesada en lo que está sucediendo. Y aunque sus lanzas y estandartes se inclinan ante el enemigo, la expresión de independencia de espíritu domina en poses libres y rostros abiertos. No, los holandeses no están derrotados; una vez derrotados, no se desaniman. Esto se nota en sus poses y la naturaleza de sus movimientos. ¡Se avecina una nueva lucha! Y nuevamente se siente lo efímero de la victoria de los españoles: el futuro pertenece a personas de nueva formación, que profesan nuevos valores e ideales. El pintor hace pensar al espectador en la colisión de lo viejo y lo nuevo, mientras que el flujo interno en la imagen no se nota de inmediato y parece que el pintor no toma la posición de ninguno de los lados. Y sólo un verdadero maestro puede hacer esto.
Velásquez se esfuerza por lograr la representación más veraz de los personajes, el maestro mira atentamente los rostros de sus oponentes y uno puede sentir su interés genuino en cada persona. Todos los rostros “iluminados” son únicos y al mismo tiempo similares entre sí. El artista crea los más magníficos retratos de líderes militares y soldados rasos, y comprendes que ante nosotros crecen personalidades, con sus pensamientos, sueños y esperanzas de lo mejor, pero Diego Velázquez no imita a los maestros del Barroco, no se esfuerza por descartar. Un mar de sentimientos sobre el lienzo: el artista transmite solo movimientos naturales y realistas de las almas y cuerpos de personas ubicadas en lados opuestos de la acción principal. Y nuevamente aparece en el cuadro el motivo de la igualdad, la negación de la superioridad de unos sobre otros. Además del sorprendente parecido del retrato, hay una notable similitud que forma una especie de “unidad de cuerpo” del ejército español. De forma completamente natural, surgió a través de una transición suave desde el punto medio al primer plano y llenó la escena histórica. Spinola también dio un paso hacia su ejército, retirándose de la línea del frente de la rampa histórica, y así ganó la unidad física, moral y espiritual con sus soldados. Velázquez utilizó con maestría la técnica de la antítesis a nivel de las siguientes categorías: movimiento-reposo, volumen-planitud, colores cálidos-fríos, privilegiando de alguna manera los Países Bajos, lo que revela en el artista el don de un vidente que vio el futura potencia de Holanda. Es el derrotado Justin de Nassau el que aparece representado en acción: avanza lenta y pesadamente, mientras Spinola se mantiene de pie. Las figuras de los holandeses son voluminosas y materialmente táctiles, avanzan activamente gracias a la combinación de colores claros y cálidos (acentos en amarillo dorado, blanco y verde) y literalmente se mueven hacia el espacio real del espectador (la figura en amarillo en el borde de la imagen). Además, son psicológicamente activos, lo que se expresa tanto en la individualización de la reacción de cada persona a los acontecimientos como en una apelación directa al espectador (la mirada de un hombre con un mosquete en verde). Al mismo tiempo, las filas del ejército español se despliegan en profundidad, y parecen retirarse del plano de la imagen, aplanándose gradualmente y fusionándose con los gráficos planos del patrón de lanzas y el azul del cielo. Esta impresión también se ve facilitada por el “retiro” visual de los tonos fríos, oscuros y sofisticados del azul y el rosa perla. Ante nuestros ojos, las personas reales se convierten en el pasado del fresco, el mito de las copias retrocede ante la realidad de una alabarda bien confeccionada y un mosquete de apariencia completamente ineficaz, la victoria se convierte en derrota.
Y el momento de silencio en la escena de la batalla ya no es tan inesperado: los cambios inminentes se sienten en el aire (recordemos al menos el flujo interno al que nos referimos anteriormente): la gente escucha atentamente, tratando de captar estos cambios. Y es por eso que el motivo de la escucha es tan importante en el cuadro de Velázquez: el paje de Nassau, el joven vestido de blanco detrás del comandante, los ejércitos español solemnemente congelado y el ejército holandés en silencio, los cielos mismos, detenidos en su movimiento, lo exigen directamente. , con un gesto expresivo.
En la pintura de Diego Velázquez, la composición es sumamente clara y táctil. En el centro tiene lugar el evento principal: la entrega de llaves. Además, está formado por el movimiento de dos figuras clave, cuyo contraste en relación con quienes los rodean es tan activo que el artista (para no destruir la integridad de la composición) los “detuvo” con el ritmo de la lanzas y la grupa del caballo en el lado derecho de la imagen. El centro, la "llave", está rodeado de escenas dobles: con la ayuda de figuras de comandantes y soldados (una tendencia del clasicismo), se hace hincapié en este evento épico. Gracias a esto se consigue una armonía especial de todos los elementos de la imagen. Pero compositivamente la imagen se divide en dos partes: la superior está libre, la inferior está ocupada por figuras.
