(ტარა ლივერის სტატიის თარგმანი „საკუთარი მხატვრული სტილის პოვნა: პრაქტიკული გზამკვლევი“ –
ბევრი ჩვენგანისთვის საკუთარი ცნობადი მხატვრული სტილის პოვნა დიდ სირთულეს იწვევს. და ეს ეხება არა მხოლოდ მათ, ვინც ახალ ნახატშია, არამედ გავლენას ახდენს გამოცდილ მხატვრებზე.
შესაძლოა ეჭვი გეპარებათ მანამ, სანამ ფუნჯი ტილოს შეეხო, გაიხსენებთ სხვადასხვა კრიტიკას თქვენი მასწავლებლებისგან, ან უბრალოდ იკარგებით სხვადასხვა შესაძლო იდეებისა და სხვადასხვა კურსიდან მიღებული შთაგონების დიდ რაოდენობაში. ან იქნებ ორივე ერთდროულად!
გასაკვირი არ არის, რომ როდესაც იპოვით თქვენს სტილს, თავს შესანიშნავად იგრძნობთ!
დღეს ვხედავ რამდენიმე მარტივი გზა საკუთარი სტილის პოვნისა და განვითარებისთვის.
ეს ყველა ადამიანს აქვს, თქვენ უბრალოდ უნდა დაეხმაროთ მას საკუთარი თავის გამოხატვაში. ჩვენ მას ვავითარებთ მუდმივი ვარჯიშით და ვარჯიშით, მაგრამ არის არაცნობიერი ნაწილიც, რომელიც მოდის არა „ხელებით“, არამედ გულიდან.
ვიცი, რომ ეს იდეა აშკარად ჩანს, მაგრამ სწორედ ეს კომბინაცია გვაძლევს საშუალებას დავიწყოთ მუშაობა ჩვენი ინდივიდუალური სტილის განვითარებაზე. გარედან მიღებული ეს იდეა გაძლევს უფრო ნათელ წარმოდგენას იმის შესახებ, თუ სად უნდა დაიწყოთ თქვენი შემოქმედების შესწავლა და თქვენი სტილის პოვნა.
რასაც ქვემოთ წაიკითხავთ, არ არის გამიზნული იყოს ამომწურავი ინფორმაცია ამ თემაზე. ეს მხოლოდ საწყისი წერტილებია, რომ იპოვოთ საკუთარი გზა.
აიღეთ თქვენი უახლესი ნამუშევარი, განათავსეთ ისე, რომ თქვენთვის მოსახერხებელი იყოს მისი ნახვა. უპასუხეთ კითხვებს თანმიმდევრულად, აღნიშნეთ თქვენი რეაქციები და დაკვირვებები გზაზე. თუ გსურთ, შეგიძლიათ გააკეთოთ წერილობითი შენიშვნები.
ჩვენ მივდივართ საგანძურზე!
მთავარი საგანძური თქვენი საკუთარი შემოქმედებაა.
იფიქრეთ იმაზე, თუ რას ხატავთ ყველაზე ხშირად
- რომელი თემები და საგნები გიზიდავთ ყველაზე მეტად ნახატში? თუ პასუხის გაცემა გიჭირთ, პასუხის საძიებლად გადახედეთ თქვენს ნახატებს და ნამუშევრებს.
პირადად მე ვცდილობ გავიხსენო ჩემი პრეფერენციები ისტორიებში, რამდენად ხშირად ვმუშაობ კონკრეტულ თემაზე. და სადღაც სახლში მაქვს რვეულიდან ფურცელი, სადაც ვწერ ამ ინფორმაციას. ასე რომ, როცა მიჭირს ნახატში ჩემს საყვარელ თემაზე კითხვაზე პასუხის გაცემა, საკუთარ თავში ან ამ ფურცელს ვუყურებ.
ასე რომ, მე მიყვარს ნავების ხატვა! და ასევე თევზი, ფიგურები და ხეები.
საყვარელი თემების სია ამ ეტაპზე არ არის აუცილებელი იყოს სრულიად სრული ან ამომწურავი. საკმარისია საკუთარი თავისთვის გამოყოთ რამდენიმე მათგანი, რათა გქონდეთ საწყისი წერტილი.
ნამუშევრების შერჩევა ექსპერიმენტებითა და შემოქმედებითი გამოკვლევებით ხეების თემაზე. შეგიძლიათ იხილოთ სამუშაოების დამაკავშირებელი საერთო მახასიათებლები - სინუსური ხაზები და კონტურის ნახაზი.
რა ფერები მოგწონს?
- იფიქრეთ თქვენი ნაგულისხმევი ფერის პალიტრაზე.
- რას გეტყვით თქვენს უახლეს ნამუშევრებს ფერების განმეორებით არჩევანზე?
ჩემი სამუშაო პალიტრა ახლახან მოიცავს აკვა, ლურჯი, ნეპალის ყვითელი, ფლუორესცენტური ვარდისფერი და თეთრი, რისთვისაც ვიყენებ Gesso აკრილის პრაიმერი. ეს მაძლევს სიბნელეების, შუა და მაჩვენებლების კარგ დიაპაზონს. მე ნამდვილად მსიამოვნებს ამ ფერებით თამაში, ისინი იდეალურად ერგებიან ჩემს მოთხოვნილებებსა და მოთხოვნილებებს მომენტში.
Და შენ რას იტყვი შენს შესახებ?
მარცხნივ არის ჩემი ფოტოსურათი, მარჯვნივ არის მასზე დაფუძნებული ნახატი. გამოვიყენე ფერები "ჩემი" პალიტრიდან და ექსპერიმენტული ტექნიკიდან.
რა თვისებები აქვს თქვენს სტილს?
- რას ანიჭებთ უპირატესობას - გრაფიკულ ხაზებს თუ ფერთა დიდ ფართობებთან მუშაობას?
- მოგწონთ არაჩვეულებრივი ტექნიკის გამოყენება ფუნჯით მუშაობისას?
- ან იქნებ გირჩევნიათ არ გამოიყენოთ კბილის ჯაგრისი შესხურებისთვის?
- მოგწონთ ეგრეთ წოდებული შაბლონების, დიზაინის შექმნა, თუ გირჩევნიათ მეტი ფანტაზიითა და მოცულობით მუშაობა?
ჩემი სტილის თავისებურებაა კონტურული ხაზები, ხშირად არათანაბარი და ბუნდოვანი, ზოგჯერ "ბინძური" ფერის. შთაგონებული ვარ ეგონ შილეს ნამუშევრებით. მე ასევე მიყვარს ნერვული ფერის კონტრასტები და დახვეწილი, მოქნილი დიზაინი.
გაანალიზეთ, რომელი ტექნიკა მოგწონთ განსაკუთრებით და ახლოს ხართ, რაც გაძლევს კმაყოფილების განცდას თქვენი შემოქმედებით. განავითარეთ ისინი და დაიცავით ისინი თქვენს მომავალ სამუშაოებში.
თხილისფერი მელნით შესრულებული თევზის ნახატი. ექსპერიმენტი ხაზებით.
რა ტექნიკა ან ხელოვნების მასალა მოგწონთ?
- შეიძლება გქონდეთ რამდენიმე მათგანი. რა მოგწონთ ყველაზე კარგად?
ძალიან მიყვარს ზეთის პასტელებთან მუშაობა. მაგრამ ყველაზე მეტად მომწონს აკრილით მუშაობა და მედიუმის გამოყენება ჩემს საქმეში. ეს საშუალებას მაძლევს გავაკონტროლო საღებავების გაშრობის პროცესი და ვითამაშო შედეგთან. ყველაფერი სწრაფად აქრობს ლორწოს და ისეთივე ადვილი გასაწმენდია.
თუ თქვენ გაქვთ ერთი საყვარელი ტექნიკა, ეს ნიშნავს, რომ თქვენ შეგიძლიათ შეისწავლოთ მისი ყველა შესაძლებლობა, გააუმჯობესოთ თქვენი უნარები და, შესაბამისად, თქვენი სამუშაო ზოგადად.
მე არ გამომიყენებია ცნობები ამ სამუშაოსთვის. ჩემი საყვარელი მასალა მხოლოდ ორია - აკრილი და ზეთის პასტელი.
რა შთააგონებს?
ასე რომ, ჩვენ განვიხილეთ ძირითადი საკითხები, რომლებსაც განსაკუთრებული ყურადღება უნდა მიაქციოთ თქვენი სტილის ძიებისას. ახლა ცოტა გადავუხვიოთ, გადავხედოთ სხვა მხატვრების ნამუშევრებს და ვიფიქროთ იმაზე, რისი სესხება შეგვიძლია მათგან საკუთარი თავისთვის.
გირჩევთ ამის გაკეთებას მას შემდეგ რაც უპასუხეთ წინა ოთხ კითხვას. სანამ დაიწყებთ სხვა მხატვრების ნამუშევრების განხილვას და შეფასებას, ჯერ უნდა გაიგოთ საკუთარი შემოქმედება.
თუ დარწმუნებული ხართ, რომ დაადგინეთ თქვენი ნამუშევრების ძირითადი მახასიათებლები, ეს გაგიადვილებთ სხვა მხატვრების ნამუშევრების პოვნას თქვენი სტილისა და სამყაროს ხედვის მსგავსი. გაგიადვილდებათ შეაფასოთ მათი ნამუშევრები და მოძებნოთ ის თვისებები, რომლებიც გსურთ დაამატოთ თქვენს ნამუშევრებს, თქვენს სტილს.
იგი შექმნილია ვიზუალური ინფორმაციის შეგროვებისა და გაზიარებისთვის. აქ არის სხვადასხვა სურათების, ფოტოების და სურათების ზღვა. დასვით რამდენიმე ძირითადი შეკითხვა და შეხედეთ შედეგებს.
თქვენ შეგიძლიათ შექმნათ თქვენი პირადი დაფა, რომელზედაც შეაგროვებთ (დაამაგრეთ!) ყველაფერს, რაც შთააგონებს და დაგაინტერესებთ, იქნება ეს საინტერესო კომპოზიცია ერთ სურათზე, მეორის ფერთა პალიტრა, მხატვრის სტილი მესამეში, თუ სიუჟეტი. მეოთხედან.
ჩემს დაფაზე არ ვაგროვებ სხვა მხატვრების ნახატებს. ამას იმიტომ არ ვაკეთებ, რომ ისინი არ შთამაგონებენ. მე უბრალოდ მინდა ვიყო თავისუფალი იმისგან, რაც სხვა მხატვრებმა დახატეს იმ მომენტში, როდესაც დავიწყებ შექმნას, ვეძიო საკუთარი საგნები და გადაწყვეტილებები.
საცნობარო ფოტოები (ფოტო წყაროები ხატვისთვის) ნაწილობრივ დაგეხმარებათ ამაში. მათ შეუძლიათ კარგად მოგემსახურონ, ასე რომ შეინახეთ ისინი ხელთ ან შეინახეთ ფოტოები თქვენს Pinterest დაფაზე, რომლებიც შთააგონებენ თქვენ.
გარდა ამისა, თქვენ მიერ შეგროვებული ფოტოების გულდასმით დათვალიერებით, თქვენ აუცილებლად დაინახავთ მინიშნებებს იმის შესახებ, თუ რა არის თქვენთვის საინტერესო ამ მომენტში და რა უნდა გააკეთოთ შემდეგ.
დიახ, Pinterest ჰგავს კურდღლის ხვრელს! თუ თქვენ ვერ შეძლებთ მისგან თავის დაღწევას, დააყენეთ ტაიმერი.
მარცხნივ არის ფოტო Pinterest-დან, მარჯვნივ არის ჩემი ნამუშევარი, რომელიც ამ ფოტოზეა შთაგონებული.
დამწყები მხატვრების შეცდომები
ფერწერის სტილები და მიმართულებებისტილისა და ტენდენციების რაოდენობა უზარმაზარია, თუ არა უსასრულო. ხელოვნებაში სტილებს არ აქვთ მკაფიო საზღვრები, ისინი შეუფერხებლად გარდაიქმნებიან ერთმანეთში და იმყოფებიან უწყვეტ განვითარებაში, შერევასა და წინააღმდეგობაში. ერთი ისტორიული მხატვრული სტილის ფარგლებში ყოველთვის იბადება ახალი და ეს, თავის მხრივ, გადადის შემდეგში. ბევრი სტილი ერთდროულად თანაარსებობს და ამიტომ საერთოდ არ არსებობს „სუფთა სტილი“.
აბსტრაქციონიზმი (ლათინურიდან abstractio - მოცილება, ყურადღების გაფანტვა) - მხატვრული მიმართულება ხელოვნებაში, რომელმაც მიატოვა რეალობასთან მიახლოებული ფორმების გამოსახვა.
ავანგარდი, ავანგარდი (ფრანგული ავანგარდიდან - ავანგარდი) - მე-20 საუკუნის ხელოვნებაში მხატვრული მოძრაობების ზოგადი სახელწოდება, რომელიც ხასიათდება მხატვრული ჩვენების ახალი ფორმებისა და საშუალებების ძიებით, ტრადიციების შეუფასებლად ან სრული უარყოფით და აბსოლუტიზაციით. ინოვაცია.
აკადემიკოსობა (ფრანგული academisme-დან) - მიმართულება მე-16-19 საუკუნეების ევროპულ მხატვრობაში. იგი ეფუძნებოდა კლასიკური ხელოვნების გარეგანი ფორმების დოგმატურ დაცვას. მიმდევრები ახასიათებდნენ ამ სტილს, როგორც ანარეკლს ძველი ანტიკური სამყაროსა და რენესანსის ხელოვნების ფორმაზე. აკადემიიზმი ავსებდა ანტიკური ხელოვნების ტრადიციებს, რომლებშიც ბუნების გამოსახულება იყო იდეალიზებული, ხოლო სილამაზის ნორმის კომპენსირება. ამ სტილში წერდნენ ანიბალი, აგოსტინო და ლოდოვიკო კარაჩი.
აქციონიზმი (ინგლისური სამოქმედო არტიდან - მოქმედების ხელოვნება) - ჰევენინგი, პერფორმანსი, მოვლენა, პროცესის ხელოვნება, საჩვენებელი ხელოვნება და რიგი სხვა ფორმები, რომლებიც გაჩნდა 1960-იანი წლების ავანგარდულ ხელოვნებაში. აქციონიზმის იდეოლოგიის შესაბამისად, ხელოვანმა უნდა მოაწყოს მოვლენები და პროცესები. აქციონიზმი ცდილობს გაახილოს ზღვარი ხელოვნებასა და რეალობას შორის.
