"Kék időszak" Pablo Picasso műveiben.
Öreg gitáros
Ez az időszak volt a művész alkotói pályafutásának kezdeti szakasza. A korszak alkotásain látszik a festő egyéni stílusa, bár ekkor volt rá leginkább hatással más mester.
Celestina
1901 elején Pablot megrázta nagyon kedves barátja, Carlos Casagemas halálhíre. Ez a hír a művészt hosszú szomorúságba és depresszióba sodorta. Fél év után végre úgy döntött, hogy ismét Párizsba jön, ahol szó szerint minden közeli barátjára emlékeztette, aki nem is olyan régen mutatta meg neki először Franciaország fővárosának minden gyönyörét. Picasso úgy döntött, hogy abban a szobában lakik, amelyben barátja, Carlos öngyilkos lett a viszonzatlan szerelem miatt. Kapcsolatba kezdett egy nővel is, aki miatt barátja elhunyt, és sok időt kezdett a Carlos körüli emberekkel tölteni. Mindezt úgy érezte, mintha a barátja helyén lenne, ami sötét gondolatokkal töltötte el az elméjét arról, milyen közel állunk a halálhoz. Mindezzel kezdetét vette munkásságának az a nagyon sötét időszaka, amelyet később kéknek neveztek el. Picasso maga azt állította, hogy szó szerint a kék szín ihlette meg, miután rájött, hogy barátja már nincs ott.
Néhány hónappal Párizsba érkezése után a művész ebben a városban nyitotta meg első kiállítását. Akkoriban azonban még nem festett „kék” festményeket, munkái inkább impresszionizmusra emlékeztettek. Picasso úgy próbált volument adni festményeinek, hogy a tárgyakat sötét körvonalba öltöztette. Festményei idővel egyre monotonabbak lettek, egyre gyakrabban készültek mind kék tónusokkal. Ennek az időszaknak az első festménye a „Jaime Sabartes portréja” volt.
Félelem, kétségbeesés, magány, szenvedés – ezek a szavak voltak az ideális leírások a „kék korszak” alkotásaihoz. Ennek megerősítése az akkor készült Picasso önarckép. Aztán nehéz időszakon ment keresztül, senki nem vásárolt festményeket, gyakran rohant Spanyolország és Franciaország között, amelyek mindegyike a maga módján nyomást gyakorolt rá. Spanyolország akkoriban nehéz helyzetben volt, az emberek koldultak és folyamatosan vándoroltak. Talán mindez a művészt is megérintette, és annak idején festette az „Egy öreg zsidó fiúval” című festményt, amely éhes szegényeket ábrázol. Hazájában Picasso sok időt töltött festéssel. Gyakran festett új festményeket a régiek fölé, mivel nem volt pénze új vásznakra, így sok lehetséges festészeti remekmű elveszett. De másrészt ezt úgy is felfoghatjuk, hogy megszabadulunk egy szeretett személy régi emlékeitől.
A 20. század elején Picasso és barátja, C. Casajemas elhagyta Spanyolországot és Párizsba érkezett. Pablo itt közelről megismerkedik a francia impresszionisták, különösen A. Toulouse-Lautrec és E. Degas munkáival, akik a maguk idejében komoly hatással voltak a művész alkotói gondolkodásának fejlődésére.
Sajnos egy francia nőbe szerelmes és általa elutasított Casajemas 1901 februárjában öngyilkos lett. A valós élet és a művészet oldalai mindig elválaszthatatlanok voltak Picasso számára, és ez a tragikus esemény, amely mélyen megrázta a művészt, későbbi munkáiban is tükröződött.
1901 óta a többszínű festékek eltűntek Picasso vásznairól, helyet adva a kék-zöld paletta árnyalatainak. Egy „kék” időszak kezdődik a művész munkásságában.
A smaragd, kék, kék, zöld színek és árnyalatok mély, hideg és komor skálája tökéletesen közvetíti Picasso munkásságának fő témáit ebben az időszakban - az emberi szenvedést, a halált, az öregséget, a szegénységet és a csüggedést. A festményeket vakok, prostituáltak, koldusok és alkoholisták képei töltik meg, melankólia és reménytelenség érzése hatja át őket. Ebben az időszakban a művész anélkül, hogy abbahagyná a bohém életmódot, napi három festményt is készít. „A kék szoba” (1901), „Blindman's Breakfast” (1903), „Koldus öreg fiúval” (1903), „Tragédia” (1903), „Kettő” (1904) és természetesen a híres „ Abszintivó” (1901) – mindezek élénk példái a „kék” korszak festményeinek.