También hay un ritmo de grupos simétricos en la imagen. A la izquierda está el ejército holandés, a la derecha está el ejército español, en el centro hay un espacio vacío, pausa. Además, la naturaleza del ritmo dentro de los grupos simétricos de izquierda y derecha es diferente. El grupo adecuado, el ejército de los ganadores, tiene un ritmo que crea la impresión de solidez y fuerza. Esta impresión se ve acentuada por la naturaleza de las lanzas y el giro del caballo en primer plano. El ritmo del ejército derrotado a la izquierda crea la impresión de una mayor fragmentación; las figuras, más cercanas al primer plano que a la derecha, no permiten representar muchas figuras. Esto crea la impresión de un ejército pequeño y débil.
Es sorprendente cómo el artista logró crear un momento de unidad, unidad, a pesar de que los ejércitos siguen siendo bastante diferentes. El momento de generalización se logra precisamente con la ayuda de franjas de ritmos que rodean la parte central y aseguran la interconexión de todas las partes de la imagen.
Y en términos de composición, esta obra es un ejemplo sorprendente del arte de la Nueva Era y puede atribuirse con seguridad a la línea no-acero.
La combinación de colores de la pintura.
Diego Rodríguez de Silva Velázquez es uno de los primeros maestros de la pintura valeria. Los tonos grises de sus cuadros brillan en muchos matices y los negros son claros y transparentes. Los colores cálidos y brillantes de la ropa de los holandeses, el frío verde azulado de los españoles, se iluminan con una luz plateada uniforme, creando una atmósfera de madrugada y formando un ambiente rico en luz y aire. La pincelada magistral es variada: formas interesantes de aplicar pintura, desde toques suaves e imperceptibles del pincel en el fondo hasta trazos enérgicos y trazos libres de bravura que forman la forma y el volumen de la ropa de las personas. Las ventajas del color se combinan en la pintura de Velázquez con la claridad y la majestuosa sencillez de composición y el sentido de la proporción.
Asombra la fidelidad impecable y la refinada sofisticación de la mirada de Velázquez, que sabe disfrutar tanto de la riqueza como de la profundidad de los brillantes acordes cromáticos del primer plano. Y al mismo tiempo, notamos los reflejos más sutiles interactuando con los medios tonos y los claroscuros, lo que potencia la transferencia de materialidad.
El pintor aborda el problema de la formación del entorno aéreo: las sombras oscuras y opacas desaparecen, las líneas nítidas, la luz plateada y el aire envuelven literalmente las figuras. Los agradables tonos grises amortiguan el brillo de cada uno de los colores de la imagen. Aparece una sensación de profundidad sin precedentes, el artista reproduce fielmente el estado del aire holandés, lleno de humedad del mar cercano. Todo habla elocuentemente del deseo de Velázquez de transmitir la realidad de forma más plena y fiable.
La solución colorista es parca, pero inusualmente rica: se basa en unos pocos tonos (negro, amarillo, rosa y verde) unidos por grises de diferente intensidad, intensidad y matiz, desde el gris oscuro hasta el perla, y estas diversas manchas grises unen el elementos individuales de la imagen en un solo conjunto compositivo.
En este lienzo predomina un tono noble y frío, del que sólo emergen manchas aisladas de amarillo, negro y claros tonos de blanco. El fondo se percibe como una gran distancia, perdida en la bruma matutina de niebla e incendios, en la que destacan dos campamentos.
Notemos el peculiar “juego” de puntos tonales: la mirada va de la armadura oscura de Spinola a la cola del caballo y luego a la propia sombra del ejército holandés.
Es imposible no admirar la precisión y riqueza de los dibujos de Diego Velázquez. El artista modela cuidadosamente, con un pincel, los rostros, las manos y la ropa de los personajes del cuadro. El volumen de las figuras se forma gracias a las soluciones de color y numerosos reflejos naturales característicos del entorno natural.
El artista utiliza activamente la línea, con la que transmite el movimiento de las personas. Por ejemplo: el movimiento del comandante realza los pliegues transversales de su traje, así como la posición de sus piernas y la dirección de su torso hacia el plano derecho del cuadro.
El pintor modela hábilmente las manos: en ellas se pueden sentir los movimientos naturales de los dos personajes principales entre sí. Velázquez representa a los personajes anatómicamente correctamente, aunque sus cuerpos están ocultos bajo la ropa: Spinola está ligeramente apoyado en una de sus piernas e inclinado hacia el holandés.
Gracias al ritmo de las líneas se crea un movimiento suave y vivo, que da la sensación de que el artista logró captar un breve momento, un episodio de la vida cotidiana.
El contorno suave y aireado del pintor no sólo delinea los bordes de los objetos, sino que, curvándose suavemente, se desliza suavemente y, muy a menudo, simplemente desaparece. Esto significa que el maestro utiliza una "línea viva", que mejora los movimientos adicionales. Por ejemplo, el traje de viaje del holandés en primer plano.
El maestro utiliza activamente el claroscuro, con su ayuda logra una sorprendente "naturalidad" de las figuras y le da profundidad a la imagen. Y este es el talento excepcional de Diego Velázquez, quien puede transmitir los impresionantes efectos de una visión realista. Esto confirma una vez más el hecho de que Diego, como artista, aportó mucha innovación al arte de la Nueva Era. También es gratificante ver con qué firmeza y precisión están dibujadas las figuras de los personajes, formando un patrón extraño pero armonioso.