იმპერიის სტილი (საფრანგეთის იმპერიიდან - იმპერია) - სტილი არქიტექტურასა და დეკორატიულ ხელოვნებაში, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში მე -19 საუკუნის დასაწყისში, ნაპოლეონ ბონაპარტის პირველი იმპერიის პერიოდში. იმპერიის სტილი კლასიციზმის განვითარების ფინალია. დიდებულების, დახვეწილობის, ფუფუნების, ძალაუფლებისა და სამხედრო სიძლიერის განსახიერებისთვის იმპერიის სტილს ახასიათებს მიმართვა ანტიკური ხელოვნებისადმი: ძველი ეგვიპტური დეკორატიული ფორმები (სამხედრო ტროფები, ფრთიანი სფინქსები...), ეტრუსკული ვაზები, პომპეის მხატვრობა, ბერძნული და რომაული დეკორი. , რენესანსის ფრესკები და ორნამენტები. ამ სტილის მთავარი წარმომადგენელი იყო ჯ.ლ. დავითი (ნახატები "ჰორატიის ფიცი" (1784), "ბრუტუსი" (1789))
მიწისქვეშა (ინგლისური ანდერგრაუნდიდან - underground, dungeon) - მთელი რიგი მხატვრული მოძრაობები თანამედროვე ხელოვნებაში, რომლებიც ეწინააღმდეგება მასობრივ კულტურას და მეინსტრიმს. ანდერგრაუნდი უარყოფს და არღვევს სოციალურად მიღებულ პოლიტიკურ, მორალურ და ეთიკურ ორიენტაციას და ქცევის ტიპებს, ნერგავს ანტისოციალურ ქცევას ყოველდღიურ ცხოვრებაში. საბჭოთა პერიოდში რეჟიმის სიმკაცრის გამო თითქმის ყველაფერი არაოფიციალური, ე.ი. ხელისუფლების მიერ არ აღიარებული, ხელოვნება მიწისქვეშა აღმოჩნდა.
არტ ნუვო (ფრანგული არტ ნუვოდან, სიტყვასიტყვით - ახალი ხელოვნება) მრავალ ქვეყანაში (ბელგია, საფრანგეთი, ინგლისი, აშშ და სხვ.) გავრცელებული არტ ნუვოს სტილის სახელია. ამ სტილის მხატვრობის ყველაზე ცნობილი მხატვარი: ალფონს მუჩა.
არტ დეკო (ფრანგული არტ დეკო-დან, შემოკლებით დეკორატივიდან) - მიმართულება ხელოვნებაში მე-20 საუკუნის შუა წლებში, რომელმაც აღნიშნა ავანგარდისა და ნეოკლასიციზმის სინთეზი, შეცვალა კონსტრუქტივიზმი. ამ ტენდენციის გამორჩეული თვისებები: დაღლილობა, გეომეტრიული ხაზები, ფუფუნება, ელეგანტური, ძვირადღირებული მასალები (სპილოს ძვალი, ნიანგის კანი). ამ მოძრაობის ყველაზე ცნობილი მხატვარია თამარა დე ლემპიკა (1898-1980).
ბაროკო (იტალიური ბაროკოდან - უცნაური, უცნაური ან პორტ. perola barroca - უსწორმასწორო ფორმის მარგალიტი, არსებობს სხვა ვარაუდები ამ სიტყვის წარმოშობის შესახებ) - მხატვრული სტილი გვიანი რენესანსის ხელოვნებაში. ამ სტილის გამორჩეული ნიშნები: გადაჭარბებული ზომები, გატეხილი ხაზები, დეკორატიული დეტალების სიმრავლე, სიმძიმე და კოლოსალურობა.
რენესანსი, ან რენესანსი (ფრანგული რენესანსიდან, იტალიური rinascimento) არის ეპოქა ევროპული კულტურის ისტორიაში, რომელმაც შეცვალა შუა საუკუნეების კულტურა და წინ უძღოდა თანამედროვეობის კულტურას. ეპოქის სავარაუდო ქრონოლოგიური ჩარჩო არის XIV-XVI სს. რენესანსის გამორჩეული თვისებაა კულტურის სეკულარული ბუნება და მისი ანთროპოცენტრიზმი (ანუ ინტერესი, უპირველეს ყოვლისა, ადამიანისა და მისი საქმიანობის მიმართ). ჩნდება ინტერესი უძველესი კულტურის მიმართ, ხდება მისი „აღორძინება“, როგორც ეს იყო - და ასე გაჩნდა ტერმინი. ტრადიციული რელიგიური თემების სურათების დახატვისას, მხატვრებმა დაიწყეს ახალი მხატვრული ტექნიკის გამოყენება: სამგანზომილებიანი კომპოზიციის აგება, ლანდშაფტის ფონზე გამოყენება, რამაც მათ საშუალება მისცა გამოსახულებები უფრო რეალისტური და ანიმაციური გაეხადათ. ეს მკვეთრად განასხვავებს მათ ნამუშევრებს წინა იკონოგრაფიული ტრადიციისგან, რომელიც სავსეა გამოსახულების კონვენციებით. ამ პერიოდის ყველაზე ცნობილი მხატვრები: სანდრო ბოტიჩელი (1447-1515), ლეონარდო და ვინჩი (1452-1519), რაფაელ სანტი (1483-1520), მიქელანჯელო ბუონაროტი (1475-1564), ტიციანი (1477-1576), ანტონიო კორრეგიო. (1489 -1534), იერონიმუს ბოში (1450-1516), ალბრეხტ დიურერი (1471-1528).
ვუდლენდი (ინგლისურიდან - ტყის მიწა) არის ხელოვნების სტილი, რომელიც სათავეს იღებს ჩრდილოეთ ამერიკელი ინდიელების კლდოვანი ნახატების, მითებისა და ლეგენდების სიმბოლიკაში.
გოთიკა (იტალიური gotico-დან - უჩვეულო, ბარბაროსული) არის პერიოდი შუა საუკუნეების ხელოვნების განვითარებაში, რომელიც მოიცავს კულტურის თითქმის ყველა სფეროს და ვითარდება დასავლეთ, ცენტრალურ და ნაწილობრივ აღმოსავლეთ ევროპაში მე-12-დან მე-15 საუკუნემდე. გოთიკამ დაასრულა ევროპული შუა საუკუნეების ხელოვნების განვითარება, რომელიც წარმოიშვა რომაული კულტურის მიღწევების საფუძველზე, ხოლო რენესანსის დროს, შუა საუკუნეების ხელოვნება ითვლებოდა "ბარბაროსულად". გოთური ხელოვნება იყო საკულტო დანიშნულებით და რელიგიური თემატიკით. იგი ეხებოდა უმაღლეს ღვთაებრივ ძალებს, მარადისობას და ქრისტიანულ მსოფლმხედველობას. გოთიკა თავის განვითარებაში იყოფა ადრეულ გოთიკად, ჰეიდაურ, გვიან გოთად.
იმპრესიონიზმი (ფრანგული შთაბეჭდილებიდან - შთაბეჭდილება) არის მიმართულება ევროპულ მხატვრობაში, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში მე-19 საუკუნის შუა წლებში, რომლის მთავარი მიზანი იყო წარმავალი, ცვალებადი შთაბეჭდილებების გადმოცემა.
კიჩი, კიჩი (გერმანული kitsch - ცუდი გემო) არის ტერმინი, რომელიც აღნიშნავს მასობრივი კულტურის ერთ-ერთ ყველაზე ოდიოზურ მოვლენას, ფსევდო-ხელოვნების სინონიმს, რომელშიც მთავარი ყურადღება ეთმობა გარეგნობის ექსტრავაგანტურობას, ხმამაღალობას. მისი ელემენტები. არსებითად კიტჩი პოსტმოდერნიზმის სახეობაა. კიჩი ელიტის მასობრივი ხელოვნებაა. ნამუშევარი, რომელიც ეკუთვნის კიჩს, უნდა იყოს შესრულებული მაღალ მხატვრულ დონეზე, მას უნდა ჰქონდეს მომხიბლავი სიუჟეტი, მაგრამ ეს არ არის ნამდვილი ხელოვნების ნიმუში მაღალი გაგებით, არამედ მისი ოსტატურად გაყალბება. კიჩი შეიძლება შეიცავდეს ღრმა ფსიქოლოგიურ კონფლიქტებს, მაგრამ არ არსებობს ნამდვილი მხატვრული აღმოჩენები და გამოცხადებები.
კლასიციზმი (ლათინური classicus - სამაგალითო) არის მხატვრული სტილი ხელოვნებაში, რომლის საფუძველი იყო მიმართვა, როგორც იდეალური ესთეტიკური სტანდარტი, ძველი ხელოვნებისა და რენესანსის სურათებსა და ფორმებზე, რაც მოითხოვს რიგი წესების მკაცრ დაცვას. და კანონები.
კოსმიზმი (ბერძნული კოსმოსიდან - ორგანიზებული სამყარო, კოსმა - დეკორაცია) არის მხატვრული და ფილოსოფიური მსოფლმხედველობა, რომელიც დაფუძნებულია კოსმოსის ცოდნაზე და ადამიანის, როგორც სამყაროს მოქალაქის იდეაზე, ისევე როგორც მაკროკოსმოსის მსგავსი მიკროკოსმოსი. . კოსმიზმი დაკავშირებულია ასტრონომიულ ცოდნასთან სამყაროს შესახებ.
კუბიზმი (ფრანგული კუბიდან - კუბი) არის მოდერნისტული მოძრაობა ხელოვნებაში, რომელიც ასახავს რეალობის ობიექტებს მარტივ გეომეტრიულ ფორმებად დაშლილს.
ლეტრიზმი (ინგლისური ასოდან - წერილი, გაგზავნა) არის ტენდენცია მოდერნიზმში, რომელიც დაფუძნებულია შრიფტის მსგავსი სურათების, წაუკითხავი ტექსტის, აგრეთვე ასოებისა და ტექსტის საფუძველზე კომპოზიციების გამოყენებაზე.
მეტარეალიზმი, მეტაფიზიკური რეალიზმი (ბერძნულიდან meta - შორის და gealis - მატერიალური, რეალური) არის მიმართულება ხელოვნებაში, რომლის მთავარი იდეაა ზეცნობიერების, საგნების სუპერფიზიკური ბუნების გამოხატვა.
მინიმალიზმი (ინგლისური მინიმალურ ხელოვნება - მინიმალური ხელოვნება) არის მხატვრული მოძრაობა, რომელიც დაფუძნებულია შემოქმედებით პროცესში გამოყენებული მასალების მინიმალურ ტრანსფორმაციაზე, ფორმების სიმარტივესა და ერთგვაროვნებაზე, მონოქრომული და მხატვრის შემოქმედებითი თავშეკავება. მინიმალიზმს ახასიათებს სუბიექტურობის, რეპრეზენტაციისა და ილუზიონიზმის უარყოფა. კლასიკური ტექნიკისა და ტრადიციული მხატვრული მასალების უარყოფით, მინიმალისტები იყენებენ მარტივი გეომეტრიული ფორმებისა და ნეიტრალური ფერების (შავი, ნაცრისფერი), მცირე მოცულობის სამრეწველო და ბუნებრივ მასალებს და იყენებენ სამრეწველო წარმოების სერიულ, კონვეიერის მეთოდებს.
არტ ნუვო (მომდინარეობს ფრანგული moderne - უახლესი, თანამედროვე) არის მხატვრული სტილი, რომელშიც სხვადასხვა ეპოქის ხელოვნების თავისებურებები ხელახლა არის ინტერპრეტირებული და სტილიზებული მხატვრული ტექნიკის გამოყენებით, რომელიც დაფუძნებულია ასიმეტრიისა და დეკორატიულობის პრინციპებზე.
ნეოპლასტიკა აბსტრაქტული ხელოვნების ერთ-ერთი ადრეული სახეობაა. შექმნილია 1917 წელს ჰოლანდიელი მხატვრის პ. მონდრიანის და სხვა მხატვრების მიერ, რომლებიც იყვნენ ასოციაცია "სტილის" წევრები. ნეოპლასტიციზმს, მისი შემქმნელების აზრით, ახასიათებს „უნივერსალური ჰარმონიის“ სურვილი, რომელიც გამოიხატება დიდი მართკუთხა ფიგურების მკაცრად დაბალანსებულ კომბინაციებში, აშკარად გამოყოფილი შავი პერპენდიკულარული ხაზებით და შეღებილია ძირითადი სპექტრის ადგილობრივ ფერებში (თეთრის დამატებით. და ნაცრისფერი ტონები).
პრიმიტივიზმი, გულუბრყვილო ხელოვნება, გულუბრყვილო - ფერწერის სტილი, რომელშიც სურათი განზრახ გამარტივებულია, მისი ფორმები პრიმიტიულია, როგორც ხალხური ხელოვნება, ბავშვის ან პრიმიტიული ადამიანის ნამუშევარი.
ოპ არტი (ინგლისური ოპტიკური ხელოვნებისგან - ოპტიკური ხელოვნება) არის ნეო-ავანგარდული მიმართულება სახვით ხელოვნებაში, რომელშიც სივრცითი მოძრაობის ეფექტი, ფორმების შერწყმა და „მცურავი“ მიიღწევა მკვეთრი ფერისა და ტონალური კონტრასტების შემოღებით, რიტმული. გამეორებები, სპირალური და გისოსების კონფიგურაციების გადაკვეთა, ხრაშუნა ხაზები.
ორიენტალიზმი (ლათინური oriens - აღმოსავლეთი) არის მოძრაობა ევროპულ ხელოვნებაში, რომელიც იყენებს აღმოსავლეთისა და ინდოჩინეთის თემებს, სიმბოლიკას და მოტივებს.
ორფიზმი (ფრანგული orphisme-დან, Orp?ee-დან - Orpheus) არის მოძრაობა ფრანგულ მხატვრობაში 1910-იან წლებში. სახელი 1912 წელს ფრანგმა პოეტმა აპოლინერმა დაარქვა მხატვარ რობერ დელონეს ნახატს. ორფიზმი ასოცირდება კუბიზმთან, ფუტურიზმთან და ექსპრესიონიზმთან. ამ სტილის მხატვრობის ძირითადი მახასიათებლებია ესთეტიკა, პლასტიურობა, რიტმი, სილუეტებისა და ხაზების მადლი.
ორფიზმის ოსტატები: რობერტ დელონეი, სონია ტურკ-დელონეი, ფრანტიშეკ კუპკა, ფრენსის პიკაბია, ვლადიმერ ბარანოვი-როსინეტი, ფერნანდ ლეჟერი, მორგან რასელი.
