В конце 17-18 вв. начинают появляться новые музыкальные каноны, которым будут следовать композиторы и музыканты на протяжении долгого времени. Этот век подарил миру музыки, которые внесли неоценимый вклад во всемирное культурное наследие. Композиторы 18 века знамениты такими личностями, как:

Это один из величайших немецких композиторов, интерес к личности и творчеству которого со временем не угасает, а, наоборот, все возрастает. Но, к сожалению, при жизни он не получил признания. У Иоганна не было другого выбора поприща, кроме как музыкального, потому что его предки славились своей музыкальностью.

Родился будущий гений в 1685 г. в городке Эйзенахе. Своим первым шагам в музыке он обязан отцу, который обучил его игре на скрипке. У Баха был прекрасный голос, и он пел в хоре городской школы. Окружающие не сомневались в том, что мальчик станет прекрасным музыкантом.

Рано став сиротой, в возрасте 15 лет, Иоганн начал самостоятельную жизнь. Несмотря на то, что юный композитор жил в стесненных обстоятельствах и частых переездах, интерес к музыке никогда не ослабевал у Баха, он постоянно расширял свои познания в области музыки путем самообразования.

В отличие от своих коллег-композиторов, которые во всем старались подражать иностранным музыкантам, Бах активно использовал в своих произведениях народные немецкие песни и танцы. Но Иоганн был не только талантливым композитором, но и прекрасным исполнителем на органе и клавесине. Если его не знали, как композитора, то все признавали его мастерство игры на этих инструментах.

Но придворному обществу не нравилась музыка композитора: ее считали слишком яркой, эмоциональной, человечной. Но несмотря на непризнание публикой его произведений, он никогда не подстраивался под их вкусы. Свои самые лучшие музыкальные произведения Бах написал в Лейпциге, куда переехал со своей семьей и оставался до конца жизни. Там он создал большую часть кантат, "Страсти по Иоанну", "Страсти по Матфею", Мессу си минор.

Самой большой радостью, поддержкой и опорой композитора была его семья. Сыновья тоже стали одаренными музыкантами и еще при жизни Баха приобрели известность. Его вторая жена и старшая дочь имели очень красивый голос. Поэтому Иоганн продолжал писать музыкальные произведения для своей семьи.

В последние годы жизни у Баха начались серьезные проблемы со зрением, и после неудачной операции он стал слепым. Но несмотря на это, не оставил свое творчество и продолжал создавать композиции, диктуя их для записи. Его смерть осталась практически незамеченной в музыкальном обществе, и о нем скоро забыли. Интерес к его музыке появился лишь через 100 лет, когда под руководством Мендельсона было исполнено одно из прекраснейших его творений - "Страсти по Матфею", и тогда же был выпущен сборник его музыкальных композиций.

Этот гений музыки не был по достоинству оценен современниками, которые не могли осознать всю силу и глубину его таланта, недолюбливали его за сильный и независимый характер, но спустя века его творчеством интересуются и восхищаются талантом. Родился Вольфганг 27 января 1756 г. Отец его был придворным музыкантом и, рано заметив в сестре Моцарта музыкальные способности, стал обучать ее музыке.

Это и положило начало творчеству Вольфганга. У мальчика в раннем возрасте обнаружились исключительные способности к музыке: будучи в возрасте 5-6 лет, он уже создал свои первые музыкальные произведения, обладая при этом уникальным музыкальным слухом и поразительной памятью. Отец, видя, что его сын обладает редкими музыкальными талантами, решает начать концертное турне, чтобы Вольфганг приобрел известность и не стал придворным музыкантом.

Но несмотря на то, что мальчиком все восхищались и в 12 лет его произведения становились известными, общество не могло полностью оценить весь потенциал юного музыканта. Поэтому, вернувшись из турне, Вольфганг стал придворным музыкантом и очень страдал от того положения, в котором он оказался. Но не желая мириться с тем, что его не уважают и обращаются неподобающим образом, он уехал из Зальцбурга в Вену.

Именно во время своего пребывания в Вене, его талант достигает расцвета. Вскоре он женился на прекрасной девушке по имени Констанца Вебер, и даже неодобрение родителей не смогли помешать их счастью. Годы, проведенные им в Вене, нельзя назвать легкими, скорее, наоборот. Испытывая нужду, Моцарту приходилось очень много работать, что сказалось на его здоровье. Несмотря на то, что его оперы "Свадьба Фигаро", "Дон Жуан" пользуются успехом, общество по-прежнему не в силах понять весь гений Вольфганга.

Незадолго до смерти Моцарт пишет свое величайшее произведение - оперу "Волшебная флейта". Одновременно с ней он создает "Реквием", но не успевает его завершить. В ночь с 4 на 5 декабря 1791 г. гениальный композитор скончался. Обстоятельства его смерти до сих пор остаются неизвестными, что порождает множество споров среди специалистов. Лишь после его кончины музыкальное общество и весь мир признали гений Моцарта, а его произведения до сих пор считаются шедеврами в музыке.

Его "Времена года" на протяжении уже нескольких столетий стоят в одном ряду с другими гениальными произведениями. Скрипач-виртуоз, получивший признание при жизни, много путешествовавший, прекрасный педагог - все это о знаменитом итальянском композиторе Антонио Вивальди.

Антонио родился 4 марта 1678 г. и стал единственным ребенком в семье, выбравшим музыкальное поприще. Его музыкальный талант проявился очень рано, и его первым учителем стал Джованни Батиста, снискавший к тому времени славу виртуоза. Изучение его манеры исполнения дает возможность предположить, что мальчик брал уроки у других знаменитых музыкантов.

Юный Антонио решает избрать карьеру священника и 18 декабря 1693 г. получает низшее церковное звание. Позднее он получил еще три "низших" и два "высших" церковных звания, необходимых для получение сана священника. Но несмотря на духовную карьеру, Вивальди продолжал весьма успешно заниматься музыкой.