Habiendo examinado la pintura "La rendición de Breda", se puede argumentar que en la obra de Velázquez se expresó más plenamente la línea izquierdista, que se originó en los tiempos modernos. En base a esto, Diego Velázquez en su obra utiliza técnicas pictóricas que tienen una orientación realista (ambiente aéreo, claroscuro característico de la luz natural, soluciones cromáticas armoniosas de la suave iluminación matutina, composición, etc.), y lo más importante, este lienzo encarna la esperanzas de las personas a pesar de que, a pesar de los numerosos problemas del nuevo mundo complejo que se encuentran en el camino de una persona, pueden ser destruidos por buenas relaciones naturales (se siente una conexión con el barroco); podemos decir con confianza que este lienzo es más plenamente identificado con el arte de la Nueva Era: en primer lugar con una línea extraacero, y en parte con el Barroco y el Clasicismo.
En cuanto a las técnicas artísticas, Velázquez las utiliza con tanta competencia y precisión (formas "esculpidas", tonos cercanos armoniosos, movimientos naturales y complejidad de composición) que esta pintura es, con razón, el primer ejemplo de un nuevo lienzo: un lienzo de realismo histórico. Su objetivo es transmitir con sinceridad, en un momento de cierta convulsión, los complejos sentimientos de una personalidad que fue “redescubierta” por los maestros del Renacimiento.
Se puede decir sin exagerar que la obra de Diego Velázquez es una fiel representación de la realidad, que encarnó magistralmente en “La rendición de Breda”.
Velázquez Breda rendición escénica
Bibliografía
1. Alpatov M.V. "Legado insinuado". M.: Educación, 1990.
2. “Renacimiento. Barroco. Clasicismo. Problemas de estilos en el arte de Europa occidental” Editor Willer. M.: Nauka, 1966
3. “Historia del arte extranjero”. Pensamiento editado por M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva, M.: 1980.
4. José Ortega y Gasset “Introducción a Velázquez” Trans. del español Lysenko E.S. Petrov M.:, 1991.
Descripción del cuadro de D. Velázquez “La rendición de Breda”
Diego Velázquez es una fuente siempre viva de verdad y belleza, cuyo mayor legado abre toda una era en la pintura realista, una obra que permanecerá para siempre en nuestros corazones y mentes. Sus obras transmiten las ideas del humanismo, la lealtad a la tradición democrática de la cultura española y el amor por la gente corriente. De manera más directa y audaz que sus predecesores, se volvió hacia la realidad, ampliando los temas de la pintura y promoviendo el desarrollo de diversos géneros en ella.
Estoy especialmente interesado en el cuadro de batalla histórico, “La rendición de Breda”, que escribió alrededor de 1634-1635. La pintura representa un tema histórico contemporáneo e importante para él: un episodio dramático de la guerra entre la España monárquica y la Holanda republicano-burguesa, cuando el ejército español conquistó la fortaleza fronteriza de Breda. Es indicativo que el pintor no transmitió esta escena con la solemnidad aceptada, la majestuosidad del bando victorioso: habiendo abandonado la interpretación alegórica ceremonial de la escena de la batalla, común en la pintura, el maestro recurre a la idea de humanidad, humanidad. ; Velázquez sentó las bases del realismo en la pintura histórica.
Al admirar esta obra, quería comprender las intenciones del artista, sentir la difícil época en la que vivió y trabajó como maestro. Encuentre la respuesta a una solución inusual, innovadora y verdaderamente audaz para el lienzo. Para responder a estas preguntas, volvamos a la época histórica en la que se creó este lienzo “de época y al mismo tiempo tan humano”.
Considerando el arte de Velázquez en el contexto de su época, vi cómo se desarrolló orgánica y naturalmente su talento, conectado con las tradiciones del Rinascimento italiano y con las tendencias de los tiempos modernos. La vida en Madrid, que le dio a Velázquez la oportunidad de estudiar detenidamente las colecciones reales más valiosas: pinturas de Rafael, Leonardo da Vinci, Tiziano, Veronés y otros, la cercanía con la élite cultural española, los encuentros con Rubens, que visitó España en 1628, y su primer viaje a Italia (1629-1631) contribuyó a ampliar sus horizontes artísticos y mejorar sus habilidades. Pero Diego vive en una época diferente, sus contemporáneos enfrentan otros interrogantes y formas de resolverlos. El foco de los artistas sigue estando en las personas. Su encarnación se vuelve más específica, emocional y psicológicamente compleja. Revela la infinita diversidad y riqueza del mundo interior, los rasgos nacionales aparecen más brillantes y definidos. Este nuevo hombre es consciente de su dependencia del entorno social, y en España el individuo incluso resultó estar más conectado con la sociedad que lo rodeaba, que todavía era patriarcalmente monolítica y no conocía formas extremas de individualismo, a menudo manifestadas en el Renacimiento en Italia. No debemos olvidar el hecho de que la especificidad del arte español estuvo influenciada por los siguientes factores: hace apenas un siglo antes de la vida del artista, la Reconquista (la lucha de liberación nacional del pueblo español contra los conquistadores moros), que sentó las bases de cultura popular, terminó. El país experimentó un apogeo después del descubrimiento del Nuevo Mundo y una época de debilitamiento de la vida económica y política y del establecimiento de una forma reaccionaria de absolutismo. Y los artistas, por tanto, pretendían plasmar su imaginación poética en imágenes espiadas en la vida real. Trabajando dentro de un estricto marco dogmático, los pintores lograron transmitir rasgos de carácter nacional como la autoestima, el orgullo y el sentido del honor asociado con el mérito personal. El hombre se muestra mayoritariamente en un aspecto noble, estricto y majestuoso. Junto al género mitológico, adquieren un lugar independiente los géneros histórico y cotidiano, el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta, aparece una nueva gama de temas y temas sociales. El dibujo y el grabado se desarrollan con éxito. Los maestros se sienten atraídos por el tema del trágico destino del hombre y los conflictos dramáticos. Todos estos procesos contribuyen a la formación de dos líneas en el arte de España en el siglo XVII: el arte cortesano-aristocrático, exquisitamente refinado y dolorosamente frágil para los “iniciados” (manierismo con barroco) y la escuela nacional realista (la formación de tradiciones). de la línea izquierdista).