1904-ben Picasso a Bateau Lavoirban telepedett le, egy híres montmartre-i szállóban, ahol sok művész talált menedéket. Ebben az időben találkozik múzsájával - Fernanda Olivier modellel, aki számos híres művének ihletője lett. A M. Jacob és G. Apollinaire költőkkel való ismerkedés pedig új témát ad, amely festményein testesül meg - a cirkusz és a cirkuszi előadók élete. Így fokozatosan új színek kezdenek behatolni a művész életébe és munkásságába. A „kék” időszakot felváltja a mester művészi küldetésének „rózsaszín” időszaka.
Ebben az időben a művész vidámabb tónusok felé fordul - rózsaszín, füstös rózsaszín, arany rózsaszín, okker. A festmények hősei bohócok, akrobaták, tornászok, harlekinek: „Az akrobata és az ifjú harlekin” (1905), „Akrobata család majommal” (1905), „A bohóc” (1905). Az utazó művészek romantikus életének témája az egyik legikonikusabb és legismertebb festményén – a „Lány a labdán” (1905) – tárul fel.
Később, a „rózsaszín” időszak végén a művész festményeket festett az ősi örökség szellemében - „Lány kecskével” (1906), „Lóvezető fiú” (1906).
Pablo Picasso kreatív életének „kék” és az azt követő „rózsaszín” korszaka annak a törekvésének a kifejeződésévé vált, hogy színekkel közvetítse a hangulatot és a világról alkotott elképzelését.
Az akrobata és az ifjú harlekin 1905
Pablo Picasso spanyol művész munkáiban a „kék” és „rózsaszín” korszak a művész egyéni stílusának kialakulásának ideje. Ebben az időben az impresszionizmustól eltávolodtak, Toulouse-Lautrec, Degas és más híres művészek stilisztikáját örökölték.
"Kék" időszak (1901-1904)
Önarckép. 1901
Nevét a kék tónusokkal kivitelezett festmények általános tonalitása miatt kapta, amelyet a kétségbeesés és a magány hangulata egyesít. Ennek az időszaknak az első alkotásai az „Önarckép” (1901) és az „Abszintivó” (1901) voltak. Picasso képeinek hősei többsége a társadalom alsóbb rétegeinek képviselője, hátrányos helyzetű, beteg vagy gonosz emberek. A későbbi „kék” alkotások közül érdemes kiemelni az „Egy nő feje” (1902-1903), a „Vak reggelizője” (1903), „Öreg zsidó fiúval” (1903), „A vasaló” ( 1904). Esztétikailag fontos az új ábrázolási módokra való átállás, a felesleges részletek kizárása a kompozícióból, és számos egyéb olyan megoldás, amely lehetővé teszi, hogy a néző a kép által kiváltott érzelmekre összpontosítson. Ugyanakkor ezek a Picasso-művek nem tekinthetők teljesen eredetinek, mert részben a spanyol festészetre jellemző motívumokat és technikákat alkalmaznak. Az ilyen érzelmi hangulat kialakulását a festményeken nagyban befolyásolta az élet valósága. A „kék” korszak kezdete a művész közeli barátjának, Carlos Casagemasnak az 1901-es öngyilkosságához kötődik. A halál közelsége, a magány és az 1903-as, pénzhiány miatti kényszerű Barcelonába való visszatérés befolyásolta a festmények depresszív jellegét.
„Lány a labdán” – egyensúly élet és halál között
Lány a labdán. 1905
Ez az 1905-ben festett festmény az átmeneti időszak jellegzetes alkotása. Az az idő, amikor a fájdalom, a kétségbeesés és a szenvedés fokozatosan eltűnik a művész festményein, helyébe az élő emberi örömök iránti érdeklődés lép, amelyet cirkuszi előadók és művészek személyesítenek meg. Ennek a kontrasztokra (mozgás és statika, lány és sportoló, könnyedség és nehézkedés stb.) épülő mű tartalma teljes mértékben megfelel a halál keserűsége és az életörömök közötti átmenet szimbolikájának.