პოპ-არტი (ინგლისური პოპ-დან - მკვეთრი ხმა, მსუბუქი ბამბა) არის ნეოავანგარდული მოძრაობა სახვითი ხელოვნებაში, რომელშიც რეალობაა თანამედროვე ურბანიზებული ცხოვრების ტიპიური ობიექტები, მასობრივი კულტურის მაგალითები და ადამიანის გარშემო არსებული მთელი ხელოვნური მატერიალური გარემო. .
პოსტმოდერნიზმი (ფრანგული პოსტმოდერნიზმიდან - მოდერნიზმის შემდეგ) არის ახალი მხატვრული სტილი, რომელიც განსხვავდება მოდერნიზმისგან მეორადი რეალობის მშვენიერების დაბრუნებით, ნარატივი, სიუჟეტისადმი მიმართვა, მელოდია, მეორადი ფორმების ჰარმონია. პოსტმოდერნიზმს ახასიათებს სხვადასხვა ეპოქებიდან, რეგიონებიდან და სუბკულტურებიდან ნასესხები სტილის, ფიგურული მოტივებისა და მხატვრული ტექნიკის ერთ ნაწარმოებში შერწყმა.
რეალიზმი (ლათინური gealis - მატერიალური, რეალური) არის მიმართულება ხელოვნებაში, რომელიც ხასიათდება სოციალური, ფსიქოლოგიური და სხვა ფენომენების გამოსახვით, რაც შეიძლება ახლოსაა რეალობასთან.
როკოკო (მომდინარეობს ფრანგული როკოკოდან, rocaille) არის სტილი ხელოვნებასა და არქიტექტურაში, რომელიც წარმოიშვა საფრანგეთში მე-18 საუკუნის დასაწყისში. იგი გამოირჩეოდა თავისი მადლით, სიმსუბუქით და ინტიმური და ფლირტი ხასიათით. მძიმე ბაროკოს ჩანაცვლების შემდეგ, როკოკო იყო მისი განვითარების ლოგიკური შედეგიც და მხატვრული ანტიპოდიც. როკოკო ბაროკოს სტილს აერთიანებს ფორმების სისრულის სურვილით, მაგრამ თუ ბაროკო მიზიდულობს მონუმენტური საზეიმოდ, მაშინ როკოკო უპირატესობას ანიჭებს მადლს და სიმსუბუქეს.
სიმბოლიზმი (ფრანგული სიმბოლიზმიდან - ნიშანი, საიდენტიფიკაციო ნიშანი) არის მხატვრული მოძრაობა ხელოვნებაში, რომელიც დაფუძნებულია ნაწარმოების ძირითადი იდეების განსახიერებაზე სიმბოლოების პოლისემანტიური და მრავალმხრივი ასოციაციური ესთეტიკის მეშვეობით.
სოციალისტური რეალიზმი, სოციალისტური რეალიზმი არის მხატვრული მოძრაობა ხელოვნებაში, რომელიც წარმოადგენს სოციალისტური შეგნებული კონცეფციის ესთეტიკურ გამოხატულებას სამყაროსა და ადამიანის შესახებ, რომელიც განსაზღვრულია სოციალისტური საზოგადოების ეპოქით.
ჰიპერრეალიზმი, სუპერრეალიზმი, ფოტორეალიზმი (ინგლისური ჰიპერრეალიზმიდან - სუპერრეალიზმი) - მიმართულება ხელოვნებაში, რომელიც დაფუძნებულია რეალობის ზუსტ ფოტოგრაფიულ რეპროდუქციაზე.
სიურრეალიზმი (ფრანგული სიურრეალიზმიდან - მეტი + რეალიზმი) მოდერნიზმის ერთ-ერთი მიმართულებაა, რომლის მთავარი იდეაა ქვეცნობიერის გამოხატვა (ოცნებისა და რეალობის შერწყმა).
ტრანსავანგარდი (ლათინურიდან trans - მეშვეობით, მეშვეობით და ფრანგული ავანგარდი - ავანგარდი) არის პოსტმოდერნიზმის ერთ-ერთი თანამედროვე ტენდენცია, რომელიც წარმოიშვა როგორც რეაქცია კონცეპტუალიზმსა და პოპ-არტზე. ტრანსავანგარდი მოიცავს ავანგარდში დაბადებული სტილის შერევას და ტრანსფორმაციას, როგორიცაა კუბიზმი, ფოვიზმი, ფუტურიზმი, ექსპრესიონიზმი და ა.შ.
ექსპრესიონიზმი (წარმოებულია ფრანგული გამოთქმიდან - ექსპრესიულობა) არის მოდერნისტული მოძრაობა ხელოვნებაში, რომელიც გარე სამყაროს გამოსახულებას განიხილავს მხოლოდ როგორც ავტორის სუბიექტური მდგომარეობების გამოხატვის საშუალებას.
XVII საუკუნეში შემოღებულ იქნა ფერწერის ჟანრების დაყოფა „მაღალ“ და „დაბალად“. პირველი მოიცავდა ისტორიულ, საბრძოლო და მითოლოგიურ ჟანრებს. მეორე მოიცავდა მხატვრობის ამქვეყნიურ ჟანრებს ყოველდღიური ცხოვრებიდან, მაგალითად, ყოველდღიური ჟანრი, ნატურმორტი, ცხოველების მხატვრობა, პორტრეტი, შიშველი, პეიზაჟი.
ისტორიული ჟანრი
მხატვრობაში ისტორიული ჟანრი არ ასახავს კონკრეტულ საგანს ან პიროვნებას, არამედ კონკრეტულ მომენტს ან მოვლენას, რომელიც მოხდა წარსული ეპოქების ისტორიაში. ის შედის ძირითადში ფერწერის ჟანრებიხელოვნებაში. პორტრეტი, საბრძოლო, ყოველდღიური და მითოლოგიური ჟანრები ხშირად მჭიდროდ არის გადაჯაჭვული ისტორიულთან.
"ერმაკის მიერ ციმბირის დაპყრობა" (1891-1895)
ვასილი სურიკოვი
მხატვრებმა ნიკოლას პუსინმა, ტინტორეტო, ევგენი დელაკრუა, პიტერ რუბენსი, ვასილი ივანოვიჩ სურიკოვი, ბორის მიხაილოვიჩ კუსტოდიევი და მრავალი სხვა, თავიანთი ნახატები ისტორიულ ჟანრში დახატეს.
მითოლოგიური ჟანრი
ზღაპრები, უძველესი ლეგენდები და მითები, ფოლკლორი - ამ საგნების, გმირების და მოვლენების გამოსახვამ თავისი ადგილი იპოვა მხატვრობის მითოლოგიურ ჟანრში. შესაძლოა, ის გამოირჩეოდეს ნებისმიერი ხალხის ნახატებში, რადგან თითოეული ეთნიკური ჯგუფის ისტორია სავსეა ლეგენდებითა და ტრადიციებით. მაგალითად, ბერძნული მითოლოგიის ისეთი შეთქმულება, როგორიც არის ომის ღმერთი არესისა და სილამაზის ქალღმერთის აფროდიტეს საიდუმლო რომანი, გამოსახულია იტალიელი მხატვრის, სახელად ანდრეა მანტენიას ნახატზე "პარნასუსი".
"პარნასუსი" (1497)
ანდრეა მანტენია
მითოლოგია ფერწერაში საბოლოოდ ჩამოყალიბდა რენესანსის დროს. ამ ჟანრის წარმომადგენლები, ანდრეა მანტენიას გარდა, არიან რაფაელ სანტი, ჯორჯიონე, ლუკას კრანახი, სანდრო ბოტიჩელი, ვიქტორ მიხაილოვიჩ ვასნეცოვი და სხვები.
საბრძოლო ჟანრი
საბრძოლო ნახატი აღწერს სცენებს სამხედრო ცხოვრებიდან. ყველაზე ხშირად ილუსტრირებულია სხვადასხვა სამხედრო კამპანია, ასევე საზღვაო და სახმელეთო ბრძოლები. და რადგან ეს ბრძოლები ხშირად აღებულია რეალური ისტორიიდან, საბრძოლო და ისტორიული ჟანრები აქ იპოვიან თავის გადაკვეთის წერტილს.
პანორამის ფრაგმენტი "ბოროდინოს ბრძოლა" (1912)
ფრანც რუბო
საბრძოლო მხატვრობა ჩამოყალიბდა იტალიური რენესანსის დროს მხატვრების მიქელანჯელო ბუონაროტის, ლეონარდო და ვინჩის, შემდეგ კი თეოდორ გერიკოს, ფრანცისკო გოიას, ფრანც ალექსეევიჩ რუბოს, მიტროფან ბორისოვიჩ გრეკოვის და მრავალი სხვა მხატვრის ნამუშევრებში.
ყოველდღიური ჟანრი
მხატვრობაში ყოველდღიურ ჟანრშია გამოსახული სცენები ჩვეულებრივი ადამიანების ყოველდღიური, საჯარო თუ პირადი ცხოვრებიდან, იქნება ეს ქალაქური თუ გლეხური ცხოვრებიდან. ისევე როგორც ბევრი სხვა ფერწერის ჟანრები, ყოველდღიური ნახატები იშვიათად გვხვდება საკუთარი ფორმით, ხდება პორტრეტის ან პეიზაჟის ჟანრის ნაწილი.
"მუსიკალური ინსტრუმენტების გამყიდველი" (1652)
კარელ ფაბრიციუსი
ყოველდღიური მხატვრობის წარმოშობა X საუკუნეში აღმოსავლეთში გაჩნდა, ევროპასა და რუსეთში კი მხოლოდ მე-17-18 საუკუნეებში გადავიდა. იან ვერმეერი, კარელ ფაბრიციუსი და გაბრიელ მეცუ, მიხაილ შიბანოვი და ივან ალექსეევიჩ ერმენევი იმ პერიოდის ყოველდღიური მხატვრობის ყველაზე ცნობილი მხატვრები არიან.
ანიმალისტური ჟანრი
ანიმალისტური ჟანრის ძირითადი ობიექტებია ცხოველები და ფრინველები, როგორც ველური, ისე შინაური და ზოგადად ცხოველთა სამყაროს ყველა წარმომადგენელი. თავდაპირველად, ცხოველების მხატვრობა იყო ჩინური ფერწერის ჟანრების ნაწილი, რადგან ის პირველად გამოჩნდა ჩინეთში მე -8 საუკუნეში. ევროპაში ცხოველთა მხატვრობა ჩამოყალიბდა მხოლოდ რენესანსის დროს - იმ დროს ცხოველებს ასახავდნენ, როგორც ადამიანური მანკიერებისა და სათნოების განსახიერებას.
"ცხენები მდელოზე" (1649)
პაულუს პოტერი
ანტონიო პიზანელო, პაულუს პოტერი, ალბრეხტ დიურერი, ფრანს სნაიდერსი, ალბერტ კაიპი სახვით ხელოვნებაში ცხოველების მხატვრობის მთავარი წარმომადგენლები არიან.
Ჯერ კიდევ ცოცხალი
ნატურმორტის ჟანრი ასახავს ობიექტებს, რომლებიც აკრავს ადამიანს ცხოვრებაში. ეს არის უსულო ობიექტები, რომლებიც გაერთიანებულია ერთ ჯგუფში. ასეთი ობიექტები შეიძლება მიეკუთვნებოდეს იმავე გვარს (მაგალითად, სურათზე მხოლოდ ხილია გამოსახული), ან შეიძლება იყოს განსხვავებული (ხილი, ჭურჭელი, მუსიკალური ინსტრუმენტები, ყვავილები და ა.შ.).
"ყვავილები კალათაში, პეპელა და ჭრიჭინა" (1614)
ამბროსიუს ბოშარტი უფროსი
ნატურმორტი, როგორც დამოუკიდებელი ჟანრი, ჩამოყალიბდა მე-17 საუკუნეში. განსაკუთრებით გამოირჩევა ფლამანდური და ჰოლანდიური ნატურმორტის სკოლები. მრავალფეროვანი სტილის წარმომადგენლები თავიანთ ნახატებს ამ ჟანრში ხატავდნენ, რეალიზმიდან კუბიზმამდე. ზოგიერთი ყველაზე ცნობილი ნატურმორტი დახატა მხატვრებმა ამბროსიუს ბოშაერტ უფროსმა, ალბერტუს იონა ბრანდტმა, პოლ სეზანმა, ვინსენტ ვან გოგმა, პიერ ოგიუსტ რენუარმა, ვილემ კლეეს ჰედამ.
პორტრეტი
პორტრეტი არის ფერწერის ჟანრი, რომელიც ერთ-ერთი ყველაზე გავრცელებულია სახვით ხელოვნებაში. მხატვრობაში პორტრეტის დანიშნულებაა ადამიანის გამოსახვა, მაგრამ არა მხოლოდ მისი გარეგნობა, არამედ გამოსახული ადამიანის შინაგანი განცდებისა და განწყობის გადმოცემა.
პორტრეტები შეიძლება იყოს ერთჯერადი, წყვილი, ჯგუფური, ასევე ავტოპორტრეტი, რომელიც ზოგჯერ ცალკე ჟანრადაც გამოირჩევა. და ყველა დროის ყველაზე ცნობილი პორტრეტი, ალბათ, არის ლეონარდო და ვინჩის ნახატი, სახელწოდებით "მადამ ლიზა დელ ჯოკონდოს პორტრეტი", რომელიც ყველასთვის ცნობილია, როგორც "მონა ლიზა".
"მონა ლიზა" (1503-1506)
ლეონარდო და ვინჩი
პირველი პორტრეტები ათასობით წლის წინ გამოჩნდა ძველ ეგვიპტეში - ეს იყო ფარაონების გამოსახულებები. მას შემდეგ ყველა დროის ხელოვანთა უმეტესობამ ასე თუ ისე სცადა თავი ამ ჟანრში. ფერწერის პორტრეტი და ისტორიული ჟანრები ასევე შეიძლება გადაფარდეს: დიდი ისტორიული მოღვაწის გამოსახულება ჩაითვლება ისტორიული ჟანრის ნაწარმოებად, თუმცა ამავდროულად გადმოსცემს ამ ადამიანის გარეგნობას და ხასიათს, როგორც პორტრეტს.
შიშველი
შიშველი ჟანრის მიზანი ადამიანის შიშველი სხეულის გამოსახვაა. რენესანსის პერიოდი ითვლება ამ ტიპის ფერწერის გაჩენისა და განვითარების მომენტად, ხოლო ფერწერის მთავარი ობიექტი მაშინ ყველაზე ხშირად გახდა ქალის სხეული, რომელიც განასახიერებდა ეპოქის სილამაზეს.