En su cuadro "La rendición de Breda", Velázquez rechaza la falsa dramatización de los acontecimientos, la exageración y la presentación espectacular, cortando todo lo que no es importante e innecesario para penetrar en la profundidad de las experiencias humanas. En Velázquez no encontraremos a los dioses antiguos explicando el lugar de los acontecimientos o enfatizando el significado de lo que sucede, ni a los genios de la victoria adornando al líder militar con una corona de flores; no hay figuras alegóricas que simbolicen a los vencedores y a los vencidos. El artista "eleva el acontecimiento mismo al rango de acontecimiento", el pintor, por así decirlo, elimina la pátina de excesiva solemnidad y revela así su profundo significado humano, crea el primer "cuadro verdaderamente histórico en la pintura de Europa". El alejamiento de las exageraciones cortesanas y patéticas de la obra, de las reglas del Barroco, fue verdaderamente una hazaña creativa que merece el mayor reconocimiento. En verdad, el maestro se anticipó a los pintores de siglos futuros, fusionando orgánicamente las tradiciones de su arte nacional español con tendencias realistas. A esto hay que añadir la más alta habilidad del pintor, que supo transmitir con precisión y veracidad el acontecimiento histórico.
Todo esto habla de manera convincente de Diego Velázquez como uno de los creadores (junto con Caravaggio) de un estilo aún no nuevo, pero ya de un movimiento, y, mirando su lienzo, podemos decir con confianza que es una de las mejores obras del línea no izquierdista, aunque el artista en esta obra recurre a la tradición clásica e incluso al barroco.
Como se sabe, antes de Velázquez, durante mucho tiempo existió la idea de representar escenas de batalla como obras de interpretación épica-alegórica. Había reglas estrictas y todo un sistema de símbolos y alegorías que el artista debía observar estrictamente. Así, por ejemplo, los rostros de los vencedores debían ser arrogantes y triunfantes, mientras que los rostros y gestos de los vencidos eran humillados y serviles. Los pintores buscaron glorificar a sus gobernantes de la manera más magnífica y fantástica posible, acercándolos a los habitantes del cielo. Velázquez decidió subordinar su lienzo a la idea principal: expresar respeto por los vencidos y, sobre todo, ver a una persona en los vencidos, y esta es la principal idea humanista de esta obra. Así, se creó un monumento no al arte y la táctica militares, sino, en gran medida, a la nobleza de carácter del comandante victorioso. El artista rinde homenaje al ejército enemigo, una pequeña nación de holandeses que luchan por su libertad y tienen el coraje de oponerse a una potencia mundial.
Este es el coraje innovador de la obra del autor y esto confirma que fue escrito en un período crítico y de transición entre las ideas sobre los ideales que aparecieron en el Renacimiento y las duras realidades de la Nueva Era.
La pintura en sí fue creada por el pintor alrededor de 1634-1635. Se suponía que perpetuaría la memoria de la capitulación, que era considerada una fortaleza inexpugnable (Breda), y simbolizaría la gloria e invencibilidad de la casa real española, en referencia a los acontecimientos de hace diez años de la historia de la Guerra Hispano-Holandesa. . En aquella época la fortuna militar era favorable a los opresores españoles. La rendición de lo que se consideraba una fortaleza inexpugnable, después de un asedio de muchos meses, en 1625 fue ampliamente aclamada como el mayor logro estratégico de la época. La obra está realizada sobre lienzo con óleo. Las dimensiones del lienzo son simplemente asombrosas (307 x 367 cm). Esto atestigua la gran habilidad del artista, ya que es necesario tener un ojo preciso, habilidades de dibujo competentes y guiarse por las leyes de la composición, "para poder organizar con valentía y confianza, de manera integral y hermosa" el espacio de la imagen. Hoy se encuentra expuesto al público en el Museo del Prado (Madrid).