"Rózsaszín" időszak (1904-1906)
Munkáiban 1904-ben kezdődött a fokozatos átmenet a „rózsaszín” korszakra, amikor is pozitív változások következtek be a művész életében: az avantgárd élet vibráló központjába – a montmartre-i művészszállóra – költözött, beleszeretett Fernande Olivier sok érdekes emberrel találkozott, köztük Matisse és Gertrude Stein. Ennek a korszaknak a rózsaszín, piros és gyöngyház tónusokkal kivitelezett alkotásainak fő témája a Medrano cirkusz humoristái. A festményeket sokféle téma, dinamika és mozgás jellemzi. Ugyanakkor a művész tovább fejleszti egyéni stílusát, amely még a „kék” korszakban alakult ki. Ebből az időből származnak az „Akrobata és az ifjú harlekin” (1905), „A komikusok családja” (1905), „A bolond” (1905) és mások alkotásai. A „rózsaszín” időszak végén képek az ősi mítoszok ihlette Picasso festményein szerepelnek: „Lány kecskével” (1906), „Lóvezető fiú” (1906), és érdeklődést mutatott a „Fésülés” (1906), az Akt fiú (1906) aktok ábrázolása iránt.
„Elmerültem a kékségbe, amikor rájöttem, hogy Casagemas meghalt” – ismerte be később Picasso. „Picasso munkáiban az 1901-től 1904-ig tartó időszakot szokták „kék” korszaknak nevezni, mivel az akkori festmények nagy részét hideg kékeszöld palettával festették, fokozva a fáradtság és a tragikus szegénység hangulatát. A később „kék” korszakot megsokszorozták szomorú jelenetek képei, mély melankóliával teli festmények. Első pillantásra mindez összeegyeztethetetlen magának a művésznek az óriási vitalitásával. De emlékezve egy hatalmas szomorú szemű fiatalember önarcképére, megértjük, hogy a „kék” időszak vásznai azokat az érzelmeket közvetítik, amelyek a művészt abban az időben birtokolták. A személyes tragédia élesítette felfogását a szenvedő és hátrányos helyzetű emberek életéről és gyászáról.
Paradox, de igaz: az élet felépítésének igazságtalanságát nemcsak azok érzik élesen, akik gyermekkoruk óta megtapasztalták az élet nehézségeinek elnyomását, vagy ami még rosszabb, a szeretteik ellenszenvét, hanem a meglehetősen gazdag emberek is. Picasso jó példa erre. Édesanyja imádta Pablot, és ez a szerelem áthatolhatatlan páncélja lett számára haláláig. Az állandóan anyagi nehézségekkel küzdő apa tudta, hogyan tegyen meg mindent, hogy segítsen fiának, bár néha teljesen rossz irányba mozdult el, amit Don Jose jelzett. A szeretett és virágzó fiatalember nem vált egocentrikussá, bár ehhez a Barcelonában kialakult dekadens kultúra légköre látszólag hozzájárult. Ellenkezőleg, nagy erővel érezte a társadalmi rendetlenséget, a szegények és gazdagok közötti óriási szakadékot, a társadalom szerkezetének igazságtalanságát, embertelenségét - egyszóval mindent, ami a 20. század forradalmához és háborújához vezetett. .
– Térjünk rá Picasso akkori egyik központi alkotására, az „Öreg koldus fiú fiúval” című festményre, amely 1903-ban készült el, és jelenleg az Állami Szépművészeti Múzeumban található. A. S. Puskin. Lapos, semleges alapon két ülő figura látható - egy ócska vak öregember és egy kisfiú. A képek itt élesen kontrasztos ellentétükben jelennek meg: egy öregember arca, ráncoktól barázdált, mintha erőteljes chiaroscuro játék faragta volna meg, vak szemek mély üregeivel, csontos, természetellenesen szögletes alakja, a törésvonalak. a lábai és a karjai, és vele ellentétben tágra nyílt szemei a szelíd, lágyan mintázott fiú arcán, ruháinak sima, folyó vonalain. Egy fiú, aki az élet küszöbén áll, és egy levert öregember, akire már rányomta a bélyegét a halál – ezeket a szélsőségeket valamiféle tragikus közös vonás egyesíti a képen. A fiú szemei tágra nyíltak, de olyan láthatatlannak tűnnek, mint az öreg szemgödörének szörnyű üregei: ugyanabban az örömtelen gondolatban merül el. A tompa kék szín tovább fokozza a szomorúság és a kilátástalanság hangulatát, amely az emberek szomorúan tömény arcán nyilvánul meg. A szín itt nem a valódi tárgyak színe, és nem is a valódi fény színe, amely kitölti a kép terét. Picasso átadja az emberek arcát, ruháit és a hátteret, amely előtt a kék ugyanolyan tompa, halálhideg árnyalataiban jelennek meg.”