"სოფლის კონცერტი" (1510)
ტიციანი
ტიციანი, ამედეო მოდილიანი, ანტონიო და კორეჯო, ჯორჯიონე, პაბლო პიკასო ყველაზე ცნობილი მხატვრები არიან, რომლებიც შიშველ ნახატებს ხატავდნენ.
Პეიზაჟები
ლანდშაფტის ჟანრის მთავარი თემაა ბუნება, გარემო – ქალაქი, სოფლად თუ უდაბნო. პირველი პეიზაჟები გაჩნდა ძველ დროში, როდესაც ხატავდნენ სასახლეებსა და ტაძრებს, ქმნიდნენ მინიატურებსა და ხატებს. ლანდშაფტი დამოუკიდებელ ჟანრად გაჩნდა ჯერ კიდევ მე-16 საუკუნეში და მას შემდეგ გახდა ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ჟანრი. ფერწერის ჟანრები.
იგი წარმოდგენილია მრავალი მხატვრის ნამუშევრებში, დაწყებული პიტერ რუბენსით, ალექსეი კონდრატიევიჩ სავრასოვიდან, ედუარდ მანეტით, აგრძელებს ისააკ ილიჩ ლევიტანს, პიეტ მონდრიანს, პაბლო პიკასოს, ჟორჟ ბრაკს და დამთავრებული 21-ე საუკუნის მრავალი თანამედროვე მხატვრებით.
"ოქროს შემოდგომა" (1895)
ისააკ ლევიტანი
ლანდშაფტის ნახატებს შორის შეიძლება განვასხვავოთ ისეთი ჟანრები, როგორიცაა ზღვის და ქალაქის პეიზაჟები.
ვედუტა
ვედუტა არის ლანდშაფტი, რომლის დანიშნულებაა ურბანული ტერიტორიის იერსახის გამოსახვა და მისი სილამაზისა და არომატის გადმოცემა. მოგვიანებით, მრეწველობის განვითარებასთან ერთად, ურბანული ლანდშაფტი იქცევა ინდუსტრიულ ლანდშაფტად.
"წმინდა მარკის მოედანი" (1730)
კანალეტო
თქვენ შეგიძლიათ დააფასოთ ქალაქის პეიზაჟები კანალეტოს, პიტერ ბრიუგელის, ფიოდორ იაკოვლევიჩ ალექსეევის, სილვესტერ ფეოდოსიევიჩ შჩედრინის ნამუშევრებთან გაცნობით.
მარინა
ზღვის პეიზაჟი, ან მარინა, ასახავს ზღვის ელემენტის ბუნებას, მის სიდიადეს. მსოფლიოში ყველაზე ცნობილი საზღვაო მხატვარი, ალბათ, ივან კონსტანტინოვიჩ აივაზოვსკია, რომლის ნახატს "მეცხრე ტალღა" შეიძლება ეწოდოს რუსული მხატვრობის შედევრი. მარინას აყვავება მოხდა ლანდშაფტის, როგორც ასეთის განვითარებასთან ერთად.
"იალქანი ქარიშხალში" (1886)
ჯეიმს ბატერსვორთი
კაცუშიკა ჰოკუსაი, ჯეიმს ედვარდ ბატერსვორთი, ალექსეი პეტროვიჩ ბოგოლიუბოვი, ლევ ფელიქსოვიჩ ლაგორიო და რაფაელ მონლეონ ტორესი ასევე განთქმულნი არიან თავიანთი ზღვის პეიზაჟებით.
თუ გსურთ გაიგოთ კიდევ უფრო მეტი იმის შესახებ, თუ როგორ წარმოიშვა და განვითარდა ფერწერის ჟანრები ხელოვნებაში, ნახეთ შემდეგი ვიდეო:
მიიღეთ ეს თქვენთვის და უთხარით თქვენს მეგობრებს!
ასევე წაიკითხეთ ჩვენს საიტზე:
მეტის ჩვენება
მხატვრობა, ალბათ, ხელოვნების უძველესი ფორმაა. ჯერ კიდევ პირველყოფილ ეპოქაში ჩვენი წინაპრები გამოქვაბულების კედლებზე ქმნიდნენ ადამიანებისა და ცხოველების გამოსახულებებს. ეს არის ფერწერის პირველი ნიმუშები. მას შემდეგ, ხელოვნების ეს სახეობა უცვლელად რჩება ადამიანის ცხოვრების თანამგზავრად. დღეს ფერწერის მაგალითები მრავალრიცხოვანი და მრავალფეროვანია. შევეცდებით შეძლებისდაგვარად გავაშუქოთ ხელოვნების ეს სახეობა, ვისაუბროთ მასში არსებულ ძირითად ჟანრებზე, სტილებზე, ტენდენციებსა და ტექნიკაზე.
ფერწერის ტექნიკა
მოდით, პირველ რიგში გადავხედოთ ფერწერის ძირითად ტექნიკას. ერთ-ერთი ყველაზე გავრცელებული არის ზეთი. ეს არის ტექნიკა, რომელიც იყენებს ზეთის საღებავებს. ეს საღებავები გამოიყენება შტრიხებით. მათი დახმარებით თქვენ შეგიძლიათ შექმნათ სხვადასხვა ჩრდილების მრავალფეროვნება, ასევე გადასცეთ საჭირო სურათები მაქსიმალური რეალიზმით.
ტემპერა- კიდევ ერთი პოპულარული ტექნიკა. ჩვენ ვსაუბრობთ მასზე, როდესაც გამოიყენება ემულსიური საღებავები. ამ საღებავების შემკვრელი არის კვერცხი ან წყალი.
გუაში- ტექნიკა, რომელიც ფართოდ გამოიყენება გრაფიკაში. გუაშის საღებავი დამზადებულია წებოვანი ფუძით. მისი გამოყენება შესაძლებელია მუყაოს, ქაღალდის, ძვლის ან აბრეშუმის სამუშაოდ. გამოსახულება გამძლეა და ხაზები მკვეთრია. პასტელი- ეს მშრალი ფანქრებით ხატვის ტექნიკაა და ზედაპირი უხეში უნდა იყოს. და, რა თქმა უნდა, აღსანიშნავია აკვარელი. ეს საღებავი, როგორც წესი, წყლით არის განზავებული. ამ ტექნიკის გამოყენებით მიიღება საღებავის რბილი და თხელი ფენა. განსაკუთრებით პოპულარული რა თქმა უნდა, ჩვენ ჩამოვთვალეთ მხოლოდ ძირითადი ტექნიკა, რომლებიც ყველაზე ხშირად გამოიყენება ფერწერაში. არიან სხვებიც.
რაზე იხატება ხოლმე ნახატები? ყველაზე პოპულარული ნახატი ტილოზეა. იგი გადაჭიმულია ჩარჩოზე ან წებოვანი მუყაოზე. გაითვალისწინეთ, რომ წარსულში ხის ფიცრებს საკმაოდ ხშირად იყენებდნენ. დღესდღეობით არა მხოლოდ ტილოზე მხატვრობაა პოპულარული;
ფერწერის სახეები
არსებობს მისი 2 ძირითადი ტიპი: დაზგური და მონუმენტური მხატვრობა. ეს უკანასკნელი დაკავშირებულია არქიტექტურასთან. ამ ტიპს მიეკუთვნება შენობების ჭერისა და კედლების მოხატვა, მოზაიკის ან სხვა მასალისგან დამზადებული გამოსახულებების გაფორმება, ვიტრაჟები და ა.შ. დაზგური მხატვრობა არ არის დაკავშირებული კონკრეტულ შენობასთან. მისი გადატანა შესაძლებელია ადგილიდან მეორეზე. დაზგური ფერწერის მრავალი სახეობა არსებობს (სხვაგვარად ჟანრს უწოდებენ). მოდით შევხედოთ მათ უფრო დეტალურად.
ფერწერის ჟანრები
სიტყვა "ჟანრი" წარმოშობით ფრანგულია. იგი ითარგმნება როგორც "გვარი", "სახეობა". ანუ ჟანრის სახელწოდებით არის რაღაც შინაარსი და მისი სახელის წარმოთქმით ვხვდებით რაზეა ნახატი, რას ვიპოვით მასში: ადამიანები, ბუნება, ცხოველები, საგნები და ა.შ.
პორტრეტი
ფერწერის უძველესი ჟანრი არის პორტრეტი. ეს არის ადამიანის იმიჯი, რომელიც მხოლოდ საკუთარ თავს ჰგავს და არავის. სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, პორტრეტი არის გამოსახულება ინდივიდუალური გარეგნობის მხატვრობაში, რადგან თითოეულ ჩვენგანს აქვს ინდივიდუალური სახე. ფერწერის ამ ჟანრს აქვს თავისი სახეობები. პორტრეტი შეიძლება იყოს სრულმეტრაჟიანი, მკერდამდე ან მხოლოდ ერთი სახის დახატვა. აღვნიშნოთ, რომ ადამიანის ყველა გამოსახულება არ არის პორტრეტი, რადგან მხატვარს შეუძლია შექმნას, მაგალითად, „ადამიანი ზოგადად“ სხვისგან მისი კოპირების გარეშე. თუმცა, როდესაც ის ასახავს კაცობრიობის კონკრეტულ წარმომადგენელს, ის მუშაობს კონკრეტულად პორტრეტზე. ზედმეტია იმის თქმა, რომ ამ ჟანრში მხატვრობის უამრავი მაგალითია. მაგრამ ქვემოთ წარმოდგენილი პორტრეტი ცნობილია ჩვენი ქვეყნის თითქმის ყველა მაცხოვრებლისთვის. ჩვენ ვსაუბრობთ A. S. პუშკინის სურათზე, რომელიც შეიქმნა 1827 წელს კიპრენსკის მიერ.
თქვენ ასევე შეგიძლიათ დაამატოთ ავტოპორტრეტი ამ ჟანრში. ამ შემთხვევაში მხატვარი საკუთარ თავს ასახავს. არის წყვილის პორტრეტი, როდესაც სურათზე ჩანს ადამიანები წყვილებში; და ჯგუფური პორტრეტი, როდესაც ადამიანთა ჯგუფია გამოსახული. ასევე შეიძლება აღინიშნოს საზეიმო პორტრეტი, რომლის ტიპი საცხენოსნოა, ერთ-ერთი ყველაზე საზეიმო. ადრე ძალიან პოპულარული იყო, მაგრამ ასეთი ნამუშევრები ახლა იშვიათია. თუმცა შემდეგი ჟანრი, რომელზეც ვისაუბრებთ, ნებისმიერ დროს აქტუალურია. რაზე ვსაუბრობთ? ამის გამოცნობა შესაძლებელია იმ ჟანრების გავლით, რომლებიც ჯერ არ დაგვისახელებია ფერწერის დახასიათებისას. ნატურმორტი ერთ-ერთი მათგანია. ეს არის ის, რაზეც ახლა ვისაუბრებთ, გავაგრძელებთ მხატვრობას.
Ჯერ კიდევ ცოცხალი
ეს სიტყვა ასევე ფრანგული წარმოშობისაა, ის ნიშნავს "მკვდარ ბუნებას", თუმცა უფრო ზუსტი მნიშვნელობა იქნება "უსიცოცხლო ბუნება". ნატურმორტი არის უსულო საგნების გამოსახულება. ისინი ძალიან მრავალფეროვანია. აღვნიშნოთ, რომ ნატურმორტებს ასევე შეუძლიათ "ცოცხალი ბუნების" გამოსახვა: პეპლები ჩუმად დგანან ფურცლებზე, მშვენიერი ყვავილები, ფრინველები და ზოგჯერ ბუნების საჩუქრებს შორის შეგიძლიათ ნახოთ ადამიანი. თუმცა, ეს მაინც ნატურმორტი იქნება, ვინაიდან ამ შემთხვევაში მხატვრისთვის ცოცხალი არსების გამოსახულება არ არის ყველაზე მნიშვნელოვანი.
Პეიზაჟები
პეიზაჟი კიდევ ერთი ფრანგული სიტყვაა, რომელიც ნიშნავს "ქვეყნის ხედს". იგი ჰგავს გერმანულ კონცეფციას „ლანდშაფტი“. პეიზაჟი ბუნების გამოსახულებაა თავისი მრავალფეროვნებით. ამ ჟანრს უერთდება შემდეგი ჯიშები: არქიტექტურული პეიზაჟი და ძალიან პოპულარული ზღვის პეიზაჟი, რომელსაც ხშირად ერთ სიტყვას „მარინას“ უწოდებენ, მასში მომუშავე მხატვრებს კი საზღვაო მხატვრებს უწოდებენ. ზღვის პეიზაჟის ჟანრში მხატვრობის მრავალი მაგალითი შეგიძლიათ იხილოთ აივაზოვსკის ნამუშევრებში. ერთ-ერთი მათგანია 1873 წლის "ცისარტყელა".
ეს ნახატი შესრულებულია ზეთში და რთული შესასრულებელია. მაგრამ აკვარელში პეიზაჟების შექმნა სულაც არ არის რთული, ამიტომ სკოლის ხატვის გაკვეთილებზე ეს დავალება თითოეულ ჩვენგანს მიეცა.
ანიმალისტური ჟანრი
შემდეგი ჟანრი არის ანიმალისტური. აქ ყველაფერი მარტივია - ეს არის ფრინველებისა და ცხოველების გამოსახულება ბუნებაში, მათ ბუნებრივ გარემოში.
ყოველდღიური ჟანრი
ყოველდღიური ჟანრი არის სცენების ასახვა ცხოვრებიდან, ყოველდღიური ცხოვრებიდან, მხიარული „ინციდენტები“, საშინაო ცხოვრება და ჩვეულებრივი ადამიანების ისტორიები ჩვეულებრივ გარემოში. ან შეგიძლიათ გააკეთოთ ისტორიების გარეშე - უბრალოდ გადაიღეთ ყოველდღიური აქტივობები და საქმეები. ასეთ ნახატებს ზოგჯერ ჟანრულ მხატვრობასაც უწოდებენ. მაგალითად, ავიღოთ ვან გოგის მიერ ზემოთ წარმოდგენილი ნაშრომი (1885 წ.).
ისტორიული ჟანრი
ფერწერის თემატიკა მრავალფეროვანია, მაგრამ ისტორიული ჟანრი ცალკე გამოირჩევა. ეს არის ისტორიული გმირებისა და მოვლენების გამოსახვა. მის გვერდით არის საბრძოლო ჟანრი, რომელშიც წარმოდგენილია ომისა და ბრძოლის ეპიზოდები.