El artista representó el momento de la entrega de las llaves de la ciudad por parte del gobernador Justino de Nassau al comandante español marqués Ambrosio Spinola. También hay que señalar que la entrega de las llaves de la ciudad a los soldados del ejército enemigo significa una cosa: la ciudad se rindió. Esta costumbre nació en aquellos tiempos lejanos, cuando casi todas las ciudades europeas eran fortalezas grandes o no muy grandes, que de hecho se cerraban con llaves por la noche.
Diego Velázquez creó una gran cantidad de retratos, cuyo poder radica en la profundidad del análisis psicológico y el refinamiento preciso de las características. El pintor en los retratos no halaga a los modelos, sino que representa a cada uno en su singularidad individual, carácter nacional y social.
En cuanto a "La rendición de Breda", la originalidad del método del artista alcanzó un nuevo pico: se esfuerza por revelar en la unidad integral de los soldados los rasgos esenciales del carácter, la estructura espiritual y mental de cada persona en su complejidad. y contradicciones. El maestro da las características psicológicas correctas de los personajes principales. El cuadro incluye varios retratos: un retrato del propio Spinola, el vencedor, quizás un retrato del propio artista, que no estuvo presente en la rendición de Breda: coloca su autorretrato (un joven con sombrero en el borde derecho de En la imagen) en la comunidad del ejército español y, por supuesto, se representa al segundo representante de las partes en conflicto, Justino. Utilizando los medios y técnicas más simples, el artista recrea la vida en toda su verdad, sencillez y al mismo tiempo encanto, un misterio que todavía hoy nos sorprende. Los retratos que pintó de soldados de ambos ejércitos se distinguen por la fidelidad de las fisonomías representadas, la transmisión del tipo individual, la expresión del orgullo nacional y el sentido de dignidad. La naturaleza se refleja en ellos como en un espejo; no hay en ellos ni la más mínima sombra de convención. Así, detrás de la moderación secular externa de Spinola se puede sentir tanto la orgullosa conciencia de la victoria como la nobleza de su naturaleza: saluda cortésmente a los vencidos, rindiendo homenaje al coraje y al espíritu inquebrantable de los holandeses. Caminando pesadamente, con la cabeza descubierta, se dirige al encuentro del vencedor de Nassau, parece dispuesto a arrodillarse, entregándole las llaves, y Spinola desmontó, se quitó el sombrero y, extendiendo la mano, no permitió que el holandés arrodillarse. Con la elegancia de un verdadero caballero, coloca su mano derecha sobre el hombro del holandés, sosteniendo en la izquierda su sombrero y el bastón de mariscal. El español saluda amistosamente al comandante. El español no parece darse cuenta de que von Nassau le entrega las llaves. Está claro que Spinola se preocupa por todos los medios de que sus oponentes no sientan en lo más mínimo la humillación de la situación; trata a von Nassau no como a un enemigo derrotado, sino, por el contrario, como una persona a la que, en su poco envidiable posición, no se le puede negar la simpatía. El movimiento del holandés forma una diagonal clara, expresando así su posición subordinada, y los movimientos del ganador están llenos de cortesía y respeto por los derrotados, el rostro del español expresa sentimientos humanos comunes: sentimientos de empatía y respeto. Sus poses y gestos son justificados y naturales. El holandés está emocionado y profundamente preocupado por el suceso, aparece algo indefenso en la imagen, este sentimiento lo transmite cierta posición encorvada frente al español y un detalle: se quita el sombrero, pero Spinola también se queda con la cabeza descubierta. como muestra de respeto. ¡En qué otro cuadro histórico del siglo XVII, que representa un episodio militar, se pueden escuchar tantos sonidos humanos más que tocan el alma! Claramente suena una nota pacífica de respeto humano por el valor del enemigo. Al observar las características de dos personas, queda claro que es la idea humanista la que distingue a "La rendición de Breda" de trabajos anteriores sobre temas históricos. Esto es nuevo, algo que no existía antes de Velázquez, este es su rasgo por el que se reconoce su obra, su creatividad.
También es interesante cómo llama la atención la profunda diferencia en la vestimenta de los dos comandantes: Justin está vestido con un traje de marcha de color marrón dorado, desprovisto de brillo ceremonial; Spinola está vestido con una armadura negra, sobre la cual se ata un pañuelo rosa; este contraste revela las diferencias entre ellos y le da a la obra un sabor y veracidad especiales. Este es también un factor que demuestra que esta obra pertenece a un punto de inflexión, una época de lucha entre lo nuevo y lo viejo en la sociedad española. En el cuadro de Velázquez ya no vemos el comportamiento de un caballero ejemplar, sino una fórmula para las relaciones de las personas de la Nueva Era.