A kép életszerű, de sok konvenció van benne. Az idős férfi testének arányai eltúlzottak, a kényelmetlen póz megtörtségét hangsúlyozza. A vékonyság természetellenes. A fiú arcvonásait túlságosan egyszerűen közvetíti. „A művész nem árul el semmit arról, hogy kik ezek az emberek, melyik országhoz vagy korszakhoz tartoznak, és miért ülnek összebújva ezen a kék földön. Pedig a kép sokat beszél: az öregember és a fiú kontrasztjában az egyik szomorú, örömtelen múltját, a másik reménytelen, elkerülhetetlenül borús jövőjét és mindkettőjük tragikus jelenét látjuk. A szegénység és a magány nagyon szomorú arca néz ránk szomorú szemeivel a képről. Picasso ebben az időszakban készült munkáiban kerüli a töredezettséget és a részleteket, és minden lehetséges módon igyekszik hangsúlyozni az ábrázolt fő gondolatát. Ez a gondolat továbbra is közös korai műveinek túlnyomó többségében; csakúgy, mint az „Az öreg koldus a fiúval” című filmben, ez abban rejlik, hogy feltárja a rendetlenséget, az emberek gyászos magányát a szegénység tragikus világában.
A „kék” korszakban a már említett festményeken („Öreg koldus fiúval”, „Bögre sörös (Sabartes portréja)” és „Élet”) mellett „Önarckép”, „Drand (két nővér) )”, „Egy nő feje” is készült. , „Tragédia” stb.
Alig van olyan ember a bolygón, aki ne ismerné Pablo Picasso nevét. A kubizmus megalapítója és számos stílust alkotó művész a XX. században nemcsak Európa, hanem az egész világ képzőművészetére is hatással volt.
Pablo Picasso művész: gyermekkor és tanulási évek
Az egyik legfényesebb Malagában, egy Merced téri házban született 1881-ben, október 25-én. Ma P. Picassóról elnevezett múzeum és alapítvány működik. A spanyol hagyományt követve a kereszteléskor a szülők meglehetősen hosszú nevet adtak a fiúnak, ami a szentek és a család legközelebbi és legtiszteltebb rokonai nevének váltakozása. Végső soron a legelső és az utolsó is ismeri. Pablo úgy döntött, hogy felveszi anyja vezetéknevét, mivel az apja nevét túl egyszerűnek tartotta. A fiú tehetsége és rajzszenvedélye már kora gyermekkorában megmutatkozott. Az első és nagyon értékes leckéket édesapja tanította neki, aki szintén művész volt. Jose Ruiznak hívták. Nyolc évesen festette első komoly festményét - a „Picadort”. Nyugodtan kijelenthetjük, hogy vele kezdődött Pablo Picasso munkája. A leendő művész édesapja 1891-ben kapott egy ajánlatot, hogy tanárként dolgozzon La Coruñában, és a család hamarosan Észak-Spanyolországba költözött. Ott Pablo egy évig tanult egy helyi művészeti iskolában. Ezután a család az egyik legszebb városba költözött - Barcelonába. A fiatal Picasso 14 éves volt akkor, és túl fiatal volt ahhoz, hogy a La Lonjában (a képzőművészeti iskolában) tanuljon. Édesapja azonban biztosítani tudta, hogy versenyeztetéses felvételi vizsgákat tegyen, ami remekül sikerült. További négy év elteltével szülei úgy döntöttek, hogy beíratják az akkori legjobb haladó művészeti iskolába - a madridi „San Fernando”-ba. Az akadémiai tanulás hamar megunta a fiatal tehetséget, klasszikus kánonjaiban és szabályaiban görcsösnek, sőt unatkozni is érzett. Ezért több időt szentelt a Prado Múzeumnak és a gyűjtemények tanulmányozásának, majd egy évvel később visszatért Barcelonába. Munkásságának korai szakaszába 1986-ban festett festmények tartoznak: Picasso „Önarcképe”, „Elsőáldozás” (a művész nővérét, Lolát ábrázolja), „Anya portréja” (az alábbi képen).