რელიგიური და მითოლოგიური ჟანრი
მითოლოგიურ ჟანრში მხატვრობის ნაწარმოებები იწერება უძველესი და უძველესი ზღაპრების თემებზე ღმერთებისა და გმირების შესახებ. აღსანიშნავია, რომ გამოსახულება საერო ხასიათისაა და ამით იგი განსხვავდება ხატზე წარმოდგენილი ღვთაებების გამოსახულებებისგან. სხვათა შორის, რელიგიური მხატვრობა მხოლოდ ხატებს არ ეხება. მასში თავმოყრილია რელიგიურ თემაზე დაწერილი სხვადასხვა ნაწარმოებები.
ჟანრთა შეჯახება
რაც უფრო მდიდარია ჟანრის შინაარსი, მით უფრო ჩნდება მისი „თანამედროვეები“. ჟანრები შეიძლება შერწყმა, ამიტომ არის მხატვრობა, რომელიც არ შეიძლება მოთავსდეს რომელიმე მათგანის ჩარჩოში. ხელოვნებაში არის როგორც ზოგადი (ტექნიკები, ჟანრები, სტილი) და ინდივიდუალური (ცალკე აღებული კონკრეტული ნამუშევარი). ცალკე სურათი ასევე შეიცავს რაღაც საერთოს. აქედან გამომდინარე, ბევრ მხატვარს შეიძლება ჰქონდეს ერთი და იგივე ჟანრი, მაგრამ მასში დახატული ნახატები არასოდეს იყოს მსგავსი. ასეთი თვისებები აქვს ფერწერის კულტურას.
სტილი
სტილი ნახატების ვიზუალური აღქმის ასპექტია. მას შეუძლია დააკავშიროს ერთი მხატვრის ნამუშევრები ან გარკვეული პერიოდის, მოძრაობის, სკოლის ან ტერიტორიის მხატვრების ნამუშევრები.
აკადემიური ფერწერა და რეალიზმი
აკადემიური მხატვრობა განსაკუთრებული მიმართულებაა, რომლის ჩამოყალიბება ასოცირდება ევროპის სამხატვრო აკადემიების საქმიანობასთან. იგი გაჩნდა მე-16 საუკუნეში ბოლონიის აკადემიაში, საიდანაც ხალხი ცდილობდა მიებაძა რენესანსის ოსტატებს. მე-16 საუკუნიდან მხატვრობის სწავლების მეთოდები ეფუძნებოდა წესებისა და რეგულაციების მკაცრ დაცვას, ფორმალური ნიმუშების დაცვით. პარიზში ხელოვნება ითვლებოდა ერთ-ერთ ყველაზე გავლენიან ევროპაში. მან ხელი შეუწყო კლასიციზმის ესთეტიკას, რომელიც დომინირებდა საფრანგეთში მე -17 საუკუნეში. პარიზის აკადემია? წვლილი შეიტანა განათლების სისტემატიზაციაში, თანდათანობით გადააქცია კლასიკური მიმართულების წესები დოგმად. ამრიგად, აკადემიური მხატვრობა განსაკუთრებული მიმართულება გახდა. მე-19 საუკუნეში აკადემიზმის ზოგიერთი ყველაზე თვალსაჩინო გამოვლინება იყო ჯ. ლ. ჯერომის, ალექსანდრე კაბანელისა და ჯ. კლასიკური კანონები რეალისტურით შეიცვალა მხოლოდ მე-19 და მე-20 საუკუნეების მიჯნაზე. სწორედ რეალიზმი გახდა მე-20 საუკუნის დასაწყისში აკადემიებში სწავლების ძირითადი მეთოდი და გადაიქცა დოგმატურ სისტემად.
ბაროკოს
ბაროკო არის ხელოვნების სტილი და ეპოქა, რომელსაც ახასიათებს არისტოკრატია, კონტრასტი, დინამიური გამოსახულებები, მარტივი დეტალები სიმრავლის გამოსახვისას, დაძაბულობა, დრამა, ფუფუნება, რეალობისა და ილუზიის შერწყმა. ეს სტილი იტალიაში 1600 წელს გამოჩნდა და მთელ ევროპაში გავრცელდა. კარავაჯო და რუბენსი მისი ყველაზე გამორჩეული წარმომადგენლები არიან. ბაროკოს ხშირად ადარებენ ექსპრესიონიზმს, თუმცა, ამ უკანასკნელისგან განსხვავებით, მას არ აქვს ძალიან ამაღელვებელი ეფექტი. ამ სტილის ნახატები დღეს ხასიათდება ხაზების სირთულით და ორნამენტების სიმრავლით.
კუბიზმი
კუბიზმი არის ავანგარდული ხელოვნების მოძრაობა, რომელიც გაჩნდა მე-20 საუკუნეში. მისი შემქმნელია პაბლო პიკასო. კუბიზმმა ნამდვილი რევოლუცია მოახდინა ქანდაკებასა და ფერწერაში ევროპაში, შთააგონა მსგავსი მოძრაობების შექმნა არქიტექტურაში, ლიტერატურასა და მუსიკაში. ამ სტილის ხელოვნების მხატვრობა ხასიათდება რეკომბინირებული, გატეხილი საგნებით, რომლებსაც აქვთ აბსტრაქტული ფორმა. მათი გამოსახვისას გამოიყენება მრავალი თვალსაზრისი.
ექსპრესიონიზმი
ექსპრესიონიზმი არის თანამედროვე ხელოვნების კიდევ ერთი მნიშვნელოვანი მოძრაობა, რომელიც გაჩნდა გერმანიაში მე-20 საუკუნის პირველ ნახევარში. თავიდან მხოლოდ პოეზიას და მხატვრობას მოიცავდა, შემდეგ კი ხელოვნების სხვა სფეროებშიც გავრცელდა.
ექსპრესიონისტები ასახავს სამყაროს სუბიექტურად, ამახინჯებენ რეალობას უფრო დიდი ემოციური ეფექტის შესაქმნელად. მათი მიზანია მაყურებლის დაფიქრება. ექსპრესიონიზმში გამოხატვა ჭარბობს იმიჯზე. შეიძლება აღინიშნოს, რომ ბევრ ნამუშევარს ახასიათებს ტანჯვის, ტკივილის, ტანჯვის, ყვირილის მოტივები (ზემოთ წარმოდგენილ ედვარდ მუნკის ნაწარმოებს „კივილი“ ჰქვია). ექსპრესიონისტ მხატვრებს საერთოდ არ აინტერესებთ მატერიალური სინამდვილე, მათი ნახატები სავსეა ღრმა მნიშვნელობითა და ემოციური გამოცდილებით.
იმპრესიონიზმი
იმპრესიონიზმი არის მხატვრობის სტილი, რომელიც მიზნად ისახავს პირველ რიგში მუშაობას პლეინ ჰაერში (ღია ცის ქვეშ), ვიდრე სტუდიაში. მას სახელი დაერქვა კლოდ მონეს ნახატის "შთაბეჭდილება, მზის ამოსვლა", რომელიც ნაჩვენებია ქვემოთ მოცემულ ფოტოში.
სიტყვა "შთაბეჭდილება" ინგლისურად არის შთაბეჭდილება. იმპრესიონისტული ნახატები, უპირველეს ყოვლისა, გადმოსცემს მხატვრის სინათლის გრძნობას. ამ სტილის მხატვრობის ძირითადი მახასიათებლები შემდეგია: ძლივს შესამჩნევი, თხელი შტრიხები; განათების ცვლილებები, ზუსტად გადმოცემული (ყურადღება ხშირად კეთდება დროის გავლის ეფექტზე); ღია კომპოზიცია; მარტივი საერთო მიზანი; მოძრაობა, როგორც ადამიანის გამოცდილების და აღქმის ძირითადი ელემენტი. იმპრესიონიზმის ისეთი მოძრაობის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენლები არიან ედგარ დეგა, კლოდ მონე, პიერ რენუარი.
მოდერნიზმი
შემდეგი მიმართულებაა მოდერნიზმი, რომელიც წარმოიშვა, როგორც ტენდენციების ერთობლიობა ხელოვნების სხვადასხვა დარგში მე-19 საუკუნის ბოლოს და მე-20 საუკუნის დასაწყისში. პარიზის „უარყოფილთა სალონი“ 1863 წელს გაიხსნა. აქ გამოფენილი მხატვრები, რომელთა ნახატებს არ უშვებდნენ ოფიციალურ სალონში. ეს თარიღი შეიძლება მივიჩნიოთ მოდერნიზმის, როგორც ცალკეული მოძრაობის ხელოვნებაში გაჩენის თარიღად. სხვაგვარად, მოდერნიზმს ზოგჯერ "სხვა ხელოვნებას" უწოდებენ. მისი მიზანია სხვებისგან განსხვავებით უნიკალური ნახატების შექმნა. ნაწარმოებების მთავარი მახასიათებელია ავტორის განსაკუთრებული ხედვა სამყაროზე.
მხატვრები თავიანთ ნამუშევრებში აჯანყდნენ რეალიზმის ღირებულებების წინააღმდეგ. თვითშემეცნება ამ მიმართულების თვალსაჩინო მახასიათებელია. ეს ხშირად იწვევს ფორმის ექსპერიმენტებს, ასევე აბსტრაქციისკენ მიდრეკილებას. მოდერნიზმის წარმომადგენლები განსაკუთრებულ ყურადღებას აქცევენ გამოყენებულ მასალებს და სამუშაო პროცესს. მისი ზოგიერთი ყველაზე ცნობილი წარმომადგენელია ჰენრი მატისი (მისი ნამუშევარი "წითელი ოთახი" 1908 წელს არის წარმოდგენილი ზემოთ) და პაბლო პიკასო.
ნეოკლასიციზმი
ნეოკლასიციზმი იყო ფერწერის მთავარი მიმართულება ჩრდილოეთ ევროპაში მე-18 საუკუნის შუა ხანებიდან მე-19 საუკუნის ბოლომდე. მას ახასიათებს დაბრუნება ძველი რენესანსისა და კლასიციზმის ხანაშიც კი. არქიტექტურული, მხატვრული და კულტურული თვალსაზრისით, ნეოკლასიციზმი გაჩნდა, როგორც როკოკოს პასუხი, რომელიც აღიქმებოდა ხელოვნების ზედაპირულ და პრეტენზიულ სტილად. ნეოკლასიკოსი მხატვრები, საეკლესიო კანონების კარგი ცოდნის წყალობით, ცდილობდნენ თავიანთ ნამუშევრებში კანონების დანერგვას. თუმცა, ისინი თავს არიდებდნენ კლასიკური მოტივებისა და თემების უბრალოდ რეპროდუცირებას. ნეოკლასიკოსი მხატვრები ცდილობდნენ თავიანთი ნახატები ტრადიციის ჩარჩოებში მოთავსებულიყვნენ და ამით ჟანრის ოსტატობა გამოეჩინათ. ნეოკლასიციზმი ამ მხრივ პირდაპირ უპირისპირდება მოდერნიზმს, სადაც იმპროვიზაცია და თვითგამოხატვა სათნოებად ითვლება. მისი ყველაზე ცნობილი წარმომადგენლები არიან ნიკოლას პუსენი და რაფაელი.
Პოპ არტი
ბოლო მიმართულება, რომელსაც განვიხილავთ, არის პოპ-არტი. ის ბრიტანეთში გასული საუკუნის 50-იანი წლების შუა ხანებში გამოჩნდა, ხოლო ამერიკაში 50-იანი წლების ბოლოს. ითვლება, რომ პოპ-არტი წარმოიშვა როგორც რეაქცია აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის იდეებზე, რომლებიც იმ დროს დომინანტური იყო. ამ მიმართულებაზე საუბრისას, შეუძლებელია აღარაფერი ვთქვათ 2009 წელს მისი ერთ-ერთი ნახატი "რვა ელვისი" 100 მილიონ დოლარად გაიყიდა.
ამ სტატიაში მოცემულია XX საუკუნის ძირითადი ხელოვნების სტილის მოკლე აღწერა. ეს სასარგებლო იქნება როგორც ხელოვანებისთვის, ასევე დიზაინერებისთვის.
მოდერნიზმი (ფრანგული თანამედროვე თანამედროვედან)
ხელოვნებაში, მხატვრული ტენდენციების კოლექტიური სახელწოდება, რომელიც დამკვიდრდა მე-19 საუკუნის მეორე ნახევარში შემოქმედების ახალი ფორმების სახით, სადაც ის აღარ იყო იმდენად გაბატონებული ბუნებისა და ტრადიციის სულისკვეთებით, არამედ თავისუფალი. ოსტატის მზერა, რომელსაც შეუძლია შეცვალოს ხილული სამყარო საკუთარი შეხედულებისამებრ, პირადი შთაბეჭდილებების, შინაგანი იდეების ან მისტიკური ოცნების მიყოლებით (ეს ტენდენციები დიდწილად განაგრძობდა რომანტიზმის ხაზს). მისი ყველაზე მნიშვნელოვანი, ხშირად აქტიურად ურთიერთქმედების მიმართულებები იყო იმპრესიონიზმი, სიმბოლიზმი და მოდერნიზმი საბჭოთა კრიტიკაში, "მოდერნიზმის" კონცეფცია არაისტორიულად გამოიყენებოდა მე-20 საუკუნის ხელოვნების ყველა მოძრაობაზე, რომელიც არ შეესაბამებოდა სოციალისტური რეალიზმის კანონებს.
აბსტრაქციონიზმი(ხელოვნება "ნულოვანი ფორმების" ნიშნის ქვეშ, არაობიექტური ხელოვნება) არის მხატვრული მიმართულება, რომელიც ჩამოყალიბდა მე-20 საუკუნის პირველი ნახევრის ხელოვნებაში, მთლიანად მიატოვა რეალური ხილული სამყაროს ფორმების რეპროდუქცია. აბსტრაქტული ხელოვნების ფუძემდებლად ითვლებიან ვ.კანდინსკი, პ. მონდრიანი და კ.მალევიჩი. ვ.კანდინსკიმ შექმნა აბსტრაქტული ფერწერის საკუთარი ტიპი, გაათავისუფლა იმპრესიონისტული და „ველური“ ლაქები ობიექტურობის ყოველგვარი ნიშნისგან. პიეტ მონდრიანი თავის არაობიექტურობამდე მივიდა ბუნების გეომეტრიული სტილიზაციის გზით, რომელიც წამოიწყო სეზანისა და კუბისტების მიერ. მე-20 საუკუნის მოდერნისტული მოძრაობები, რომლებიც ორიენტირებულია აბსტრაქციონიზმზე, სრულიად შორდება ტრადიციულ პრინციპებს, უარყოფს რეალიზმს, მაგრამ ამავე დროს რჩება ხელოვნების ჩარჩოებში. ხელოვნების ისტორიამ რევოლუცია განიცადა აბსტრაქტული ხელოვნების მოსვლასთან ერთად. მაგრამ ეს რევოლუცია შემთხვევით კი არ წარმოიშვა, არამედ სრულიად ბუნებრივად და იწინასწარმეტყველა პლატონმა! თავის გვიანდელ ნაშრომში Philebus, მან დაწერა ხაზების, ზედაპირების და სივრცითი ფორმების სილამაზეზე, დამოუკიდებლად ხილული ობიექტების ნებისმიერი იმიტაციისგან, ნებისმიერი მიმეზისისგან. ამ სახის გეომეტრიული სილამაზე, ბუნებრივი „არარეგულარული“ ფორმების სილამაზისგან განსხვავებით, პლატონის აზრით, არა ფარდობითი, არამედ უპირობო, აბსოლუტურია.