И его усиленные занятия принесли результат: Антонио был назначен педагогом в одну из самых лучших "консерваторий" Венеции. Его обширная и разносторонняя музыкальная деятельность сделала "консерваторию" одной из самых выделяющихся в городе. В начале своего творчества композитор уделяет большое внимание инструментальному направлению, что можно объяснить тем, что северная часть Италии и Венеция считались центром лучших инструменталистов.

Антонио Вивальди приобрел славу за пределами Италии, его произведения пользовались успехом, а обучаться у него считали за высокую честь. В Мантуе композитор знакомится с Анной Жиро и ее сестрой Паолиной. Вскоре обе девушки стали постоянными обитательницами дома Вивальди, что вызвало недовольство церковного руководства, которому и так не нравилось, что Антонио находится в частых разъездах.

16 ноября 1737 г. от имени кардинала композитору был запрещен въезд в Феррару, что в те времена считалось позором. Это означало, что теперь вся духовная карьера Вивальди была разрушена и наносила довольно ощутимый материальный ущерб. Все сильнее ухудшались его отношения с руководством "консерватории". И дело было не только в его частых разъездах - музыка Вивальди уже стала считаться старомодной.

В конце 1740 г. Антонио расстается с "консерваторией", которая была обязана ему многолетней славой. Собираясь в длительное путешествие и испытывая материальные затруднения, Вивальди устраивает распродажу своих концертов по низкой цене. Будучи в возрасте 62 лет, композитор решает покинуть Италию и найти счастье в других странах. Но, несмотря на то, что когда-то он был всеми принимаем, его произведениями восхищались, в конце жизни Антонио Вивальди был всеми забыт и покинут. Скончался знаменитый итальянский виртуоз 28 июля 1741 г. в Вене. Он является одним из самых ярких представителей композиторов того времени, а его инструментальные композиции занимают достойное место в мировом музыкальном наследии.

Композиторы 18 века оказали огромное влияние на будущее развитие музыки, хотя они не всегда получали признание при жизни и становились известными. Просто общество той эпохи не могло оценить всей силы их таланта, красоту и глубину их . Навязываемые им рамки были слишком тесными для их дарования, для них музыка была смыслом жизни. Но потомки смогли по достоинству оценить их творчество, и до сих пор на всех концертах продолжают исполнять их гениальные произведения.

Величайшие композиторы мира всех времен: списки в хронологическом и алфавитном порядке, справочники и произведения

100 великих композиторов мира

Список композиторов в хронологическом порядке

1. Жоскен Депре (1450 –1521)
2. Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1525 –1594)
3. Клаудио Монтеверди (1567 –1643)
4. Генрих Шютц (1585 –1672)
5. Жан Батист Люлли (1632 –1687)
6. Генри Пёрселл (1658 –1695)
7. Арканджело Корелли (1653 –1713)
8. Антонио Вивальди (1678 –1741)
9. Жан Филипп Рамо (1683 –1764)
10. Георг Гендель (1685 –1759)
11. Доменико Скарлатти (1685 –1757)
12. Иоганн Себастьян Бах (1685 –1750)
13. Кристоф Виллибальд Глюк (1713 –1787)
14. Йозеф Гайдн (1732 –1809)
15. Антонио Сальери (1750 –1825)
16. Дмитрий Степанович Бортнянский (1751 –1825)
17. Вольфганг Амадей Моцарт (1756 –1791)
18. Людвиг Ван Бетховен (1770 –1826)
19. Иоганн Непомук Гуммель (1778 –1837)
20. Николло Паганини (1782 –1840)
21. Джакомо Мейербер (1791 –1864)
22. Карл Мария фон Вебер (1786 –1826)
23. Джоаккино Россини (1792 –1868)
24. Франц Шуберт (1797 –1828)
25. Гаэтано Доницетти (1797 –1848)
26. Винченцо Беллини (1801 –1835)
27. Гектор Берлиоз (1803 –1869)
28. Михаил Иванович Глинка (1804 –1857)
29. Феликс Мендельсон-Бартольди (1809 –1847)
30. Фридерик Шопен (1810 –1849)
31. Роберт Шуман (1810 –1856)
32. Александр Сергеевич Даргомыжский (1813 –1869)
33. Ференц Лист (1811 –1886)
34. Рихард Вагнер (1813 –1883)
35. Джузеппе Верди (1813 –1901)
36. Шарль Гуно (1818 –1893)
37. Станислав Монюшко (1819 –1872)
38. Жак Оффенбах (1819 –1880)
39. Александр Николаевич Серов (1820 –1871)
40. Сезар Франк (1822 –1890)
41. Бедржих Сметана (1824 –1884)
42. Антон Брукнер (1824 –1896)
43. Иоганн Штраус (1825 –1899)
44. Антон Григорьевич Рубинштейн (1829 –1894)
45. Иоганнес Брамс (1833 –1897)
46. Александр Порфирьевич Бородин (1833 –1887)
47. Камиль Сен-Санс (1835 –1921)
48. Лео Делиб (1836 –1891)
49. Милий Алексеевич Балакирев (1837 –1910)
50. Жорж Бизе (1838 –1875)
51. Модест Петрович Мусоргский (1839 –1881)
52. Петр Ильич Чайковский (1840 –1893)
53. Антонин Дворжак (1841 –1904)
54. Жюль Массне (1842 –1912)
55. Эдвард Григ (1843 –1907)
56. Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844 –1908)
57. Габриель Форе (1845 –1924)
58. Леош Яначек (1854 –1928)
59. Анатолий Константинович Лядов (1855 –1914)
60. Сергей Иванович Танееев (1856 –1915)
61. Руджеро Леонкавалло (1857 –1919)
62. Джакомо Пуччини (1858 –1924)
63. Гуго Вольф (1860 –1903)
64. Густав Малер (1860 –1911)
65. Клод Дебюсси (1862 –1918)
66. Рихард Штраус (1864 –1949)
67. Александр Тихонович Гречанинов (1864 –1956)
68. Александр Константинович Глазунов (1865 –1936)
69. Ян Сибелиус (1865 –1957)
70. Франц Легар (1870 –1945)
71. Александр Николаевич Скрябин (1872 –1915)
72. Сергей Васильевич Рахманинов (1873 –1943)
73. Арнольд Шёнберг (1874 –1951)
74. Морис Равель (1875 –1937)
75. Николай Карлович Метнер (1880 –1951)
76. Бела Барток (1881 –1945)
77. Николай Яковлевич Мясковский (1881 –1950)
78. Игорь Федорович Стравинский (1882 –1971)
79. Антон Веберн (1883 –1945)
80. Имре Кальман (1882 –1953)
81. Альбан Берг (1885 –1935)
82. Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 –1953)
83. Артур Онеггер (1892 –1955)
84. Дариюс Мийо (1892 –1974)
85. Карл Орф (1895 –1982)
86. Пауль Хиндемит (1895 –1963)
87. Джордж Гершвин (1898 –1937)
88. Исаак Осипович Дунаевский (1900 –1955)
89. Арам Ильич Хачатурян (1903 –1978)
90. Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 –1975)
91. Тихон Николаевич Хренников (род. в 1913 году)
92. Бенджамин Бриттен (1913 –1976)
93. Георгий Васильевич Свиридов (1915 –1998)
94. Леонард Бернстайн (1918 –1990)
95. Родион Константинович Щедрин (род. в 1932 году)
96. Кшиштоф Пендерецкий (род. в 1933 году)
97. Альфред Гариевич Шнитке (1934 –1998)
98. Боб Дилан (род. в 1941 году)
99. Джон Леннон (1940–1980) и Пол Маккартни (род. в 1942 году)
100. Стинг (род. в 1951 году)