Madridi tartózkodása alatt tette meg első útját, ahol tanulmányozta az összes múzeumot és a legnagyobb mesterek festményeit. Ezt követően többször is eljött a világművészet e központjába, majd 1904-ben végleg elköltözött.
"Kék" időszak
Ezt az időszakot éppen ebben az időben tekinthetjük úgy, hogy Picasso munkásságában kezd megnyilvánulni a külső hatásoknak még kiszolgáltatott egyénisége. Köztudott tény: a kreatív emberek tehetsége a legvilágosabban a nehéz élethelyzetekben nyilvánul meg. Pontosan ez történt Pablo Picassóval is, akinek műveit ma már az egész világon ismerik. A felszállást egy közeli barát, Carlos Casagemas halála okozta hosszú depresszió váltotta ki. 1901-ben a Vollard által szervezett kiállításon a művész 64 alkotását mutatták be, de akkor még csupa érzékiség és fényesség, egyértelműen érezhető volt az impresszionisták hatása. Munkásságának „kék” korszaka fokozatosan jogosítványaiba lépett, merev alakkontúrokkal és a kép háromdimenziósságának elvesztésével, a művészi perspektíva klasszikus törvényeitől való eltéréssel jelentkezve. Vászonjain egyre monotonabb a színpaletta, hangsúlyos a kék. A korszak kezdetének tekinthető „Jaime Sabartes portréja” és Picasso 1901-ben festett önarcképe.
A „kék” korszak festményei
A mester kulcsszavai ebben az időszakban a magány, a félelem, a bűntudat, a fájdalom voltak. 1902-ben ismét visszatért Barcelonába, de nem maradhatott ott. A Katalónia fővárosában kialakult feszült helyzet, a minden oldalról kialakult szegénység és a társadalmi igazságtalanság népi nyugtalanságot eredményez, amely fokozatosan elnyeli nemcsak egész Spanyolországot, hanem Európát is. Valószínűleg ez az állapot is hatott az idén gyümölcsözően és rendkívül keményen dolgozó művészre. A szülőföldön a „kék” korszak remekei születtek: „Két nővér (dátum)”, „Öreg zsidó fiúval”, „Tragédia” (a fenti vászon fotója), „Élet”, ahol a kép a Az elhunyt Casagemas ismét megjelenik. 1901-ben megfestették az „Abszintivó” című festményt is. A francia művészetre jellemző „ördögi” karakterek iránti akkoriban népszerű vonzalom hatását követi nyomon. Az abszint témája számos festményen megjelenik. Picasso munkái többek között tele vannak drámaisággal. Különösen szembeötlő a nő hipertrófiás keze, amellyel mintha védekezni próbálna. Jelenleg az Ermitázsban őrzik „Az abszintszeretőt”, amely a forradalom után S. I. Shchukin Picasso műveinek (51 mű) magángyűjteményéből került oda.
Amint lehetőség adódik, hogy ismét Spanyolországba menjen, úgy dönt, hogy él vele, és 1904 tavaszán elhagyja Spanyolországot. Ott találkozott új érdeklődési körökkel, érzésekkel és benyomásokkal, amelyek kreativitásának új szakaszát idézték elő.
"Rózsaszín" időszak
Picasso munkásságában ez a szakasz viszonylag sokáig tartott - 1904-től (ősztől) 1906 végéig -, és nem volt teljesen homogén. A korabeli festmények nagy részét a világos színvilág, az okker, gyöngyszürke, vörös-rózsaszín tónusok megjelenése jellemzi. Jellemző az új témák megjelenése és későbbi dominanciája a művész munkájában - színészek, cirkuszi előadók és akrobaták, sportolók. Természetesen az anyagok túlnyomó többségét a Medrano Circus biztosította számára, amely abban az évben a Montmartre lábánál volt. A fényes színházi környezet, a jelmezek, a viselkedés, a típusok sokfélesége mintha visszavezette volna P. Picassót a természetes tér, bár átalakult, de valódi formák és térfogatok világába. Festményeinek képei ismét érzékivé váltak, élettel és fényességgel teltek meg, szemben a kreativitás „kék” szakaszának szereplőivel.