ფუტურიზმი- ლიტერატურული და მხატვრული მოძრაობა 1910-იანი წლების ხელოვნებაში. მომავლის ხელოვნების პროტოტიპის როლის მინიჭებით, ფუტურიზმმა, როგორც მისმა მთავარმა პროგრამამ, წამოაყენა კულტურული სტერეოტიპების განადგურების იდეა და ამის ნაცვლად შესთავაზა ბოდიშის მოხდა ტექნოლოგიასა და სიმცირეს, როგორც აწმყოსა და მომავლის მთავარ ნიშნებს. . ფუტურიზმის მნიშვნელოვანი მხატვრული იდეა იყო მოძრაობის სიჩქარის პლასტიკური გამოხატვის ძიება, როგორც თანამედროვე ცხოვრების ტემპის მთავარი ნიშანი. ფუტურიზმის რუსულ ვერსიას ეწოდა კუბოფუტურიზმი და ეფუძნებოდა ფრანგული კუბიზმის პლასტიკური პრინციპებისა და ფუტურიზმის ევროპული ზოგადი ესთეტიკური ინსტალაციების ერთობლიობას. კვეთების, ცვლის, შეჯახებისა და ფორმების შემოდინების გამოყენებით, მხატვრები ცდილობდნენ გამოეხატათ თანამედროვე ადამიანის, ქალაქის მკვიდრის შთაბეჭდილებების ფრაგმენტული სიმრავლე.
კუბიზმი- „ყველაზე სრული და რადიკალური მხატვრული რევოლუცია რენესანსის შემდეგ“ (ჯ. გოლდინგი). მხატვრები: პიკასო პაბლო, ჟორჟ ბრაკი, ფერნანდ ლეჟე, რობერტ დელონე, ხუან გრისი, გლეიზ მეცინგერი. კუბიზმი - (ფრანგ. cubisme, საწყისი cube - cube) მიმართულება მე-20 საუკუნის პირველი მეოთხედის ხელოვნებაში. კუბიზმის პლასტიკური ენა ეფუძნებოდა გეომეტრიულ სიბრტყეებზე ობიექტების დეფორმაციას და დაშლას, ფორმის პლასტიკურ ცვლას. ბევრმა რუსმა მხატვარმა გაიარა კუბიზმით გატაცება, ხშირად აერთიანებდა მის პრინციპებს სხვა თანამედროვე მხატვრული ტენდენციების ტექნიკასთან - ფუტურიზმი და პრიმიტივიზმი. რუსეთის მიწაზე კუბიზმის ინტერპრეტაციის კონკრეტული ვერსია კუბოფუტურიზმი გახდა.
პურიზმი- (ფრანგული purisme, ლათ. purus - სუფთა) მოძრაობა ფრანგულ მხატვრობაში 1910-20-იანი წლების ბოლოს. მთავარი წარმომადგენლები მხატვარია ა.ოზანფანიდა არქიტექტორი S. E. Jeanneret (Le Corbusier). უარყვეს კუბიზმის დეკორატიული ტენდენციები და 1910-იანი წლების სხვა ავანგარდული მოძრაობები და მათ მიერ მიღებული ბუნების დეფორმაცია, პურისტები ცდილობდნენ რაციონალისტურად მოწესრიგებულ გადაცემას სტაბილური და ლაკონური საგნების ფორმებისგან, თითქოს "გაწმენდილი" დეტალებისგან, " პირველადი“ ელემენტები. პურისტების ნამუშევრებს ახასიათებს სიბრტყე, მსუბუქი სილუეტების გლუვი რიტმი და მსგავსი საგნების (დოქები, ჭიქები და ა.შ.) კონტურები. დაზგური ფორმების განვითარების გარეშე, პურიზმის მნიშვნელოვნად გადამუშავებული მხატვრული პრინციპები ნაწილობრივ აისახა თანამედროვე არქიტექტურაში, ძირითადად ლე კორბუზიეს შენობებში.
სერრეალიზმი- კოსმოპოლიტური მოძრაობა ლიტერატურაში, ფერწერასა და კინოში, რომელიც წარმოიშვა 1924 წელს საფრანგეთში და ოფიციალურად დაასრულა არსებობა 1969 წელს. მან მნიშვნელოვნად შეუწყო ხელი თანამედროვე ადამიანის ცნობიერების ჩამოყალიბებას. მოძრაობის მთავარი ფიგურები არიან ანდრე ბრეტონი- მოძრაობის მწერალი, ლიდერი და იდეოლოგიური სულისჩამდგმელი, ლუი არაგონი- სიურეალიზმის ერთ-ერთი ფუძემდებელი, რომელიც მოგვიანებით უცნაურად გადაიქცა კომუნიზმის მომღერლად, სალვადორ დალი- მხატვარი, თეორეტიკოსი, პოეტი, სცენარისტი, რომელმაც მოძრაობის არსი განსაზღვრა სიტყვებით: „სიურრეალიზმი მე ვარ!“, უაღრესად სიურეალისტური კინორეჟისორი. ლუის ბუნიუელი, მხატვარი ჯოან მირო- "ყველაზე ლამაზი ბუმბული სიურეალიზმის თავსახურზე", როგორც მას ბრეტონმა და მსოფლიოს ბევრმა სხვა მხატვარმა უწოდა.
ფოვიზმი(ფრანგული les fauves - ველური (ცხოველები)) ადგილობრივი მიმართულება ადრეულ ფერწერაში. XX საუკუნე სახელი F. დამცინავად მიენიჭა ახალგაზრდა პარიზელ ხელოვანთა ჯგუფს ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. ფრიზი, ჯ.ბრაკი, ა.შ. მანგენი, კ.ვან დონგენი), რომლებიც ერთობლივად მონაწილეობდნენ რიგ გამოფენებში 1905 წლიდან 1907 წლამდე, მათი პირველი გამოფენის შემდეგ 1905 წელს. სახელი მიიღო თავად ჯგუფმა და მტკიცედ დაიმკვიდრა თავი. მოძრაობას არ გააჩნდა მკაფიოდ ჩამოყალიბებული პროგრამა, მანიფესტი ან საკუთარი თეორია და დიდხანს არ გაგრძელებულა, თუმცა შესამჩნევი კვალი დატოვა ხელოვნების ისტორიაში. მის მონაწილეებს იმ წლებში აერთიანებდა მხატვრული სურათების შექმნის სურვილი ექსკლუზიურად ძალიან ნათელი ღია ფერის დახმარებით. პოსტიმპრესიონისტების მხატვრული მიღწევების განვითარება ( სეზანი, გოგენი, ვან გოგი), ეყრდნობოდა შუა საუკუნეების ხელოვნების ზოგიერთ ფორმალურ ტექნიკას (ვიტრაჟი, რომაული ხელოვნება) და იაპონური გრავიურები, რომლებიც პოპულარული იყო საფრანგეთის მხატვრულ წრეებში იმპრესიონისტების დროიდან მოყოლებული, ფოვისტები ცდილობდნენ მაქსიმალურად გამოეყენებინათ ფერწერის კოლორისტული შესაძლებლობები.
ექსპრესიონიზმი(ფრანგული გამოთქმიდან - ექსპრესიულობა) - მოდერნისტული მოძრაობა დასავლეთ ევროპის ხელოვნებაში, ძირითადად გერმანიაში, მე-20 საუკუნის პირველ მესამედში, რომელიც წარმოიშვა გარკვეულ ისტორიულ პერიოდში - პირველი მსოფლიო ომის წინა დღეს. ექსპრესიონიზმის იდეოლოგიური საფუძველი იყო ინდივიდუალისტური პროტესტი მახინჯი სამყაროს წინააღმდეგ, ადამიანის მზარდი გაუცხოება სამყაროსგან, უსახლკარობის განცდა, კოლაფსი და იმ პრინციპების ნგრევა, რომლებზეც თითქოს ასე მტკიცედ ეყრდნობოდა ევროპული კულტურა. ექსპრესიონისტებს ახასიათებთ მისტიკისა და პესიმიზმისადმი მიდრეკილება. ექსპრესიონიზმისთვის დამახასიათებელი მხატვრული ხერხები: ილუზორული სივრცის უარყოფა, საგნების ბრტყელი ინტერპრეტაციის სურვილი, საგნების დეფორმაცია, მკვეთრი ფერადი დისონანსების სიყვარული, აპოკალიფსური დრამის შემცველი სპეციალური შეღებვა. მხატვრები კრეატიულობას აღიქვამდნენ, როგორც ემოციების გამოხატვის საშუალებას.
სუპრემატიზმი(ლათინურიდან supremus - უმაღლესი, უმაღლესი; პირველი; ბოლო, უკიდურესი, როგორც ჩანს, პოლონური supremacja - უპირატესობა, უზენაესობა) XX საუკუნის პირველი მესამედის ავანგარდული ხელოვნების მიმართულება, რომლის შემქმნელი, მთავარი წარმომადგენელი და თეორეტიკოსი. რუსი მხატვარი იყო კაზიმირ მალევიჩი. თავად ტერმინი არ ასახავს სუპრემატიზმის არსს. სინამდვილეში, მალევიჩის გაგებით, ეს არის შეფასებითი მახასიათებელი. სუპრემატიზმი ხელოვნების განვითარების უმაღლესი საფეხურია ყოველგვარი ექსტრამხატვრულისაგან განთავისუფლების გზაზე, არაობიექტურის, როგორც ნებისმიერი ხელოვნების არსის, საბოლოო იდენტიფიკაციის გზაზე. ამ გაგებით მალევიჩმა პრიმიტიულ ორნამენტულ ხელოვნებად მიიჩნია სუპრემატისტულად (ან „უზენაესად“). მან პირველად გამოიყენა ეს ტერმინი თავისი ნახატების დიდ ჯგუფზე (39 ან მეტი), რომლებიც ასახავს გეომეტრიულ აბსტრაქციებს, მათ შორის ცნობილი „შავი მოედანი“ თეთრ ფონზე, „შავი ჯვარი“ და ა.შ., გამოფენილი პეტროგრადის ფუტურისტულ გამოფენაზე „Zero-. ათი” 1915 წელს, სწორედ ამ და მსგავსმა გეომეტრიულმა აბსტრაქციებმა წარმოშვა სახელი სუპრემატიზმი, თუმცა თავად მალევიჩმა მას მიაწერა 20-იანი წლების მრავალი ნამუშევარი, რომელიც გარეგნულად შეიცავდა სპეციფიკურ ობიექტებს, განსაკუთრებით ადამიანის ფიგურებს, მაგრამ შეინარჩუნა. "სუპრემატისტული სული". და ფაქტობრივად, მალევიჩის შემდგომი თეორიული განვითარება არ იძლევა საფუძველს, რომ სუპრემატიზმი (ყოველ შემთხვევაში, თავად მალევიჩის მიერ) მხოლოდ გეომეტრიულ აბსტრაქციებად დავიყვანოთ, თუმცა ისინი, რა თქმა უნდა, შეადგენენ მის ბირთვს, არსს და თუნდაც (შავ-თეთრი და თეთრი-). თეთრი სუპრემატიზმი) მიაქვს მხატვრობა ზოგადად მისი არსებობის ზღვარს, როგორც ხელოვნების ფორმას, ანუ ფერწერულ ნულს, რომლის მიღმაც აღარ არის თავად მხატვრობა. ეს გზა საუკუნის მეორე ნახევარში გაგრძელდა ხელოვნების საქმიანობის მრავალრიცხოვანმა ტენდენციებმა, რომლებმაც მიატოვეს ფუნჯები, საღებავები და ტილო.
რუსული ავანგარდული 1910-იანი წლები საკმაოდ რთული სურათია. იგი ხასიათდება სტილისა და ტენდენციების სწრაფი ცვლილებით, ხელოვანთა ჯგუფებისა და ასოციაციების სიმრავლით, რომელთაგან თითოეულმა გამოაცხადა შემოქმედების საკუთარი კონცეფცია. მსგავსი რამ მოხდა ევროპულ მხატვრობაში საუკუნის დასაწყისში. თუმცა, სტილის შერევა, ტენდენციებისა და მიმართულებების „დაბნეულობა“ უცნობი იყო დასავლეთისთვის, სადაც მოძრაობა ახალი ფორმებისკენ უფრო თანმიმდევრული იყო. ახალგაზრდა თაობის ბევრი ოსტატი არაჩვეულებრივი სისწრაფით გადავიდა სტილიდან სტილში, სცენიდან სცენაზე, იმპრესიონიზმიდან მოდერნიზმში, შემდეგ პრიმიტივიზმში, კუბიზმსა თუ ექსპრესიონიზმში, გაიარა მრავალი ეტაპი, რაც სრულიად ატიპიური იყო ფრანგული თუ გერმანული მხატვრობის ოსტატებისთვის. . ვითარება, რომელიც განვითარდა რუსულ მხატვრობაში, დიდწილად განპირობებული იყო ქვეყანაში არსებული რევოლუციამდელი ატმოსფეროთი. ამან ამძაფრა მრავალი წინააღმდეგობა, რომელიც თანდაყოლილი იყო მთლიანად ევროპულ ხელოვნებაში, რადგან რუსი მხატვრები სწავლობდნენ ევროპელი მოდელებისგან და კარგად იცნობდნენ სხვადასხვა სკოლებსა და მხატვრულ მოძრაობას. თავისებურმა რუსულმა „აფეთქებამ“ მხატვრულ ცხოვრებაში ამგვარად ისტორიული როლი ითამაშა. 1913 წლისთვის სწორედ რუსულმა ხელოვნებამ მიაღწია ახალ საზღვრებსა და ჰორიზონტებს. გაჩნდა არაობიექტურობის სრულიად ახალი ფენომენი – ხაზი, რომლის მიღმაც ფრანგი კუბისტები ვერ ბედავდნენ გადალახვას. ერთმანეთის მიყოლებით კვეთენ ამ ხაზს: კანდინსკი ვ.ვ., ლარიონოვი მ.ფ., მალევიჩ კ.ს., ფილონოვი პ.ნ., ტატლინ ვ.ე.