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ

Самые известные композиторы мира

Список композиторов в алфавитном порядке

Слово опера в переводе с итальянского означает «труд», «сочинение». Первоначально музыкальный спектакль называли «dramma per musica» - «драма на музыке» или «музыкальная драма», к чему добавляли - опера , то есть труд такого-то композитора.

Первые оперы появились в Италии , во Флоренции на рубеже XVI - XVII столетий. Их авторы были участниками небольшого кружка любителей искусства, собиравшихся у богатых меценатов Джованни Барди и Якопо Корси . Кружок этот вошел в историю музыки под названием флорентийской камераты (итальянское camerata - кружок).

Члены камераты были большими поклонниками античного искусства и мечтали возродить древнегреческую трагедию. По сохранившимся описаниям они знали, что во время представления трагедий Эсхила, Софокла, Еврипида актеры не проговаривали, а пропевали текст, и что там участвовал поющий и танцующий хор. Однако какова была музыка в , они не имели ни малейшего представления, поскольку никакого документального материала у них не было (немногие сохранившиеся записи еще не были расшифрованы). Тем не менее, из высказываний античных философов и поэтов они сделали вывод, что манера исполнения античных актеров представляла собой нечто среднее между пением и обычной речью, и попробовали создать мелодию такого же типа. Результатом их экспериментов было создание речитатива - речевой мелодики. Это была вокальная мелодия полунапевного, полудекламационного характера, предназначенная для сольного исполнения с инструментальным сопровождением. Сами члены кружка так характеризовали созданный ими тип мелодики:

«такой тип пения, где можно было бы словно говорить» (Дж. Каччини)

«пение на полпути между обычным говором и чистой мелодией» (Я. Пери).

Первая опера, созданная во Флоренции, не сохранилась. Две другие появились почти одновременно и были написаны на один и тот же сюжет известного мифа об Орфее. Обе оперы назывались одинаково - «Эвридика» . Музыку одной из них написал Якопо Пери, а другой - Джулио Каччини. Автор текста - поэт Оттавио Ринуччини.

Для первых флорентийских опер было характерно:

• господство речитатива,
• отсутствие арий и ансамблей,
• статичность действия.

Новый жанр развивался очень бурно и стремительно. Опыт флорентийцев перенимался в других итальянских городах, и уже очень скоро в истории оперы появились первые классические произведения. Их автором стал Клаудио Монтеверди .

Монтеверди (1567-1643) - итальянский композитор, имя которого стоит рядом с именами величайших художников и поэтов эпохи Возрождения. Если его и нельзя назвать «изобретателем» оперы и гомофонно--гармонического стиля, то именно он создал гениальные образцы и нового жанра, и нового стиля.

Благодаря Монтеверди опера превратилась в произведение прежде всего музыкальное: теперь музыка стала занимать не подчиненное, как это было раньше, а главное место. В отличие от однообразного речитатива Пери и Каччини, Монтеверди создал остро напряженный, драматический речитатив - с внезапными сменами темпа и ритма, выразительными паузами. При этом Монтеверди не ограничился речитативом: в кульминациях своих опер он включал арии, где мелодия носила уже не декламационный, а певучий характер. Большое значение приобрел хор и оркестр, который подчеркивал значительность того или иного момента драмы. Все это позволило Монтеверди ярко раскрывать внутренний мир своих героев.

Первые оперы Монтеверди - «Орфей» и «Ариадна» (от которой сохранился только один-единственный фрагмент - «Плач Ариадны», получивший всемирную известность) - появились в Мантуе. В дальнейшем же Монтеверди переехал в Венецию, где протекал последний период его творчества (30 лет). Здесь он выступил во главе новой оперной школы, создав такие произведения, как «Возвращение Улисса» и «Коронация Поппеи» . Подобно «Орфею» они относятся к жанру «dramma per musica», который стал исторически первым типом оперы.

«Коронация Поппеи» , созданная за год до смерти Монтеверди, это вершина всего его творчества. Сюжет оперы заимствован из «Анналов» (т.е. летописей) Тацита - крупнейшего историка Древнего Рима. Впервые за полвека существования оперного жанра на смену мифологии пришла историческая хроника, а богов и мифических героев вытеснили исторические личности. В оперной культуре XVII века еще не было произведения, которое, подобно шекспировским хроникам, воспроизводило бы реальные исторические события; вот почему «Поппею» называют «первой оперой на исторический сюжет».