Pablo Picasso: a „rózsaszín” időszak alkotásai
Az új korszak kezdetét jelentő festményeket először 1905 telének végén állították ki a Serurrier Galériában – ezek az „Ülő akt” és a „Színész”. A „rózsaszín” korszak egyik elismert remeke a „komikusok családja” (a fenti képen). A vászon lenyűgöző méretekkel rendelkezik - több mint két méter magas és szélesség. A cirkuszi előadók figuráit kék ég hátterében ábrázolják, általánosan elfogadott, hogy a jobb oldali harlekin maga Picasso. A szereplők mindegyike statikus, és nincs közöttük belső közelség, mindegyiket megbéklyózza a belső magány – ez az egész „rózsaszín” időszak témája. Emellett érdemes megjegyezni Pablo Picasso következő műveit: „Nő ingben”, „WC”, „Lóvezető fiú”, „Akrobaták. Anya és fia", "Lány kecskével". Mindegyikük a szépséget és a nyugalmat mutatja be a nézőnek, ami ritka a művész festményeinél. A kreativitás új lendületet kapott 1906 végén, amikor Picasso átutazott Spanyolországon, és a Pireneusok egyik kis falujában kötött ki.
Afrikai kreatív időszak
P. Picasso először a Trocadero Múzeumban rendezett tematikus kiállításon találkozott az archaikus afrikai művészettel. Lenyűgözték a primitív formájú pogány bálványok, egzotikus maszkok és figurák, amelyek megtestesítik a természet hatalmas erejét, és eltávolodtak a legapróbb részletektől is. A művész ideológiája egybeesett ezzel az erőteljes üzenettel, és ennek eredményeként elkezdte leegyszerűsíteni hőseit, kőbálványszerűvé tette őket, monumentálisak és élesek. Az első alkotás ennek a stílusnak az irányába azonban 1906-ban jelent meg - ez Pablo Picasso portréja az írónőről, aki 80-szor írta át a képet, és már teljesen elvesztette a hitét abban, hogy képét klasszikus stílusban megtestesítse. . Ezt a pillanatot joggal nevezhetjük átmenetnek a természet követéséből a forma deformációjába. Csak nézze meg az olyan festményeket, mint a „Meztelen nő”, „Fátyolokkal tánc”, „Dryad”, „Barátság”, „Egy tengerész mellszobra”, „Önarckép”.
De Picasso munkásságának afrikai színpadának talán legszembetűnőbb példája a „Les Demoiselles d’Avignon” festmény (a fenti képen), amelyen a mester körülbelül egy évig dolgozott. Ez megkoronázta a művész alkotói útjának ezt a szakaszát, és nagymértékben meghatározta a művészet egészének sorsát. A festmény először csak harminc évvel a megfestése után jelent meg, és nyitott ajtóvá vált az avantgárd világába. A párizsi bohém kör szó szerint két táborra szakadt: „mellett” és „ellen”. A festményt jelenleg a New York-i Modern Művészetek Múzeumában őrzik.
Kubizmus Picasso műveiben
A kép egyediségének és pontosságának problémája az európai képzőművészetben az első helyen maradt egészen addig a pillanatig, amikor a kubizmus be nem robbant. Sokan a művészek körében felmerült kérdésnek tartják a fejlődés lendületét: „Miért rajzolni?” A 20. század elején a látottak megbízható képét szinte bárki megtaníthatta, a fotózás pedig szó szerint a fotózás sarkában állt, ami azzal fenyegetett, hogy minden mást teljesen kiszorít. A vizuális képek nemcsak hihetővé, hanem hozzáférhetővé és könnyen reprodukálhatóvá is válnak. Pablo Picasso kubizmusa ebben az esetben az alkotó egyéniségét tükrözi, feladva a külvilágról alkotott hihető képet, és teljesen új lehetőségeket és felfogási határokat nyit meg.
A korai alkotások között szerepel: „Cserép, pohár és könyv”, „Fürdés”, „Virágcsokor egy szürke kancsóban”, „Kenyér és egy tál gyümölcs az asztalon” stb. A vásznakon jól látható, hogyan változik a művész stílusa, a korszak vége felé (1918-1919) egyre elvontabb vonásokat kap. Például: „Harlekin”, „Három zenész”, „Csendélet gitárral” (a fenti képen). Picassónak egyáltalán nem illett a közönség a mester munkásságának az absztrakcionizmushoz való asszociációja, fontos volt számára a festmények érzelmes üzenete, rejtett jelentése. Végül a kubizmus stílusa, amelyet ő maga alkotott, fokozatosan megszűnt inspirálni és érdekelni a művészt, megnyitva az utat a kreativitás új irányzatai előtt.