No se puede dejar de decir que la transferencia de las llaves de la fortaleza holandesa de Breda a los españoles es un nudo semántico y geométrico central de la composición. La “clave de la imagen” - también es la clave en el sentido material - se resalta en una silueta oscura en un polígono claro entre las figuras principales que desempeñan el papel de las escenas (un recurso artístico del clasicismo): todo el espacio artístico y la integridad del lienzo están ligadas a esta ceremonia de transferencia. Todo gira en torno a la llave que flota en el centro, como si encierra algún tipo de misterio, como si el curso posterior de los acontecimientos dependiera de qué y cómo se haga con ella. La llave se convierte en una especie de diapasón del tiempo. Y esto también es un signo de la Nueva Era. El significado principal de lo que está sucediendo se concentra en este centro, y el espectador le presta atención principalmente. Y la atención de casi todos los personajes se centra en lo que sucede en el centro, lo que se destaca por el aspecto de la iluminación y la perspectiva aérea. La "clave" de la composición y el movimiento de las figuras conecta las partes izquierda y derecha de la imagen (ejércitos en guerra) y al mismo tiempo crea la profundidad del espacio. La amplitud del concepto se ve acentuada por el paisaje, en el que los reflejos de las llamas y el humo de un incendio se fusionan con la niebla plateada de una mañana de verano. Y, al mirar el panorama del paisaje que se desarrolla a espaldas de la gente, se nota cómo el artista reproduce esquemáticamente, sin una capa gruesa de pinturas, efectos complejos y sutiles, realzando la espacialidad de la imagen. Todo el fondo se encuentra en una distancia inconmensurable: sólo aquí y allá se ven huellas de una batalla reciente, los baluartes de Breda envueltos en una ligera niebla plateada, pero Velázquez transmite con precisión los signos de la zona: es un pintor innovador, uno puede sentir cómo quiere transmitir con sinceridad no solo el evento, sino también el lugar de la acción.
Antes de pasar a la descripción de ambos bandos: español y holandés, observamos la total ausencia de un plano intermedio de transición (hay un desfase entre los primeros planos y las distancias) y los personajes se sitúan cerca del plano frontal del cuadro, lo que indica la familiaridad del artista con las técnicas del clasicismo (bajorrelieve),
Se caracterizan objetivamente ambos grupos de soldados, identificando las diferencias en las características nacionales y sociales de cada uno de ellos. Sus rostros son retratos y al mismo tiempo típicos, lo que realza el significado de lo que está sucediendo y convierte un pequeño evento en la imagen de algo históricamente importante.
En el lado derecho de la imagen, los españoles están apiñados de forma monolítica, con lanzas apuntadas victoriosamente hacia arriba, creando la imagen de una fuerza poderosa, diseñada para demostrar el poder del Estado español. Las armas forman una sola pared, cortando el plano frontal del lienzo desde la parte posterior (no es casualidad que la pintura también lleve el segundo nombre "Spears"). ve en la organización y disciplina del ejército español profesional Orgullosos grandes españoles con armadura: guerreros con ropas similares, casi en uniforme. Los españoles tienen peinados, bigotes y expresiones faciales sofisticadas similares. Forman una formación organizada, muy juntas como una única masa cohesiva. Y Diego debilita hábilmente este punto tenso con la grupa del caballo, preservando así la estructura armoniosa del cuadro. Los soldados españoles están tan apretujados que la gente se bloquea entre sí, y los que están detrás aparecen representados de pie arriba.
El grupo de holandeses del lado izquierdo de la imagen está colocado más libremente y a gusto, su desorganización y espontaneidad se transmiten por la variedad de vestimentas y poses. Cada defensor de la ciudad es individual: a pesar de la importancia del momento (entrega de llaves), los holandeses no observan la formación militar: uno está de espaldas al espectador, el otro de lado, un joven vestido de blanco habla con un compañero de armas, poniendo un sombrero en su mosquete. Y otros holandeses portan armas arbitrariamente. La interpretación del tema también fue innovadora: los holandeses derrotados, concentrados en el lado izquierdo del cuadro, se presentan con el mismo sentido de dignidad que los vencedores: los españoles, agrupados en una masa más densa en el lado derecho de la composición. con el telón de fondo de hileras de minas. Los rostros de la milicia de la guarnición no llevan el sello del miedo y la admiración; por el contrario, están llenos de algún tipo de actividad interna exuberante, la gente está muy interesada en lo que está sucediendo. Y aunque sus lanzas y estandartes se inclinan ante el enemigo, la expresión de independencia de espíritu domina en poses libres y rostros abiertos. No, los holandeses no están derrotados; una vez derrotados, no se desaniman. Esto se nota en sus poses y la naturaleza de sus movimientos. ¡Se avecina una nueva lucha! Y nuevamente se siente lo efímero de la victoria de los españoles: el futuro pertenece a personas de nueva formación, que profesan nuevos valores e ideales. El pintor hace pensar al espectador en la colisión de lo viejo y lo nuevo, mientras que el flujo interno en la imagen no se nota de inmediato y parece que el pintor no toma la posición de ninguno de los lados. Y sólo un verdadero maestro puede hacer esto.