Жестокий и сумасбродный император Нерон решил низложить свою супругу Оттавию, чтобы возвести на престол любовницу - красавицу Поппею. Воспитатель Нерона, философ Сенека пытается отговорить императора от расторжения брака, поскольку народ Рима сочувствует императрице. Разъяренный этим сопротивлением, Нерон приговаривает философа к смерти.

Оттавия не собирается сдавать свои позиции без борьбы. Она приказывает Оттону, мужу Поппеи, умертвить соперницу. Любящий Поппею Оттон пытается уклониться от этого шага, но Оттавия шантажом заставляет его подчиниться. Переодевшись в платье Друзиллы - юной девушки, влюбленной в него, Оттон проникает в покои Поппеи, чтобы заколоть ее кинжалом. Однако в последний момент заговор раскрывается, и все его участники отправляются в изгнание. Нерон перед римскими консулами и трибунами коронует Поппею.

Слушательская аудитория первых опер ограничивалась очень узким кругом: это придворная знать, просвещенные любители и знатоки искусства. Но постепенно оперный жанр стал демократизироваться , то есть обращаться к более широкому кругу слушателей.

Процесс демократизации оперы начался в 20-е годы XVII века в Риме , где кардинал Барберини построил первый специально оперный театр. Католическая церковь вообще покровительствовала новому жанру, преследуя религиозно-пропагандистские цели. Излюбленные сюжеты римских опер - жития святых и нравоучительные повести о раскаявшихся грешниках. Однако местами в эту сюжетику неожиданно вставлялись бытовые комические сценки для привлечения рядового слушателя. Именно это стало наиболее ценным в римской опере, поскольку таким путем в оперу проникали реалистические картины народной жизни, повседневные ситуации, простые герои и народная музыка. Среди римских композиторов выделяются Стефано Ланди и Лоретто Виттори , которому принадлежит одна из лучших опер этой школы «Галатея» .

В совершенно других условиях развивалась опера в Венеции . Руководство ею здесь попало в руки предприимчивых коммерсантов. За короткое время в городе появилось несколько общедоступных городских театров (первый - Сан-Кассиано ), конкурирующих между собой.

Венецианские театры были не только очагами культуры, но и коммерческими предприятиями, главная цель которых - делать сборы. В связи с этим опера стала зависеть от вкусов широкой публики, которая отличалась от просвещенных знатоков Флоренции или аристократических посетителей дворцовых театров как «небо и земля». Здесь никто не думал о возрождении античной трагедии. Опера должна была увлекать, не утомлять излишней серьезностью, быть жизненной и понятной простым венецианцам. С этой целью стали впервые печатать в специальных маленьких книжечках краткое содержание опер (такие книжечки назывались либретто - в переводе «книжечка»). Оперные сюжеты насытились захватывающими приключениями (внезапными нападениями, землетрясениями, дуэлями, погонями). Они по-прежнему опирались на античные мифы или же на исторические события, однако и то, и другое толковалось очень свободно и зачастую осовременивалось. Например, в опере Монтеверди «Возвращение Улисса» легендарный Одиссей, отправляясь в плавание, подвергался таможенному досмотру, как все венецианские купцы. В венецианскую оперу гораздо шире, чем в римскую, вводились комедийные эпизоды из жизни простонародья (слуг, ремесленников, торговцев), а вместе с ними - и интонации итальянских народных песен. Таким образом, в венецианской опере усилилась связь с народным искусством .

Среди композиторов венецианской оперной школы следует выделить последователей Монтеверди Франческо Ковалли и Марка Антонио Чести (среди опер этого композитора наиболее шумный успех выпал на долю «Золотого яблока», где использовался эпизод о Парисе и Елене из истории Троянской войны).

Позднее других - к концу XVII века - сложилась оперная школа в Неаполе, подытожившая историю столетнего развития итальянской оперы. Интересно, что неаполитанская опера оказалась особенно далекой от того идеала, к которому стремилась флорентийская камерата. Она сразу заявила о себе как произведение, в котором ведущей силой является не поэзия, а музыка, пение. Именно в Неаполе утвердился тот вид оперного пения, который получил название bel canto (прекрасное пение). Под ним понимается умение плавно, красиво исполнять певучую мелодию широкого дыхания (кантилену), причем сохранять эту плавность постоянно. Стиль бельканто требует от певца высшего мастерства: виртуозного владения дыханием, ровного звучания голоса во всех регистрах, блестящей техники. Пение это вызывало заслуженные восторги у слушателей.

Стиль bel canto способствовал расцвету арии , получившей явный перевес над речитативом. Неаполитанцы ввели в практику типовые арии, которые долгое время господствовали на оперной сцене. Сложилось несколько контрастных типов арий, связанных с наиболее часто встречающимися сценическими ситуациями: lamento (по-итальянски - плач, жалоба) - скорбные арии, арии патетические (страстные), бытовые, лирические, бравурные (шумные, бодрые), буффонные, арии мести.

Каждый тип опирался на свои выразительные приемы. Так, например, для lamento характерна опора на интонацию нисходящей секунды, передающую стон, рыдание. Первый классический образец этого типа арии - плач Ариадны Монтеверди. Именно образы скорби, печали, воплощенные в ариях lamento, были у неаполитанцев наиболее глубокими и сильными.

Причина широкой популярности типовых арий заключалась в том, что оперные герои XVII века еще не имели индивидуального облика и характера. Свои чувства они выражали обобщенным языком, связанным не с характером, а с определенной ситуацией, в которую они попадали. Никого не смущало, что жестокий деспот, злодей, влюбившись, изливал свои чувства в возвышенной, одухотворенной мелодии божественной красоты, и наоборот, застенчивая, робкая девушка, почувствовав ревность, начинала выводить неистовые рулады. Другими словами, выражение одинаковых чувств (любви, скорби, ненависти и пр.) было сходным у совершенно разных героев. По форме арии XVII века представляли собой тип da capo, состоящий из трех частей. Третья часть, реприза, как правило, украшалась певцами всевозможными руладами.