Klasszikus korszak
A 20. század második évtizede meglehetősen nehéz volt Picassó számára. Így 1911-et a Louvre-ból ellopott figurák története fémjelezte, amelyek nem a legjobb fényben mutatták a művészt. 1914-ben világossá vált, hogy Picasso még annyi év után sem állt készen arra, hogy Franciaországért harcoljon az első világháborúban, ami elválasztotta sok barátjától. A következő évben pedig meghalt szeretett Marcelle Humbert.
A valósághűbb Pablo Picasso visszatérését munkáiban, akinek műveit ismét olvasmányosság, figuratívság és művészi logika töltötte meg, számos külső tényező is befolyásolta. Beleértve egy római utazást, ahol áthatotta az ókori művészet, valamint a Diaghilev balettcsoportjával folytatott kommunikációt és a balerinával, Olga Khokhlovával való találkozást, aki hamarosan a művész második felesége lett. 1917-es, bizonyos értelemben kísérleti jellegű portréja egy új korszak kezdetének tekinthető. Pablo Picasso orosz balett nemcsak új remekművek létrehozását inspirálta, hanem szeretett és régóta várt fiát is ajándékozta. A korszak leghíresebb alkotásai: „Olga Khokhlova” (a fenti képen), „Pierrot”, „Csendélet kancsóval és almákkal”, „Alvó parasztok”, „Anya és gyermek”, „Nők a tengerparton futó” „A három grácia”.
Szürrealizmus
A kreativitás felosztása nem más, mint a polcokba rendezés és egy bizonyos (stilisztikai, időbeli) keretek közé szorításának vágya. A világ legjobb múzeumait és galériáit díszítő Pablo Picasso munkásságának ez a megközelítése azonban nagyon feltételesnek nevezhető. Ha a kronológiát követjük, akkor az 1925-1932 közötti időszakra esik az az időszak, amikor a művész közel állt a szürrealizmushoz. Egyáltalán nem meglepő, hogy a mester munkájának minden szakaszában egy múzsa meglátogatta az ecset mesterét, és amikor O. Khokhlova fel akarta ismerni magát a vásznokon, a neoklasszicizmus felé fordult. A kreatív emberek azonban ingatagok, és hamarosan Picasso életébe lépett a fiatal és nagyon szép Maria Teresa Walter, aki megismerkedésükkor mindössze 17 éves volt. Az úrnői szerepre szánták, és 1930-ban a művésznő vásárolt egy kastélyt Normandiában, amely otthonává és műhelyévé vált. Maria Teresa hűséges társ volt, kitartóan tűrte az alkotó kreatív és szeretetteljes dobálását, baráti levelezést folytatott Pablo Picasso haláláig. Művek a szürrealizmus időszakából: „Tánc”, „Nő a székben” (az alábbi képen), „Fürdő”, „Akt a tengerparton”, „Álom” stb.
világháború időszaka
Picasso rokonszenve az 1937-es spanyolországi háború alatt a republikánusoké volt. Amikor ugyanabban az évben az olasz és német repülőgépek elpusztították Guernicát - a baszkok politikai és kulturális központját -, Pablo Picasso mindössze két hónap alatt egy hatalmas, azonos nevű vásznon ábrázolta a romokban heverő várost. A szó szoros értelmében iszonyat fogta el az egész Európát lebonyolító fenyegetéstől, amely nem tudta, de hatással volt kreativitására. Az érzelmeket nem közvetlenül fejezték ki, hanem a hangnemben, annak komorságában, keserűségében és szarkazmusában testesültek meg.
Miután a háborúk elhaltak, és a világ viszonylagos egyensúlyba került, helyreállított mindent, ami elpusztult, Picasso munkája is vidámabb és ragyogóbb színeket kapott. 1945-1955-ben festett vásznai mediterrán ízűek, nagyon hangulatosak, részben idealisztikusak. Ugyanakkor kerámiával kezdett foglalkozni, sok dekorációs kancsót, edényt, tányért és figurát készített (a fenti képen látható). Élete utolsó 15 évében készült alkotások stílusában és minőségében nagyon egyenetlenek.
A huszadik század egyik legnagyobb művésze, Pablo Picasso 91 éves korában hunyt el francia villájában. A hozzá tartozó Vovenart kastély közelében temették el.