კუბოფუტურიზმი ადგილობრივი მიმართულება XX საუკუნის დასაწყისის რუსულ ავანგარდში (მხატვრობასა და პოეზიაში). სახვით ხელოვნებაში კუბო-ფუტურიზმი წარმოიშვა ფერწერული აღმოჩენების, კუბიზმის, ფუტურიზმისა და რუსული ნეოპრიმიტივიზმის გადახედვის საფუძველზე. ძირითადი ნამუშევრები შეიქმნა 1911-1915 წლებში. კუბო-ფუტურიზმის ყველაზე დამახასიათებელი ნახატები კ. მალევიჩის პირველი კუბო-ფუტურისტული ნამუშევრები გამოიფინა 1913 წლის ცნობილ გამოფენაზე. "სამიზნე", რომელზეც ლარიონოვის რაიიზმიც შედგა. გარეგნულად, კუბო-ფუტურისტული ნამუშევრები ეხმიანება F. Léger-ის ამავე დროს შექმნილ კომპოზიციებს და წარმოადგენს ნახევრად ობიექტურ კომპოზიციებს, რომლებიც შედგება ცილინდრული, კონუსის, კოლბის, ჭურვის ფორმის ღრუ მოცულობითი ფერის ფორმებისგან, ხშირად მეტალის ბზინვარებით. უკვე მალევიჩის პირველ მსგავს ნამუშევრებში შესამჩნევია ტენდენცია ბუნებრივი რიტმიდან მანქანების სამყაროს წმინდა მექანიკურ რიტმებზე გადასვლისკენ ("დურგალი", 1912, "საფქვავი", 1912, "კლიუნის პორტრეტი", 1913 წ.) .
ნეოპლასტიკა- აბსტრაქტული ხელოვნების ერთ-ერთი ადრეული სახეობა. შექმნილია 1917 წელს ჰოლანდიელი მხატვრის პ. მონდრიანის და სხვა მხატვრების მიერ, რომლებიც იყვნენ ასოციაცია "სტილის" წევრები. ნეოპლასტიციზმს, მისი შემქმნელების აზრით, ახასიათებს „უნივერსალური ჰარმონიის“ სურვილი, რომელიც გამოიხატება დიდი მართკუთხა ფიგურების მკაცრად დაბალანსებულ კომბინაციებში, აშკარად გამოყოფილი შავი პერპენდიკულარული ხაზებით და შეღებილია ძირითადი სპექტრის ადგილობრივ ფერებში (თეთრის დამატებით. და ნაცრისფერი ტონები). Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) ეს ტერმინი ჰოლანდიაში მე-20 საუკუნეში გამოჩნდა. პიტ მონდრიანიგანსაზღვრა მათთვის მისი პლასტიკური ცნებები, სისტემაში აწყობილი და იცავდა ჯგუფს და 1917 წელს ლეიდენში დაარსებულ ჟურნალ "სტილს" ("De Stiji"). ნეოპლასტიციზმის მთავარი მახასიათებელი იყო ექსპრესიული საშუალებების მკაცრი გამოყენება. ფორმის ასაგებად, ნეოპლასტიკა იძლევა მხოლოდ ჰორიზონტალურ და ვერტიკალურ ხაზებს. სწორი კუთხით ხაზების გადაკვეთა პირველი პრინციპია. დაახლოებით 1920 წელს მას მეორე დაემატა, რომელიც ფუნჯის მოხსნით და სიბრტყის ხაზგასმით ზღუდავს ფერებს წითელ, ლურჯ და ყვითელ, ე.ი. სამი სუფთა ძირითადი ფერი, რომელსაც მხოლოდ თეთრი და შავი შეიძლება დაემატოს. ამ სიმკაცრის დახმარებით ნეოპლასტიციზმი მიზნად ისახავდა ინდივიდუალურობის ფარგლებს გასცლოდა, რათა მიეღწია უნივერსალიზმი და ამით შეექმნა სამყაროს ახალი სურათი.
ოფიციალური "ნათლობა" ორფიზმიეს მოხდა დამოუკიდებელთა სალონში 1913 წელს. ასე რომ, კრიტიკოსი როჯერ ალარდი თავის მოხსენებაში სალონის შესახებ წერდა: „...მოდი მომავალ ისტორიკოსებს აღვნიშნოთ, რომ 1913 წელს დაიბადა ორფიზმის ახალი სკოლა...“ („La Cote“ ”პარიზი 1913 წლის 19 მარტი). მას გამოეხმაურა კიდევ ერთი კრიტიკოსი ანდრე ვარნო: „1913 წლის სალონი აღინიშნა ორფიკული სკოლის ახალი სკოლის დაბადებით“ („კომოედია“ პარიზი, 1913 წლის 18 მარტი). ბოლოს და ბოლოს გიომ აპოლინერიგანამტკიცა ეს განცხადება სიამაყის გარეშე ძახილით: „ეს არის ორფიზმი. ეს მიმართულება, რომელიც მე ვიწინასწარმეტყველე, პირველად გამოჩნდა“ („Montjoie!“ პარიზის ჩანართი 1913 წლის 18 მარტი). მართლაც, ეს ტერმინი გამოიგონეს აპოლინერი(ორფიზმი, როგორც ორფეოსის კულტი) და პირველად საჯაროდ გამოცხადდა 1912 წლის ოქტომბერში ჩატარებული ლექციის დროს თანამედროვე მხატვრობის შესახებ. რას გულისხმობდა იგი? როგორც ჩანს, თვითონაც არ იცოდა. მეტიც, არ ვიცოდი, როგორ განვსაზღვრო ამ ახალი მიმართულების საზღვრები. სინამდვილეში, დაბნეულობა, რომელიც დღემდე სუფევს, განპირობებული იყო იმით, რომ აპოლინერმა გაუცნობიერებლად აირია ორი პრობლემა, რომლებიც, რა თქმა უნდა, ურთიერთდაკავშირებულია, მაგრამ სანამ მათ დაკავშირებას ცდილობდნენ, მან უნდა ხაზგასმით აღენიშნა მათი განსხვავებები. ერთის მხრივ, შემოქმედება დელონეიფერწერული გამომსახველობითი საშუალებები მთლიანად დაფუძნებულია ფერზე და, მეორე მხრივ, კუბიზმის გაფართოებაზე რამდენიმე სხვადასხვა მიმართულების გაჩენის გამო. 1912 წლის ზაფხულის ბოლოს, მარი ლოურენცინთან ურთიერთობის გაწყვეტის შემდეგ, აპოლინერმა თავშესაფარი სთხოვა დელონის ოჯახს, რომელმაც იგი მეგობრული გაგებით მიიღო მათ სახელოსნოში, გრანდ-ავგუსტინის ქუჩაზე. მხოლოდ ამ ზაფხულს, რობერტ დელონემ და მისმა მეუღლემ განიცადეს ღრმა ესთეტიკური ევოლუცია, რასაც მან მოგვიანებით უწოდა ფერწერის „დესტრუქციული პერიოდი“, რომელიც დაფუძნებულია მხოლოდ ფერთა კონტრასტების კონსტრუქციულ და სივრცით-დროით თვისებებზე.
პოსტმოდერნიზმი (პოსტმოდერნი, პოსტ-ავანგარდი) -
(ლათინური პოსტიდან „შემდეგ“ და მოდერნიზმი), მხატვრული ტენდენციების კოლექტიური სახელწოდება, რომელიც განსაკუთრებით ნათელი გახდა 1960-იან წლებში და ხასიათდება მოდერნიზმისა და ავანგარდის პოზიციის რადიკალური გადახედვით.
აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმიომისშემდგომი (XX საუკუნის 40-იანი წლების ბოლოს - XX საუკუნის 50-იანი წლები) აბსტრაქტული ხელოვნების განვითარების ეტაპი. თავად ტერმინი ჯერ კიდევ 20-იან წლებში შემოიღო გერმანელმა ხელოვნებათმცოდნემ ე.ფონ სიდოვი (ე. ფონ სიდოვი) ექსპრესიონისტული ხელოვნების გარკვეულ ასპექტებზე. 1929 წელს ამერიკელმა ბარმა გამოიყენა იგი კანდინსკის ადრეული ნამუშევრების დასახასიათებლად, ხოლო 1947 წელს ნამუშევრებს უწოდა "აბსტრაქტული ექსპრესიონისტული". ვილემ დე კუნინგიდა პოლოკი. მას შემდეგ, აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის კონცეფცია კონსოლიდირებულია აბსტრაქტული ფერწერის საკმაოდ ფართო, სტილისტურ და ტექნიკურად ჭრელი სფეროს მიღმა (და მოგვიანებით ქანდაკება), რომელმაც სწრაფი განვითარება მიიღო 50-იან წლებში. აშშ-ში, ევროპაში და შემდეგ მთელ მსოფლიოში. აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის უშუალო წინაპრები ადრინდელად ითვლება კანდინსკიექსპრესიონისტები, ორფისტები, ნაწილობრივ დადაისტები და სიურრეალისტები თავიანთი მენტალური ავტომატიზმის პრინციპით. აბსტრაქტული ექსპრესიონიზმის ფილოსოფიური და ესთეტიკური საფუძველი ძირითადად ეგზისტენციალიზმის ფილოსოფია იყო, რომელიც პოპულარული იყო ომის შემდგომ პერიოდში.
მზადაა(ინგლისური მზად - მზად) ტერმინი ხელოვნების ისტორიულ ლექსიკონში პირველად მხატვარმა შემოიტანა. მარსელ დიუშანიდაასახელონ თავიანთი ნამუშევრები, რომლებიც წარმოადგენს უტილიტარული გამოყენების ობიექტებს, ამოღებულნი არიან მათი ნორმალური ფუნქციონირების გარემოდან და ყოველგვარი ცვლილების გარეშე გამოფენილნი არიან ხელოვნების გამოფენაზე, როგორც ხელოვნების ნიმუშები. რედი-მეიდსმა დაადასტურა ნივთებისა და ნივთების ახალი შეხედულება. ობიექტმა, რომელმაც შეწყვიტა თავისი უტილიტარული ფუნქციების შესრულება და შედიოდა ხელოვნების სივრცის კონტექსტში, ანუ გახდა არაუტილიტარული ჭვრეტის ობიექტი, დაიწყო ახალი მნიშვნელობებისა და ასოციაციური მოძრაობების გამოვლენა, რომლებიც უცნობი იყო არც ტრადიციული ხელოვნებისთვის. ან ყოფიერების ყოველდღიურ უტილიტარულ სფეროს. მწვავედ გაჩნდა ესთეტიკისა და უტილიტარის ფარდობითობის პრობლემა. პირველი მზა დიუშანიგამოფენილი ნიუ-იორკში 1913 წელს. ყველაზე ცნობილი მისი რედმეიდებია. ფოლადის "ველოსიპედის ბორბალი" (1913), "ბოთლის საშრობი" (1914), "შადრევანი" (1917) - ასე დაინიშნა ჩვეულებრივი შარდი.
Პოპ არტი.მეორე მსოფლიო ომის შემდეგ ამერიკამ ჩამოაყალიბა ადამიანთა დიდი სოციალური კლასი, რომლებიც საკმარის ფულს შოულობდნენ იმ საქონლის შესაძენად, რომელიც მათთვის განსაკუთრებით არ იყო მნიშვნელოვანი. მაგალითად, საქონლის მოხმარება: კოკა კოლა ან ლევის ჯინსი ხდება ამ საზოგადოების მნიშვნელოვანი ატრიბუტი. ადამიანი, რომელიც იყენებს ამა თუ იმ პროდუქტს, აჩვენებს თავის კუთვნილებას გარკვეულ სოციალურ კლასს. ახლა მასობრივი კულტურა ყალიბდებოდა. საგნები გახდა სიმბოლოები, სტერეოტიპები. პოპ-არტი აუცილებლად იყენებს სტერეოტიპებს და სიმბოლოებს. Პოპ არტი(პოპ არტი) განასახიერებდა ახალი ამერიკელების შემოქმედებით ძიებას, რომლებიც ეფუძნებოდნენ დიუშანის შემოქმედებით პრინციპებს. ეს: ჯასპერ ჯონსი, კ.ოლდენბურგი, ენდი უორჰოლი, და სხვა. პოპ-არტი იძენს მასობრივი კულტურის მნიშვნელობას, ამიტომ გასაკვირი არ არის, რომ იგი ჩამოყალიბდა და გახდა ხელოვნების მოძრაობა ამერიკაში. მათი თანამოაზრე ხალხი: Hamelton R, Tone Chinaავტორიტეტად არჩეული კურტ შვიტერსი. პოპ-არტს ახასიათებს ილუზიური ნამუშევარი, რომელიც ხსნის ობიექტის არსს. მაგალითი: ღვეზელი კ.ოლდენბურგი, გამოსახულია სხვადასხვა ვარიანტში. მხატვარმა შეიძლება არ გამოსახოს ღვეზელი, არამედ გააფანტოს ილუზიები და აჩვენოს ის, რასაც ადამიანი რეალურად ხედავს. ორიგინალურია რ.რაუშენბერგიც: ტილოზე მიაკრა სხვადასხვა ფოტომასალა, გამოკვეთა და ნამუშევარს მიამაგრა რაიმე სახის ფიტულები. მისი ერთ-ერთი ცნობილი ნამუშევარი არის ფიტუალური ზღარბი. ასევე ცნობილია მისი ნახატები, სადაც მან გამოიყენა კენედის ფოტოები.