Неаполитанцы усовершенствовали и речитатив , разделив его на два вида - аккомпанированный (accompagnato) и сухой (secco). В речитатив secco попадал весь информационный материал, который требовалось донести до слушателя. Если ария неизменно вызывала остановку действия, то сухой речитатив, напротив, его совершенно не задерживал, он быстро следовал за текстом. В мелодическом отношении он напоминал скорее разговорную речь, чем пение: исполнялся скороговоркой в очень свободной манере (с выделением отдельных слов, сменами темпа, выразительными паузами) - певец вел себя как драматический актер. Вот почему речитатив-secco не мог сопровождаться оркестром, Лишь отдельные аккорды клавесина помогали певцу держаться в тональности.

Аккомпанированный речитатив отличался большей напевностью и подобно арии звучал в сопровождении оркестра. Он часто использовался как вступление к арии. Нередко в таком речитативе передавались сложные душевные состояния, борьба различных чувств.

Таким образом, композиторы неаполитанской оперной школы четко определили и разграничили назначение основных оперных форм - арии и речитатива: ария концентрировалась на выражении какого-то определенного чувства, выражая отношение действующих лиц к происходящему, речитатив же развивал действие в диалоге или повествовании о каком-либо событии.

В рамках неаполитанской школы, прежде всего в творчестве Аллесандро Скарлатти , сложился новый оперный жанр - опера-seria (итальянское seria - серьезная). Типовыми особенностями этого оперного жанра были:

• мифологический или историко-легендарный сюжет с запутанной, нередко малоправдоподобной интригой и обязательной счастливой концовкой;
• знатное происхождение героев (это короли, полководцы, античные боги);
• ария, как центральная оперная форма, «перевешивающая» всё остальное. Речитатив же постепенно всё более терял свое значение;
• господство пения и отступление драмы (того, что происходит на сцене) на задний план, то есть безразличное отношение к содержанию.

Со временем в опере-seria утвердился настоящий культ певца-виртуоза, который мог диктовать композитору свои условия (один певец требовал, чтобы в любой арии обязательно были виртуозные пассажи, особенно хорошо ему удававшиеся, другой непременно хотел исполнить скорбную арию lamento, и пр.) В итоге опера-seria получила обидное прозвище - концерт в костюмах, поскольку цепь арий, воплощающих сильные чувства, часто была лишена логической связи друг с другом (всё, что относилось к собственно драме, быстро «проговаривалось», не вызывая интереса у публики).

Роль оперы-seria в развития оперного жанра чрезвычайно велика: именно с ее появления начался подлинный расцвет оперного жанра, как произведения прежде всего музыкального. В то же время это было явление противоречивое, в котором всё больше усиливались кризисные черты.

В противовес опере-seria в 30-х годах следующего, XVIII века, в Неаполе возникла опера-buffa - комическая, причем родилась она внутри серьезной оперы из так называемых интермедий - тех забавных комедийных сценок, которые вставлялись в оперу-seria для развлечения публики. Начало этому жанру положила «Служанка-госпожа» Перголези. В ней - всего три роли, причем одна - мимическая (Веспоне, слуга Уберто, не поет). Сюжет очень прост: ловкая молоденькая служанка Серпина хитростью женит на себе своего господина, старого холостяка Уберто. Успех этой веселой интермедии был настолько сенсационным, что она совершенно затмила серьезную оперу, в рамках которой исполнялась, в результате ее стали давать отдельно, как самостоятельное произведение.

Мастерами buffa были Галуппи , Пиччини , Паизиелло , Чимароза .

Из Италии опера очень быстро распространилась в других европейских странах, став уже к середине XVII века одним из самых популярных жанров. Различные итальянские оперные труппы с успехом гастролировали в Австрии, Германии, Англии, Франции, вызывая интерес к оперному искусству и пробуждая инициативу отечественных композиторов, которые пробуют силы в новом жанре. Однако увлечение итальянской оперой порой оборачивалось и отрицательной стороной: там, где короли и придворные круги преклонялись только перед итальянским искусством, оно тормозило развитие своих национальных оперных школ.

С неимоверным трудом пробивала себе дорогу немецкая опера . Она вызывала полнейшее равнодушие со стороны правящих кругов, которые признавали только искусство иностранцев, в первую очередь - итальянцев. Германию буквально заводнили приезжие артисты - певцы, дирижеры, композиторы.

Первая немецкая опера «Дафна» появилась в 1627 году. Ее автором был Генрих Шютц , один из самых выдающихся немецких композиторов. Кроме «Дафны» предпринимались и другие попытки создания национальных немецких опер, однако этот процесс прерывается тридцатилетней войной. Лишь с 60-х годов XVII века начинается новый этап становления оперного искусства в Германии. В крупных немецких городах - Дрездене, Гамбурге, Лейпциге - открываются оперные театры, в которых, однако, прочно обосновываются итальянские оперные труппы, ставящие итальянские оперы. Единственное исключение - Гамбург , где оперному театру некоторое время удается сопротивляться итальянскому господству. Только там ставятся оперные спектакли на родном немецком языке.

Расцвет гамбургской оперы связан с именем высокоталантливого немецкого композитора Рейнгарда Кайзера , произведения которого пользовались небывалым успехом. В своих операх Кайзер обращался к самым разным сюжетам: мифологическим, историческим, комическим. Среди его лучших опер - «Октавия» , «Нерон», «Лейпцигская ярмарка» . Влияние Кайзера испытали многие немецкие композиторы, вплоть до Баха и Генделя.

Однако постепенно и в Гамбургской опере назревает и усиливается кризис. Его яростно травит церковь, публика охладевает к ней, театр не делает сборов, сцену его заполоняют итальянцы, и в конце концов (к началу 40-х годов) оперный театр в Гамбурге перестал существовать. Главная причина этого печального итога заключалась в том, что в отсталой Германии для национального оперного театра попросту не было общественно-культурных условий. Немецким композиторам не оставалось ничего другого, как подобно Генделю искать признания на чужбине, сочиняя там оперы в итальянском стиле, или же применять свой талант вне оперной музыки.