Velásquez se esfuerza por lograr la representación más veraz de los personajes, el maestro mira atentamente los rostros de sus oponentes y uno puede sentir su interés genuino en cada persona. Todos los rostros “iluminados” son únicos y al mismo tiempo similares entre sí. El artista crea los más magníficos retratos de líderes militares y soldados rasos, y comprendes que ante nosotros crecen personalidades, con sus pensamientos, sueños y esperanzas de lo mejor, pero Diego Velázquez no imita a los maestros del Barroco, no se esfuerza por descartar. Un mar de sentimientos sobre el lienzo: el artista transmite solo movimientos naturales y realistas de las almas y cuerpos de personas ubicadas en lados opuestos de la acción principal. Y nuevamente aparece en el cuadro el motivo de la igualdad, la negación de la superioridad de unos sobre otros. Además del sorprendente parecido del retrato, hay una notable similitud que forma una especie de “unidad de cuerpo” del ejército español. De forma completamente natural, surgió a través de una transición suave desde el punto medio al primer plano y llenó la escena histórica. Spinola también dio un paso hacia su ejército, retirándose de la línea del frente de la rampa histórica, y así ganó la unidad física, moral y espiritual con sus soldados. Velázquez utilizó con maestría la técnica de la antítesis a nivel de las siguientes categorías: movimiento-reposo, volumen-planitud, colores cálidos-fríos, privilegiando de alguna manera los Países Bajos, lo que revela en el artista el don de un vidente que vio el futura potencia de Holanda. Es el derrotado Justin de Nassau el que aparece representado en acción: avanza lenta y pesadamente, mientras Spinola se mantiene de pie. Las figuras de los holandeses son voluminosas y materialmente táctiles, avanzan activamente gracias a la combinación de colores claros y cálidos (acentos en amarillo dorado, blanco y verde) y literalmente se mueven hacia el espacio real del espectador (la figura en amarillo en el borde de la imagen). Además, son psicológicamente activos, lo que se expresa tanto en la individualización de la reacción de cada persona a los acontecimientos como en una apelación directa al espectador (la mirada de un hombre con un mosquete en verde). Al mismo tiempo, las filas del ejército español se despliegan en profundidad, y parecen retirarse del plano de la imagen, aplanándose gradualmente y fusionándose con los gráficos planos del patrón de lanzas y el azul del cielo. Esta impresión también se ve facilitada por el “retiro” visual de los tonos fríos, oscuros y sofisticados del azul y el rosa perla. Ante nuestros ojos, las personas reales se convierten en el pasado del fresco, el mito de las copias retrocede ante la realidad de una alabarda bien confeccionada y un mosquete de apariencia completamente ineficaz, la victoria se convierte en derrota.
En la pintura de Diego Velázquez, la composición es sumamente clara y táctil. En el centro tiene lugar el evento principal: la entrega de llaves. Además, está formado por el movimiento de dos figuras clave, cuyo contraste en relación con quienes los rodean es tan activo que el artista (para no destruir la integridad de la composición) los “detuvo” con el ritmo de la lanzas y la grupa del caballo en el lado derecho de la imagen. El centro, la "llave", está rodeado de escenas dobles: con la ayuda de figuras de comandantes y soldados (una tendencia del clasicismo), se hace hincapié en este evento épico. Gracias a esto se consigue una armonía especial de todos los elementos de la imagen. Pero compositivamente la imagen se divide en dos partes: la superior está libre, la inferior está ocupada por figuras.
También hay un ritmo de grupos simétricos en la imagen. A la izquierda está el ejército holandés, a la derecha está el ejército español, en el centro hay un espacio vacío, pausa. Además, la naturaleza del ritmo dentro de los grupos simétricos de izquierda y derecha es diferente. El grupo adecuado, el ejército de los ganadores, tiene un ritmo que crea la impresión de solidez y fuerza. Esta impresión se ve acentuada por la naturaleza de las lanzas y el giro del caballo en primer plano. El ritmo del ejército derrotado a la izquierda crea la impresión de una mayor fragmentación; las figuras, más cercanas al primer plano que a la derecha, no permiten representar muchas figuras. Esto crea la impresión de un ejército pequeño y débil.
Es sorprendente cómo el artista logró crear un momento de unidad, unidad, a pesar de que los ejércitos siguen siendo bastante diferentes. El momento de generalización se logra precisamente con la ayuda de franjas de ritmos que rodean la parte central y aseguran la interconexión de todas las partes de la imagen.
Y en términos de composición, esta obra es un ejemplo sorprendente del arte de la Nueva Era y puede atribuirse con seguridad a la línea no-acero.
La combinación de colores de la pintura.
Diego Rodríguez de Silva Velázquez es uno de los primeros maestros de la pintura valeria. Los tonos grises de sus cuadros brillan en muchos matices y los negros son claros y transparentes. Los colores cálidos y brillantes de la ropa de los holandeses, el frío verde azulado de los españoles, se iluminan con una luz plateada uniforme, creando una atmósfera de madrugada y formando un ambiente rico en luz y aire. La pincelada magistral es variada: formas interesantes de aplicar pintura, desde toques suaves e imperceptibles del pincel en el fondo hasta trazos enérgicos y trazos libres de bravura que forman la forma y el volumen de la ropa de las personas. Las ventajas del color se combinan en la pintura de Velázquez con la claridad y la majestuosa sencillez de composición y el sentido de la proporción.
Asombra la fidelidad impecable y la refinada sofisticación de la mirada de Velázquez, que sabe disfrutar tanto de la riqueza como de la profundidad de los brillantes acordes cromáticos del primer plano. Y al mismo tiempo, notamos los reflejos más sutiles interactuando con los medios tonos y los claroscuros, lo que potencia la transferencia de materialidad.