პრიმიტივიზმი (გულუბრყვილო ხელოვნება). ეს კონცეფცია გამოიყენება რამდენიმე მნიშვნელობით და ფაქტობრივად იდენტურია კონცეფციისა "პრიმიტიული ხელოვნება". სხვადასხვა ენაზე და სხვადასხვა მეცნიერის მიერ, ეს ცნებები ყველაზე ხშირად გამოიყენება მხატვრულ კულტურაში ფენომენების ერთი და იგივე დიაპაზონის აღსანიშნავად. რუსულად (როგორც ზოგიერთ სხვაში), ტერმინს "პრიმიტიული" აქვს გარკვეულწილად უარყოფითი მნიშვნელობა. ამიტომ, უფრო მიზანშეწონილია კონცეფციაზე შეჩერება გულუბრყვილო ხელოვნება. ფართო გაგებით, ეს ნიშნავს სახვითი ხელოვნებას, რომელსაც ახასიათებს ფიგურალური და გამომხატველი ენის სიმარტივე (ან გამარტივება), სიცხადე და ფორმალური სპონტანურობა, რომლის დახმარებითაც გამოხატულია სამყაროს განსაკუთრებული ხედვა, რომელიც არ არის დამძიმებული ცივილიზაციური კონვენციებით. კონცეფცია გაჩნდა ბოლო საუკუნეების ახალ ევროპულ კულტურაში და, შესაბამისად, ასახავს ამ კულტურის პროფესიულ პოზიციებს და იდეებს, რომელიც თავს განვითარების უმაღლეს საფეხურად თვლიდა. ამ პოზიციებიდან გულუბრყვილო ხელოვნება ასევე მოიცავს ძველი ხალხების არქაულ ხელოვნებას (ეგვიპტურ ან ძველ ბერძნულ ცივილიზაციებამდე), მაგალითად, პრიმიტიულ ხელოვნებას; კულტურულ და ცივილიზაციურ განვითარებაში დაგვიანებული ხალხების ხელოვნება (აფრიკის მკვიდრი მოსახლეობა, ოკეანია, ამერიკელი ინდიელები); სამოყვარულო და არაპროფესიონალური ხელოვნება ფართო მასშტაბით (მაგალითად, კატალონიის ცნობილი შუა საუკუნეების ფრესკები ან ევროპიდან პირველი ამერიკელი დევნილების არაპროფესიონალური ხელოვნება); ე.წ. „საერთაშორისო გოთიკის“ მრავალი ნაწარმოები; ფოლკლორის ხელოვნება; და ბოლოს, მე-20 საუკუნის ნიჭიერი პრიმიტივისტი მხატვრების ხელოვნება, რომლებმაც არ მიიღეს პროფესიული სამხატვრო განათლება, მაგრამ იგრძნეს მხატვრული შემოქმედების ნიჭი და მიუძღვნეს თავი მის დამოუკიდებელ განხორციელებას ხელოვნებაში. ზოგიერთი მათგანი (ფრანგ ა.რუსო, ს.ბომბუა, ქართ ნ.ფიროსმანიშვილი, ხორვატია ი.გენერალიჩი, ამერიკელი ᲕᲐᲠ. რობერტსონიდა ა.შ.) შექმნა ნამდვილი მხატვრული შედევრები, რომლებიც შედის მსოფლიო ხელოვნების საგანძურში, სამყაროს ხედვითა და მისი მხატვრული წარმოდგენის მეთოდებით, გარკვეულწილად ახლოსაა ბავშვების ხელოვნებასთან, ერთი მხრივ, და. მეორეს მხრივ, ფსიქიკურად დაავადებულთა შემოქმედებითობა. თუმცა, არსებითად ის განსხვავდება ორივესგან. ბავშვთა ხელოვნებასთან მსოფლმხედველობით ყველაზე ახლოს არის არქაული ხალხებისა და ოკეანიისა და აფრიკის აბორიგენების გულუბრყვილო ხელოვნება. მისი ფუნდამენტური განსხვავება საბავშვო ხელოვნებისგან მდგომარეობს მის ღრმა სიწმინდეში, ტრადიციონალიზმსა და კანონიკურობაში.
წმინდა ხელოვნება(Net Art - ინგლისურიდან net - network, art - art) ხელოვნების უახლესი სახეობა, თანამედროვე ხელოვნების პრაქტიკა, ვითარდება კომპიუტერულ ქსელებში, კერძოდ ინტერნეტში. მისი მკვლევარები რუსეთში, რომლებიც ასევე ხელს უწყობენ მის განვითარებას, ო. ლიალინა, ა. შულგინი, თვლიან, რომ ქსელის ხელოვნების არსი მოდის ინტერნეტში კომუნიკაციისა და კრეატიული სივრცის შექმნაზე, რაც უზრუნველყოფს ონლაინ არსებობის სრულ თავისუფლებას ყველას. მაშასადამე, Net art-ის არსი. არა რეპრეზენტაცია, არამედ კომუნიკაცია და მისი უნიკალური ხელოვნების ერთეული ელექტრონული გზავნილია. Net art-ის განვითარებაში სულ მცირე სამი ეტაპია, რომელიც გაჩნდა 80-90-იან წლებში. XX საუკუნე პირველი იყო, როდესაც დამწყებ ინტერნეტ მხატვრებმა შექმნეს სურათები კომპიუტერის კლავიატურაზე ნაპოვნი ასოებიდან და ხატებიდან. მეორე დაიწყო მაშინ, როდესაც ანდერგრაუნდ არტისტები და უბრალოდ ყველას, ვისაც სურდა საკუთარი შემოქმედების რაიმეს ჩვენება, მოვიდა ინტერნეტში.
OP-ART(ინგლისური Op-art - ოპტიკური ხელოვნების შემოკლებული ვერსია - ოპტიკური ხელოვნება) - XX საუკუნის მეორე ნახევრის მხატვრული მოძრაობა, სხვადასხვა ვიზუალური ილუზიების გამოყენებით, ბრტყელი და სივრცითი ფიგურების აღქმის თავისებურებებზე დაყრდნობით. მოძრაობა აგრძელებს ტექნიკის რაციონალისტურ ხაზს (მოდერნიზმი). უბრუნდება ეგრეთ წოდებულ „გეომეტრიულ“ აბსტრაქციონიზმს, რომლის წარმომადგენელიც იყო ვ.ვაზარელი(1930 წლიდან 1997 წლამდე მუშაობდა საფრანგეთში) - ოპ არტის ფუძემდებელი. Op Art-ის შესაძლებლობებმა იპოვა გარკვეული გამოყენება ინდუსტრიულ გრაფიკაში, პლაკატებსა და დიზაინ ხელოვნებაში. ოპ არტის მიმართულება (ოპტიკური ხელოვნება) წარმოიშვა 50-იან წლებში აბსტრაქციონიზმის ფარგლებში, თუმცა ამჯერად ის სხვა მრავალფეროვნებისა იყო - გეომეტრიული აბსტრაქცია. მოძრაობად მისი გავრცელება 60-იანი წლებიდან იწყება. XX საუკუნე
გრაფიტი(გრაფიტი - არქეოლოგიაში, ნებისმიერი ნახატი ან ასო გაკაწრული ნებისმიერ ზედაპირზე, იტალიური გრაფიებიდან - ნაკაწრებამდე) ასე არის დასახელებული სუბკულტურის ნამუშევრები, რომლებიც ძირითადად დიდი ფორმატის გამოსახულებებია საზოგადოებრივი შენობების კედლებზე, ნაგებობებზე, სატრანსპორტო საშუალებებზე. დამზადებულია სხვადასხვა ტიპის სპრეის იარაღის, აეროზოლური სპრეის საღებავის ქილების გამოყენებით. აქედან მომდინარეობს სხვა სახელი "სპრეი ხელოვნების" - Spray-art. მისი წარმოშობა დაკავშირებულია გრაფიტის მასიურ გარეგნობასთან. 70-იან წლებში ნიუ-იორკის მეტროს ვაგონებზე, შემდეგ კი საზოგადოებრივი შენობების კედლებზე და მაღაზიების ჟალუზებზე. გრაფიტის პირველი ავტორები. ძირითადად ახალგაზრდა უმუშევარი მხატვრები იყვნენ ეთნიკური უმცირესობებიდან, ძირითადად პუერტო რიკოელები, ასე რომ, პირველმა გრაფიტებმა აჩვენა ლათინოამერიკული ხალხური ხელოვნების ზოგიერთი სტილისტური მახასიათებელი და ამისთვის არამიზნობრივ ზედაპირებზე გამოჩენის ფაქტით, მათმა ავტორებმა გააპროტესტეს მათი უუფლებო პოზიცია. 80-იანი წლების დასაწყისისთვის. ჩამოყალიბდა გ.-ს თითქმის პროფესიონალი ოსტატების მთელი ტენდენცია, მათი ნამდვილი სახელები, რომლებიც ადრე იმალებოდნენ ფსევდონიმებით (. CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). ზოგიერთმა მათგანმა თავისი ტექნიკა ტილოზე გადაიტანა და ნიუ-იორკის გალერეებში გამოფენა დაიწყო და მალე ევროპაში გრაფიტებიც გამოჩნდა.
ჰიპერრეალიზმი(ჰიპერრეალიზმი - ინგლისური), ან ფოტორეალიზმი (ფოტორეალიზმი - ინგლისური) - მხატვრული. მოძრაობა ფერწერასა და ქანდაკებაში, რომელიც დაფუძნებულია ფოტოგრაფიაზე და რეალობის რეპროდუქციაზე. როგორც თავისი პრაქტიკით, ასევე ნატურალიზმისა და პრაგმატიზმის მიმართ ესთეტიკური ორიენტირებით ჰიპერრეალიზმი ახლოსაა პოპ-არტთან. მათ, უპირველეს ყოვლისა, აერთიანებს ფიგურულობისკენ დაბრუნება. იგი მოქმედებს როგორც კონცეპტუალიზმის ანტითეზა, რომელიც არა მხოლოდ არღვევს რეპრეზენტაციას, არამედ ეჭვქვეშ აყენებს ხელოვნების მატერიალური რეალიზაციის პრინციპს. შინაარსი.
მიწის ხელოვნება(ინგლისური ლენდ-არტიდან - თიხის ხელოვნება), მიმართულება ბოლო მესამედის ხელოვნებაშიXXგ., რეალური ლანდშაფტის ძირითად მხატვრულ მასალად და ობიექტად გამოყენებაზე დაყრდნობით. მხატვრები თხრიან თხრილებს, ქმნიან ქვების უცნაურ გროვას, ხატავენ კლდეებს, თავიანთი ნამუშევრებისთვის ირჩევენ ჩვეულებრივ უკაცრიელ ადგილებს - ხელუხლებელ და ველურ პეიზაჟებს, რითაც ცდილობენ ხელოვნების დაბრუნებას ბუნებაში. მისი წყალობით<первобытному>გარეგნულად, ამ ტიპის მრავალი ქმედება და ობიექტი ახლოსაა არქეოლოგიასთან, ისევე როგორც ფოტო-ხელოვნებასთან, რადგან საზოგადოების უმრავლესობას მხოლოდ ფოტოების სერიაში შეუძლია მათი ხილვა. როგორც ჩანს, რუსულ ენაში მორიგ ბარბაროსობასთან შეგუება მოგვიწევს. არ ვიცი ეს ტერმინი შემთხვევითია თუ არა<лэнд-арт>ბოლოს გამოჩნდა 60-იანი წლები, იმ დროს, როდესაც განვითარებულ საზოგადოებებში სტუდენტთა მეამბოხე სული მიმართავდა თავის ძალებს დამკვიდრებული ღირებულებების დამხობისკენ.
მინიმალიზმი(მინიმალური ხელოვნება - ინგლისური: minimal art) - მხატვარი. ნაკადი, რომელიც მოდის შემოქმედებით პროცესში გამოყენებული მასალების მინიმალური ტრანსფორმაციის, ფორმების სიმარტივისა და ერთგვაროვნების, მონოქრომული, კრეატიულობისგან. მხატვრის თავშეკავება. მინიმალიზმს ახასიათებს სუბიექტურობის, რეპრეზენტაციისა და ილუზიონიზმის უარყოფა. კლასიკის უარყოფა შემოქმედების ტექნიკა და ტრადიცია. მხატვარი მასალები, მინიმალისტები იყენებენ მარტივი გეომეტრიული ფორმების სამრეწველო და ბუნებრივ მასალებს. გამოიყენება ფორმები და ნეიტრალური ფერები (შავი, ნაცრისფერი), მცირე მოცულობები, სამრეწველო წარმოების სერიული, კონვეიერის მეთოდები. შემოქმედების მინიმალისტური კონცეფციის არტეფაქტი არის მისი წარმოების პროცესის წინასწარ განსაზღვრული შედეგი. მინიმალიზმი მხატვრობასა და ქანდაკებაში ყველაზე სრულყოფილი განვითარების შემდეგ, ფართო გაგებით განიმარტა, როგორც ხელოვნების ეკონომიკა. ნიშნავს, იპოვა გამოყენება ხელოვნების სხვა ფორმებში, პირველ რიგში თეატრსა და კინოში.
მინიმალიზმი წარმოიშვა აშშ-ში ტრანს. იატაკი. 60-იანი წლები მისი სათავე კონსტრუქტივიზმი, სუპრემატიზმი, დადაიზმი, აბსტრაქტული ხელოვნება, ფორმალისტური ამერია. 50-იანი წლების მხატვრობა, პოპ-არტი. პირდაპირ მინიმალიზმის წინამორბედი. არის ამერიკელი მხატვარი ფ. სტელა, რომელმაც 1959-60 წლებში წარმოადგინა "შავი ნახატების" სერია, სადაც ჭარბობდა მოწესრიგებული სწორი ხაზები. პირველი მინიმალისტური ნამუშევრები 1962-63 წლებში გამოჩნდა ტერმინი "მინიმალიზმი". ეკუთვნის რ.ვოლჰეიმს, რომელიც მას შემოაქვს შემოქმედების ანალიზთან დაკავშირებით მ.დიუშანიდა პოპ არტისტები, რომლებიც მინიმუმამდე ამცირებენ არტისტის ჩარევას გარემოში. მისი სინონიმებია "მაგარი ხელოვნება", "ABC art", "სერიული ხელოვნება", "პირველადი სტრუქტურები", "ხელოვნება, როგორც პროცესი", "სისტემატური". ფერწერა". მათ შორის ყველაზე წარმომადგენლობითი მინიმალისტები არიან კ.ანდრე, მ.ბოხნერი, უ.დე მა-რია, დ.ფლავინი. ს. ლე ვიტი, რ. მანგოლდი, ბ. მერდენი, რ. მორისი, რ. რაიმანი. მათ აერთიანებს არტეფაქტის გარემოში მორგების, მასალების ბუნებრივ ტექსტურასთან თამაშის სურვილი. დ.ჟადგანსაზღვრავს მას, როგორც „სპეციფიკურს. ობიექტი“, განსხვავდება კლასიკურისაგან. პლასტმასის ნამუშევრები ხელოვნება დამოუკიდებლად, განათება თამაშობს როლს, როგორც მინიმალისტური ხელოვნების შექმნის გზა. სიტუაციები, ორიგინალური სივრცითი გადაწყვეტილებები; სამუშაოების შესაქმნელად გამოიყენება კომპიუტერული მეთოდები.