Особая судьба постигла оперу в Англии . Англичане обычно не торопились перенимать европейские новшества. Музыкальный спектакль, полностью построенный на пении, долгое время не вызывал у них симпатий. Они предпочитали смешанные формы - драматические спектакли, где было много музыки, но основной упор делался на слово, актерскую игру. Была популярна и semi-опера (полуопера), основанная на сочетании музыки и разговорных диалогов.

Первая английская национальная опера - «Дидона и Эней» - принадлежит Генри Пёрселлу . Деятельность этого великого композитора протекала в основном в области театральной музыки: он оформлял спектакли на сюжеты Шекспира и современных ему английских драматургов. «Дидона и Эней» - единственная опера Пёрселла в общепринятом смысле этого слова. Написана она была не для профессиональной сцены, а для школьного праздника в пансионе благородных девиц. Силами учениц и была исполнена в камерной, почти домашней обстановке. Отсюда очень скромные масштабы оперы - она продолжается чуть больше часа.

Сюжет «Дидоны» заимствован из «Энеиды» Вергилия :

Эней, спасающийся бегством из разрушенной Трои, попадает в Карфаген, где правит вдовствующая царица Дидона. Вспыхивает взаимная страстная любовь, но злые силы (в образе ведьм, типичном для английского фольклора) мешают счастью героев. Эней вынужден покинуть Карфаген и Дидона умирает от горя.

Кульминация всей оперы - предсмертный монолог героини , выдержанный в жанре lamento. Его музыку отличает редкая мелодическая красота и, вместе с тем, гениальная простота. На всем протяжении арии повторяется остинатный бас, усиливая ощущение роковой неотвратимости. По мере нарастания скорби мелодия утрачивает песенность и переходит в декламацию.

Подобно другим операм XVII века «Дидона» строится на чередовании отдельных номеров - сольных, ансамблевых, хоровых (такая структура называется номерной). Вместе с тем, в ней налицо стремление объединить номера в сцены. Например, в финале последнего, III-го действия речитатив Дидоны, не завершаясь, переходит в арию , которая без перерыва вливается в оркестровую постлюдию , а постлюдия - в заключительный хор. Подобное сквозное развитие будет характерно для опер более позднего времени.

Появление «Дидоны» ознаменовало рождение национальной английской оперы. Однако при жизни Пёрселла она ни разу не была исполнена на профессиональной сцене, а после смерти композитора для нее наступил период прочного и, казалось, вечного забвения. Лишь в конце XIX века опера прозвучала вновь, вызвав целый переворот в английской музыкальной культуре. В XVII-м же веке у Пёрселла не нашлось ни одного последователя, и говоря словами Ромена Роллана, он оказался «основоположником не состоявшейся английской оперной школы». Со смертью Пёрселла на 2,5 столетия оборвалась и жизнь английской оперы.

Единственной страной, которая в XVII веке сумела оградить себя от влияния итальянского оперного театра, была Франция . Здесь сложилась своя, очень самобытная национальная оперная традиция и любой композитор-иностранец, желавший покорить Париж, был обязан не только писать исключительно на французский текст, но и следовать ряду установленных во Франции обычаев.

Первую попытку создания французской оперы предприняли поэт Пьер Перрен и композитор Робер Камбер . По их предложению в Париже был открыт публичный оперный театр Grand Opera. Однако подлинным творцом французской оперы считается Жан Батист Люлли , создавший эталон французского музыкального стиля.

Жан Батист Люлли

Итальянец по происхождению (в детстве его звали Джованни Баттиста Лулли), Люлли еще в детстве, благодаря счастливому случаю, попал во Францию, где находился в услужении у сестры французского короля. Благодаря редким музыкальным способностям он стремительно сделал блестящую карьеру, став придворным композитором, пользующимся неограниченным доверием Людовика XIV.

Талант Люлли отличался редкой разносторонностью: он был превосходным скрипачом, организовавшим свой собственный оркестр («16 скрипок короля»), дирижером, композитором, танцором, балетмейстером, режиссером, руководителем придворного музыкального театра, для которого написал 20 музыкально-драматических произведений. Будучи современником великих французских драматургов - Корнеля, Расина, Мольера - Люлли активно сотрудничал с ними, особенно много - с Мольером, написав музыку к таким его пьесам, как «Брак поневоле», «Сицилиец», «Мещанин во дворянстве» и др.

Композитор называл свои оперные сочиненияи «лирическими трагедиями» (буквально: трагедия под лиру, то есть поющаяся, музыкальная ). Их первым слушателем и почитателем был сам Людовик XIV, для которого они стали любимейшим зрелищем.

Среди опер Люлли наиболее известны «Ариадна» , «Атис» , «Армида» , «Ацис и Галатея» , «Тезей» . Все они написаны на текст прекрасного поэта Филиппа Кино , который был бессменным либреттистом композитора.

Опера Люлли - это стройный по форме монументальный спектакль из 5 актов с обязательным прологом (итальянская серьезная опера была трехактной). Несмотря на общие с итальянской оперой-seria сюжеты (в основном мифологические), французская опера во многом отличается от нее:

• Ее основу составляет декламационный речитатив , родственный возвышенной, патетически приподнятой речи и гораздо менее гибкий и мелодичный, чем в итальянской опере. Свои речитативы Люлли сочинял, подражая размеренной патетической декламации лучших французских драматических актеров.
• Ария, игравшая в итальянской опере господствующую роль, заняла у Люлли более скромное место, служа небольшим завершением речитативного монолога. В музыке своих арий композитор зачастую использовал интонации бытовых французских песен.
• Комедийные сценки, столь популярные в Италии, во французскую лирическую трагедию не допускались. Развлекательная сторона заключалась в обилии балетных номеров (любовь к балету является национальной французской чертой). 5-й акт вообще представлял собой цепь танцев, в которых по традиции принимал участие сам король и королевская знать.
• Огромное значение во французской опере имели разнообразные по характеру хоровые эпизоды.
• Постановками лирических трагедий, предназначенных для королевского придворного театра, зачастую отличались чрезмерной роскошью и пышностью.
• На французской сцене практически не появлялись певцы-кастраты, столь популярные в Италии. Кроме того, здесь никогда не было диктата певцов.