El pintor aborda el problema de la formación del entorno aéreo: las sombras oscuras y opacas desaparecen, las líneas nítidas, la luz plateada y el aire envuelven literalmente las figuras. Los agradables tonos grises amortiguan el brillo de cada uno de los colores de la imagen. Aparece una sensación de profundidad sin precedentes, el artista reproduce fielmente el estado del aire holandés, lleno de humedad del mar cercano. Todo habla elocuentemente del deseo de Velázquez de transmitir la realidad de forma más plena y fiable.
La solución colorista es parca, pero inusualmente rica: se basa en unos pocos tonos (negro, amarillo, rosa y verde) unidos por grises de diferente intensidad, intensidad y matiz, desde el gris oscuro hasta el perla, y estas diversas manchas grises unen el elementos individuales de la imagen en un solo conjunto compositivo.
En este lienzo predomina un tono noble y frío, del que sólo emergen manchas aisladas de amarillo, negro y claros tonos de blanco. El fondo se percibe como una gran distancia, perdida en la bruma matutina de niebla e incendios, en la que destacan dos campamentos.
Notemos el peculiar “juego” de puntos tonales: la mirada va de la armadura oscura de Spinola a la cola del caballo y luego a la propia sombra del ejército holandés.
Es imposible no admirar la precisión y riqueza de los dibujos de Diego Velázquez. El artista modela cuidadosamente, con un pincel, los rostros, las manos y la ropa de los personajes del cuadro. El volumen de las figuras se forma gracias a las soluciones de color y numerosos reflejos naturales característicos del entorno natural.
El artista utiliza activamente la línea, con la que transmite el movimiento de las personas. Por ejemplo: el movimiento del comandante realza los pliegues transversales de su traje, así como la posición de sus piernas y la dirección de su torso hacia el plano derecho del cuadro.
El pintor modela hábilmente las manos: en ellas se pueden sentir los movimientos naturales de los dos personajes principales entre sí. Velázquez representa a los personajes anatómicamente correctamente, aunque sus cuerpos están ocultos bajo la ropa: Spinola está ligeramente apoyado en una de sus piernas e inclinado hacia el holandés.
Gracias al ritmo de las líneas se crea un movimiento suave y vivo, que da la sensación de que el artista logró captar un breve momento, un episodio de la vida cotidiana.
El contorno suave y aireado del pintor no sólo delinea los bordes de los objetos, sino que, curvándose suavemente, se desliza suavemente y, muy a menudo, simplemente desaparece. Esto significa que el maestro utiliza una "línea viva", que mejora los movimientos adicionales. Por ejemplo, el traje de viaje del holandés en primer plano.
El maestro utiliza activamente el claroscuro, con su ayuda logra una sorprendente "naturalidad" de las figuras y le da profundidad a la imagen. Y este es el talento excepcional de Diego Velázquez, quien puede transmitir los impresionantes efectos de una visión realista. Esto confirma una vez más el hecho de que Diego, como artista, aportó mucha innovación al arte de la Nueva Era. También es gratificante ver con qué firmeza y precisión están dibujadas las figuras de los personajes, formando un patrón extraño pero armonioso.
Habiendo examinado la pintura "La rendición de Breda", se puede argumentar que en la obra de Velázquez se expresó más plenamente la línea izquierdista, que se originó en los tiempos modernos. En base a esto, Diego Velázquez en su obra utiliza técnicas pictóricas que tienen una orientación realista (ambiente aéreo, claroscuro característico de la luz natural, soluciones cromáticas armoniosas de la suave iluminación matutina, composición, etc.), y lo más importante, este lienzo encarna la esperanzas de las personas a pesar de que, a pesar de los numerosos problemas del nuevo mundo complejo que se encuentran en el camino de una persona, pueden ser destruidos por buenas relaciones naturales (se siente una conexión con el barroco); podemos decir con confianza que este lienzo es más plenamente identificado con el arte de la Nueva Era: en primer lugar con una línea extraacero, y en parte con el Barroco y el Clasicismo.
En cuanto a las técnicas artísticas, Velázquez las utiliza con tanta competencia y precisión (formas "esculpidas", tonos cercanos armoniosos, movimientos naturales y complejidad de composición) que esta pintura es, con razón, el primer ejemplo de un nuevo lienzo: un lienzo de realismo histórico. Su objetivo es transmitir con sinceridad, en un momento de cierta convulsión, los complejos sentimientos de una personalidad que fue “redescubierta” por los maestros del Renacimiento.
Se puede decir sin exagerar que la obra de Diego Velázquez es una fiel representación de la realidad, que encarnó magistralmente en “La rendición de Breda”.
Bibliografía
1.Alpatov M.V. "Legado insinuado". M.: Educación, 1990. ."Renacimiento. Barroco. Clasicismo. Problemas de estilos en el arte de Europa occidental” Editor Willer. M.: Nauka, 1966 3."Historia del Arte Extranjero". Pensamiento editado por M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva, M.: 1980. .José Ortega y Gasset "Introducción a Velázquez" Trad. del español Lysenko E.S. Petrov M.:, 1991.