В операх Люлли утвердился тип французской увертюры. Обычно она состояла из 2-х частей: медленно-величавого марша и быстрого, энергичного фугато (итальянская же увертюра XVIII века чаще всего строилась на контрасте 3-х частей по принципу быстро-медленно-быстро).

По стилю оперы Люлли тесно связаны с национальными традициями французской культуры, в первую очередь - с французским драматическим театром. Вместе с тем, многое в них противоречит правилам классицистской трагедии. Так, например, в либретто Кино среди действующих лиц почти всегда присутствуют боги и фантастические существа, встречаются ситуации, совершенно невозможные в драмах Корнеля и Расина; почти никогда не соблюдается классический принцип единства времени, места и действия. Всё это роднит французскую оперу XVII века с театром барокко.

Становление классической музыки. Великие композиторы 17-18 века

Монтеверди. Д.Фрескобальди`. А.Корелли. А.Вивальди. А.Скарлатти.Д.Б.Перголези. Династии скрипичных мастеров.

МУЗЫКА ИТАЛИИ

Ж.Б.Люлли. Ж.Ф.Рамо. Ф.Куперен.

МУЗЫКА ФРАНЦИИ

Г.Перселл.

МУЗЫКА АНГЛИИ

Г.Шютц. Д.Букстехуде. Г.Ф.Гендель. И.С.Бах.

МУЗЫКА ГЕРМАНИИ

М.С.Березовский. Д.С.Бортнянский. Е.И.Фомин.

МУЗЫКА РОССИИ

На рубеже XVI-XVII столетий полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. "хомос" - "один", "одинаковый" и "фоне" - "звук", "голос"). В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонном многоголосии выделяется один, исполняющий главную тему, а остальные играют роль аккомпанемента (сопровождения). Аккомпанемент представляет собой, как правило, систему аккордов (гармоний). Отсюда и название нового способа сочинения музыки - гомофонно-гармонический.

Появились произведения, написанные на религиозные тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. (Такие сочинения называют духовными, так как слово "духовный" имеет более широкое значение, чем "церковный".) Основные духовные жанры XVII- XVIII вв. - кантата и оратория. Возросло значение светской музыки: она звучала при дворе, в салонах аристократов, в общедоступных театрах (первые такие театры были открыты в XVII в.). Сложился новый вид музыкального искусства - опера.

Инструментальная музыка также отмечена появлением новых жанров, и в первую очередь инструментального концерта. Скрипка, клавесин, орган постепенно превратились в сольные инструменты. Музыка, написанная для них, давала возможность проявить талант не только композитору, но и исполнителю. Ценилась прежде всего виртуозность (умение справляться с техническими трудностями), которая постепенно стала для многих музыкантов самоцелью и художественной ценностью.

Композиторы XVII-XVIII столетий обычно не только сочиняли музыку, но и виртуозно играли на инструментах, занимались педагогической деятельностью. Благополучие художника в значительной степени зависело от конкретного заказчика. Как правило, каждый серьёзный музыкант стремился получить место либо при дворе монарха или богатого аристократа (у многих представителей знати были собственные оркестры или оперные театры), либо в храме. Причём большинство композиторов легко сочетали церковное музицирование со службой у светского покровителя.

Художественные направления 18 века и их характерные особенности

Художественное направление - принципиальная общность художественных явлений на протяжении длительного времени.

Барокко - направление в европейской архитектуре и искусстве конца 16-18 веков, для которого характерны:

Грандиозность, пышность и динамика;

Патетическая приподнятость;

Интенсивность чувств;

Пристрастие к эффектными зрелищам;

Совмещению иллюзорного и реального;

Сильные контрасты масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.

Классицизм - художественное направление в европейском искусстве 17-19 веков. Художники классицизма:

Признавали высшим образцом античное искусство;

Опирались на традиции Высокого Возрождения;

Стремились к выражению идеи гармонического устройства общества, основанного на вечных "законах разума"

Великие композиторы, чьи имена широко известны во всем мире, создали огромное количество ценных произведений. Их творения поистине уникальны. Каждому из них присущ индивидуальный и неповторимый стиль.

Великие композиторы мира (зарубежные). Список

Ниже представлены зарубежные композиторы разных веков, чьи имена известны на весь мир. Это:

• А. Вивальди.
• И. С. Бах.
• В. А. Моцарт.
• И. Брамс.
• Й. Гайдн.
• Р. Шуман.
• Ф. Шуберт.
• Л. Бетховен.
• И. Штраус.
• Р. Вагнер.
• Дж. Верди.
• А. Берг.
• А. Шенберг.
• Дж. Гершвин.
• О. Мессиан.
• Ч. Айвз.
• Б. Бриттен.

Великие композиторы мира (русские). Список

Он создал большое количество оперетт, работал с легкими музыкальными формами танцевального характера, в которых очень преуспел. Благодаря Штраусу вальс стал чрезвычайно популярным танцем в Вене. Кстати, там до сих пор проводятся балы. В наследии композитора - польки, балеты и кадрили.

И Дж. Верди - великие которые создали огромное количество опер, завоевавших искреннюю любовь зрителей.

Немец Рихард Вагнер был виднейшим представителем модернизма в музыке этого столетия. Богато его оперное наследие. «Тангейзер», «Лоэнгрин», «Летучий голландец» и другие оперы до сих пор актуальны, популярны и ставятся на сцене.

Итальянский композитор Джузеппе Верди - весьма величественная фигура. Он придал итальянской опере новое дыхание, при этом он остался верным оперным традициям.

Русские композиторы 19-го века

М. И. Глинка, А. П. Бородин, М. П. Мусоргский, П. И. Чайковский - великие композиторы классической музыки 19-го века, которые жили и создавали свои произведения в России.

Произведения Михаила Ивановича Глинки определили общенациональное и мировое значение в истории русской музыки. Его творчество, выросшее на русской народной песенности, глубоко национально. Его по праву считают новатором, родоначальником русской музыкальной классики. Глинка плодотворно работал во всех Его оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») и «Руслан и Людмила» открыли путь двум ведущим направлениям. Большое значение в развитии музыкального искусства имели и его симфонические произведения: «Камаринская», «Вальс-фантазия» и многие другие.

Александр Порфирьевич Бородин - великий русский композитор. Его творчество невелико по объему, но значительно по содержанию. Центральное место занимают богатырские исторические образы. У него тесно переплетаются глубокий лиризм с эпической широтой. В опере «Князь Игорь» объединены черты народно-музыкальной драмы и эпической оперы. Его первая и вторая симфонии знаменуют собой новое направление в русском симфонизме - героико-эпическое. В области камерно-вокальной лирики он стал настоящим новатором. Его романсы: «Море», «Для берегов отчизны дальней», «Песнь темного леса» и многие другие. Бородин оказал значительное влияние на своих последователей.

Модест Петрович Мусоргский - еще один великий русский композитор 19-го века. Входил в Балакиревский кружок, который назывался «Могучая кучка». Он плодотворно работал в разнообразных жанрах. Прекрасны его оперы: «Хованщина», «Борис Годунов», «Сорочинская ярмарка». В его произведениях проявились черты творческой индивидуальности. Ему принадлежит ряд романсов: «Калистрат», «Семинарист», «Колыбельная Еремушке», «Сиротка», «Светик Савишна». В них запечатлены неповторимые национальные характеры.

Петр Ильич Чайковский - композитор, дирижер, педагог.

В его творчестве были ведущими оперный и симфонический жанры. Содержание его музыки универсально. Его оперы «Пиковая дама», «Евгений Онегин» - шедевры русской классической музыки. Симфония также занимает главное место в его творчестве. Его произведения стали известны на весь мир еще при жизни.

Представители новой венской школы

А. Берг, А. Веберн, А. Шенберг - это великие композиторы, которые жили и создавали свои произведения на протяжении 20-го века.

Альбан Берг стал всемирно известен благодаря своей удивительной опере «Воццек», которая произвела сильнейшее впечатление на слушателей. Он писал ее в течение нескольких лет. Ее премьера состоялась 14 декабря 1925 года. В настоящий момент «Воццек» - это классический пример оперы 20-го века.

Антон Веберн - австрийский композитор, один из ярчайших представителей новой венской школы. В своих произведениях он использовал серийную и додекафонную технику. Ему присущи сжатость и лаконизм мысли, концентрация музыкально-выразительных средств. Его творчество оказало сильнейшее воздействие на Стравинского, Булеза, Губайдулину и многих других русских и зарубежных композиторов.

Арнольд Шенберг - яркий представитель такого музыкального стиля, как экспрессионизм. Автор серийной и додекафонной техники. Его сочинения: Второй струнный квартет (фа-диез минор), "Драма с музыкой для хора и оркестра", опера «Моисей и Аарон» и многие другие.

Дж. Гершвин, О. Мессиан, Ч. Айвз

Это великие композиторы 20-го века, которые известны во всем мире.

Джордж Гершвин - американский композитор, пианист. Стал чрезвычайно популярен благодаря своей масштабной работе «Порги и Бесс». Это «фольклорная» опера. Она поставлена по роману Дюбоса Хейворда. Не менее известны его инструментальные произведения: «Рапсодия в стиле блюз для фортепиано с оркестром», «Американец в Париже», «Вторая рапсодия» и многие другие.

Оливье Мессиан - французский композитор, органист, педагог, музыкальный теоретик. В своих замечательных теоретических трудах он изложил новые и достаточно сложные принципы музыкальной композиции. В его произведениях нашли отражение теологические идеи. Его очень увлекали голоса птиц. Поэтому он создал «Каталог птиц» для фортепиано.

Чарльз Айвз - американский композитор. На его творчество оказала влияние народная музыка. Поэтому его стиль чрезвычайно уникальный. Он создал пять симфоний, пять скрипичных сонат, две фортепианные сонаты, кантату «Небесная страна» и многие другие произведения.

Русские композиторы 20-го века

С. С. Прокофьев, И. Ф. Стравинский, Д. Д. Шостакович - великие композиторы 20-го века.

Сергей Сергеевич Прокофьев - композитор, дирижер, пианист.

Его музыка разнообразна по содержанию. В ней содержится лирика и эпос, юмор и драма, психологизм и характеристичность. Оперное и балетное творчество заложило новые принципы и приемы музыкальной драматургии. Его оперы - «Игрок», «Любовь к трем апельсинам», «Война и мир». Работал Прокофьев в жанре киномузыки. Широко известна его кантата «Александр Невский», создаваемая в содружестве с режиссером С. Эйзенштейном.

Игорь Федорович Стравинский - композитор-эмигрант, дирижер.

Его творчество делится на русский и зарубежный периоды. Его ярчайшие балеты: «Петрушка», «Весна священная», «Жар-птица». Большой вклад Стравинский внес и в симфонический жанр.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович - композитор, педагог, пианист. Его творчество многопланово по жанрам и образному содержанию. Особо его значение как композитора-симфониста. В его пятнадцати симфониях отражен сложный мир человеческих чувств с переживаниями, борьбой, трагическими конфликтами. Его опера «Катерина Измайлова» - прекрасное сочинение данного жанра.

Заключение

Музыка великих композиторов написана в разных жанрах, содержит многоплановые сюжеты, постоянно обновляемые техники, соответствующие той или иной эпохе. Некоторые композиторы достигли высот в немногих жанрах, другие же успешно охватили практически все области. Из всей плеяды великих композиторов сложно выделить лучших. Все они внесли значительный вклад в историю мировой музыкальной культуры.